V 60. rokoch. XVIII storočia. klasicizmuspevne usadený vo výtvarnom umení Ruska. Starožitné predmety sú široko používané vo všetkých žánroch maľby.
Vedúci žáner ruštiny výtvarné umenie druhý polovica XVIII storočia bolo historická maľba... Podľa vtedajších myšlienok iba historický žáner dokázal zachytiť hrdinské obrazy minulosti, veľkých udalostí svetových a ruských dejín. Umelci tohto žánru sa často obrátili aj k biblickým a mytologickým predmetom.
Najvýznamnejšie historické maľby vznikli v druhej polovici 18. storočia. absolvent Akadémie umení Anton Pavlovič Losenko (1737-1779). Sedliacky syn, ktorý sa narodil v ukrajinskom meste Glukhov vďaka svojmu speváckemu talentu, začal v roku 1744 spievať v dvorskom zbore v Petrohrade. Zároveň preukázal schopnosť kresliť, čo mu umožnilo v roku 1753 prihlásiť sa na výcvik umelca I.P. Argunova. V roku 1758 bol Losenko prijatý na Akadémiu umení. Po ukončení štúdia v roku 1760 sa zdokonalil v maľbe v Ríme a Paríži. V rokoch 1772-1773. Losenko bol riaditeľom Akadémie umení. Pedagogická činnosť bol veľmi plodný: jeho školu vyštudovali významní umelci historického maliarstva. Spolu s dielami o starodávnych predmetoch („Hektorova rozlúčka s Andromache“) vytvoril Losenko prvý ruský historický obraz na národnú tému - „Vladimír a Rogneda“. V rámci konvenčne akademického systému obrazov sa umelec snaží sprostredkovať zložitý etický konflikt, živé ľudské pocity.
Medzi vynikajúcich majstrov historického žánru patrili Ivan Akimovič Akimov (1754-1814)(„Veľkovojvoda Izyaslav Mstislavovič bol vojakmi, ktorí ho v bitke nespoznali, takmer hacknutý na smrť, otvára sa im“, „Veľkovojvoda Svyatoslav, ktorý po návrate z Dunaja do Kyjeva pobozkal svoju matku a svoje deti“) a Grigorij Ivanovič Ugryumov (1764-1823) („Slávnostný vstup Alexandra Pskovského do Pskova po víťazstve nad nemeckými rytiermi“, „Zajatie Kazane“, „Zvolenie Michaila Fedoroviča do kráľovstva“ atď.).
Slávni historickí maliari konca 18. storočia. boli aj P.I.Sokolov (1753-1791) a M.I.Puchinov (1716-1797).
V druhej polovici 18. storočia. v roku 2006 sa dosiahol značný pokrok žáner portrétu... Zároveň sa portrétová zručnosť maliarov vyznačovala širokou škálou. Vytvorili obradné slávnostné i komorné a intímne portréty. V polovici 18. storočia pôsobili v Rusku zahraniční majstri: P. Rotary, G. Kh. Grost, A. Roslin, I.-B. Lampi, P.G. Gonzag a ďalší. Zároveň dosiahli slávu ruskí umelci: I. Ya. Višnyakov, 1699-1761... (Portréty Sarah Fermorovej, vládkyne Anny Leopoldovnej); A.P. Antropov, 1716 - 1795... (Portréty Petra III., Štátnej dámy A. M. Izmailovej); poddanský umelec I.P. Argunov, 1729 - 1802. (Portréty B.P.Sheremeteva, P. Zhemchugova).
Vynikajúci majstri portrétu boli Fjodor Stepanovič Rokotov (1735 - 1808), Dmitrij Grigorjevič Levický (1735 - 1822) a Vladimir Lukich Borovikovskij (1757 - 1825). Vytvorili galériu rôznych expresívnych obrazov svojich súčasníkov - ľudí rôzneho rangu, zmyslu, životného štýlu, veku. Títo maliari, dvorní maliari, vytvorili portréty Petra III., Kataríny II., Jej šľachticov a obľúbencov, slávnych štátnikov tejto doby.
Talentovaní portrétisti mali blízko k kruhom osvietenej ruskej inteligencie, najmä k N. I. Novikovi a N. A. Ľvovovi. Niet divu, že vytvorili nielen pompézne slávnostné na mieru vyrobené portréty šľachticov, ale aj komorné portréty vzdelaných a talentovaných osobností ruskej kultúry: N.I. Novikov, N.A. Lvov, G. R. Derzhavin, V.I. Ich portréty odrážajú sebaúctu, jednoduchosť, srdečnosť medziľudských vzťahov.
Harmónia talentu a ženskej krásy, ktorá prilákala umelcov, sa prejavila na ženských portrétoch, ktoré vytvorili, ktoré sa vyznačujú jemným prienikom do vnútorného vzhľadu človeka, farebnou krásou, dekoratívnosťou. (Portréty A.P. Struyskaya, V.E. Novosiltseva Rokotov; portréty M.I.Lopukhiny, sestier Gagarinových Borovikovských; portréty Levitského, žiakov Smolného ústavu pre ušľachtilé panny).
V polovici 18. storočia sa objavil nový žáner ruského výtvarného umenia - krajinomaľba... Na Akadémii umení vznikla trieda krajiny, z ktorej vyšli najtalentovanejší majstri tohto žánru. Medzi maliarov krajiny patrí M. I. Makhaev (1718-1770), ktorý vytvoril všeobecné náčrty ulíc alebo jednotlivých budov Petrohradu, F. M. Matveev (1758-1836), S. F. Shchedrin (1745-1804).
Významný ruský maliar krajiny bol Fjodor Jakovlevič Alekseev (1753-1824)... Syn strážcu Akadémie vied bol v rokoch 1764 - 1773 vychovaný na Akadémii umení. Po absolvovaní s vyznamenaním bol poslaný do zahraničia do Benátok. Po návrate v roku 1779. Petersburg, umelec bol menovaný za dekoratéra na riaditeľstve cisárskeho divadla. Akademik Alekseev bol známy ako autor „pohľadov“ na Petrohrad, Moskvu a mestá na juhu Ruska.
V druhej polovici 18. storočia. v ruskej maľbe sa začal rozvíjať žáner každodenného života. Vedenie Akadémie umení a privilegované vrstvy spoločnosti však na žánrovú maľbu nazeralo ako na niečo základné, nehodné umelcovho štetca. Napriek tomu po roľníckej vojne pod vedením E. Pugacheva v literatúre, divadle a hudbe a v maliarstve 70. - 17. 80. rokov. začal prejavovať záujem o roľníctvo, jeho spôsob života, spôsob života. Často to boli sentimentálne obrazy idylických pastierov a pastierok, ktoré nemali nič spoločné so skutočným roľníckym životom. Existovali však výnimky.
Michail Šibanov ako jeden z prvých v ruskom maliarstve rozvinul roľnícku tému poddanského kniežaťa G.A. Potemkina. Maľoval obrázky „Sedliacka večera“, „Oslava svadobného sprisahania“ atď. Na obrazoch Shibanova nie je vypovedanie poddanstva, ale na vyššie uvedených plátnach nie je idealizácia roľníckeho života. Umelec sa vyznačuje svojimi znalosťami a chápaním života a charakteru ruského roľníka.
Roľnícka téma sa odrazila v tvorbe umelca I. M. Tankova (1739 - 1799), autora maľby „Prázdniny na vidieku“ a I. A. Ermeneva (1746? - po roku 1792), ktorí maľovali akvarely „Sedliacka večera“, „Žobrácki speváci“ „a pod.). Umelec po prvý raz v histórii ruského umenia sprostredkoval temné stránky ľudového života, biedu chudoby.
35. Ruské umenie 18. storočia. maľba (Lomonosov, Nikitin, Matveev, Vishnyakov, Antropov, Argunov, Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Losenko).
Ruskí maliari 18. storočia si postupne osvojili lineárnu perspektívu, ktorá umožňuje sprostredkovať hĺbku vesmíru a roviny, a šerosvit, ktorý pomáha vytvárať trojrozmerný obraz. Umelci študovali anatómiu s cieľom presnejšie reprodukovať ľudské telo a techniku \u200b\u200bolejomaľby.
Od začiatku 18. storočia začalo hlavné miesto v maliarstve na stojane s olejom na plátne zaujímať portrét: komora, obrad, hrudník, v r. plná výška, spárované. Predchádzali tomu parsunovia zo 17. storočia. Záujem o človeka je pre ruské umenie veľmi charakteristický. V prvej polovici a polovici 18. storočia boli slávni portrétisti ako I. Nikitin, A. Matveev, I. Ya. Vishnyakov, A.P. Antropov a I.P. Argunov.
Výnimočný príspevok k ruskej kultúre v polovici 18. storočia Michail Vasilievič Lomonosov (1711-1765)... Prispel k rozvoju vizuálneho umenia a zmenil sa na vtedajšiu zabudnutú oblasť - mozaiky. Samotný Lomonosov vyvinul techniku \u200b\u200bvýroby smaltovaných farebných sklovitých hmôt jasných odtieňov, pretože ju západoeurópski majstri prísne tajili. Vytvoril viac ako 40 mozaík vrátane portrétov Petra I., Alžbety Petrovna a grandiózneho mozaikového obrazu „Bitka pri Poltave“.
V druhej polovici 18. storočia sa pre rozvoj ruského umenia stala rozhodujúcou činnosť Akadémie umení, ktorá sa otvorila v roku 1757 v Petrohrade. Tu sa venovali systematickému vzdelávaniu profesionálnych umelcov, vychádzajúcich predovšetkým z gréckej klasiky. Kopírovali umelecké obrazy, zápletky, zákony stavby mizanscén, póz, typov tvárí, prijatých nápadov, interpretácie nahoty, doplnkov a symbolov.
Jedným z prvých ruských umelcov modernej doby bol „osobný majster“ (tj. Portrétista) Ivan Nikitich Nikitin (asi 1680 - najskôr 1742).Poznáme štyri ním podpísané portréty: Petrova neter Praskovya Ioannovna (1714), gróf Sergej Strogonov (1726) a dva slávnostné portréty Petra I. a Kataríny (1717), ktoré sa nedávno našli v Taliansku.
V 20. rokoch 18. storočia, po návrate z Talianska, Nikitin napísal „Portrét hejtmana podlahy“ a „Portrét SG Strogonova“. Verí sa, že umelcovo správanie môže byť veľmi odlišné. Tvaruje tvar ľahko a prirodzene, slobodne a sebavedome vytvára ilúziu priestoru.
Obraz „Peter 1 na smrteľnej posteli“ je preniknutý hlbokým osobným zármutkom umelca a je majestátne slávnostný. Je namaľovaná virtuóznymi ľahkými ťahmi, ktorými presvitá červenohnedá zem. Pod štetcom majstra znie maľba ako rekviem.
Nikitin na portrétoch svojich súčasníkov ukázal predstaviteľom rôznych Petrových čias, presne vyjadril svoje postavy, čím vytvoril obraz o tejto pohnutej ére.
Maliar Andrey Matveevich (alebo Merkurievich) Matveev (1701 / 1702-1739) obohatil domáce umenie o úspechy Európskej maliarskej školy. K nám prišlo niekoľko jeho obrazov: „Alegória maľby“ - prvá ruské dielo stojanová postava na alegorickom sprisahaní, portréty Petra 1, princeznej A.P. Golitsyna, „Autoportrét s manželkou“ atď.
Najznámejší obraz Matveyeva „Autoportrét s manželkou“ je prvým poetickým obrazom zosobášeného zväzku v ruskom maliarskom stojane. Jeho hlavnými znakmi sú úprimnosť a jednoduchosť, dôveryhodnosť a otvorenosť, mimoriadna cudnosť. Matveevova maľba je priehľadná, bohatá na glazúry, s najjemnejšími prechodmi od obrazu k pozadiu, s nevýraznými stupňami svetla a odtieňov, akoby rozpúšťanie kontúr v tomto diele dosiahlo dokonalosť a svedčí o rozkvetu umelcových tvorivých síl.
Nikitin a Matveev dokázali na svojich portrétoch odhaliť jedinečnosť ľudskej individuality a každý to urobil po svojom: Nikitin - odvážnejšie a ráznejšie, Matveyev - jemnejší a poetickejší. Matveev vytvoril umeleckú školu, ktorá ovplyvnila všetko národné umenie tej doby, a pripravila vzhľad takých maliarov, ako sú I. Ya Vishnyakov a A.P. Antropov, ktorého dielo spadá hlavne do polovice 18. storočia.
Ivan Jakovlevič Višnyakov (1699-1761) vlastnil nielen obrazový, ale aj organizačný talent. Vlastne dohliadal na všetky maľby spojené so stavbou v Petrohrade a na vidieckych sídlach šľachticov. Maľoval obrovské plafondy, panorámy stien, portréty, maľoval transparenty a ozdoby.
Príťažlivosť pre jednotlivcov je jednou z čŕt portrétnej maľby Vishnyakova a všeobecne umelcov z polovice storočia.
Vishnyakov ako prvý citlivo pochopil črty rokoka vznikajúceho v Rusku a dal mu národnú identitu. Vishnyakovova tvorba sa najviac podobá na Watteaua, pretože obe sa vyznačujú ľahkou iróniou. Vishnyakov bravúrne sprostredkuje dekoratívny luxus slávnostných kostýmov svojej doby, trochu ironicky však zdôrazňuje ich objemnosť, ktorá obmedzuje pohyb. Namiesto rozsahu svetla, ktorý je obsiahnutý v rokokových dielach, používa umelec farby, ktoré sú svetlé a zvučné, čo je blízke staroruskému umeniu. Chýba mu členitosť foriem, ostré uhly, asymetria, pohyblivosť, ilúzia priestoru.
Rovnako ako starí ruskí majstri venoval Višňakov hlavnú pozornosť tvári, v ktorej je vyjadrený duchovný svet človeka, a telu písané plocho a schematicky. Višnyakovove portréty sú plné vysokej duchovnosti, tepla a oduševnenosti.
Najlepšie Vishnyakovove diela sú slávnostné portréty Fermorových detí, z ktorých je obzvlášť významný Portrét S.E.Fermora. Zdá sa, že Sarah Fermor stelesňuje pominuteľné 18. storočie, ktoré je najlepšie vyjadrené zvukmi menuetu. Pod Vishnyakovovou štetkou sa stáva splneným snom.
Jedným z posledných Vishnyakovových diel je portrét kniežaťa Fjodora Nikolaeviča Golitsyna „v jeho deviatom roku života“. Na tomto portréte žije jedna tvár maľovaná láskou s hlbokým prienikom do detskej psychológie. Višňakov viac ako kedykoľvek predtým demonštruje svoju príťažlivosť k tradíciám ruského maliarstva.
Alexey Petrovič Antropov (1716-1795) písal hlavne obrázky hrudníka alebo pásu v komore. Charakterové rysy jeho maľba: tuhosť pózy, objemové modelovanie hlavy, blízkosť celej postavy k poprediu, nevýrazné neutrálne pozadie, starostlivé vykreslenie detailov. Umelec v prvom rade zdôraznil realitný pôvod modelu. Všetky portréty ukazujú dôstojnosť, statočnosť, posilňovanie slávnostnej statiky pózy. Koloristické riešenie je založené na kontraste veľkých škvŕn. Tvar je tiež formovaný pomocou kontrastov svetla a tieňa.
Najlepšie portréty Antropova: dámy štátu A.M. Izmailová, dámy štátu, grófka M.A. Rumyantseva, A.V. Buturlina, poľný náčelník donskej armády F.I. Krasnoshchekov. Umelec pozoruhodne uspel v tvárach starších ľudí, v ktorých ukázal stopy života, ktorý prežil, Antropov dokázal zachytiť najvýznamnejšie črty modelu, preto jeho portréty majú presvedčivú vitalitu. Portréty cirkevných postáv (F.Y. Dubyansky a ďalší) sú vyhotovené slávnostne. Na portrétoch kráľovských osôb bol Antropov spájaný s určitou schémou, ale napriek tomu svedčia o schopnosti nielen usporiadať výškovú figúru medzi doplnkami, ale aj poskytnúť presný popis modelu (Peter 3, Katarína 2).
Slávnostné portréty Antropova sú vždy dekoratívne a perfektne zapadajú do barokového interiéru 18. storočia.
Ivan Petrovič Argunov (1729 - 1802) bol Antropovovi časovo aj kreatívne blízky. Poddanský maliar grófa P.B. Sheremetyev, mnohokrát napísal svojim majiteľom: Peter Borisovič, Varvara Alekseev a ich deti.
Na portrétoch manželov K.A. a H.M. Khripunovykh Argunov ukázal ľuďom nie veľmi ušľachtilý, ale nepochybne hodný. Zdôraznenie intelektuálneho princípu v ženskom portréte je pre tento žáner v 18. storočí dosť neobvyklé.
Argunov autoportrét z konca 50. rokov 17. storočia sa vyznačuje spontánnosťou a dokonalosťou maľby.
Argunov nemal nemilosrdnú objektivitu, ktorá bola charakteristická pre Antropova, ale vymazal V. A. Sheremetyeva (60. roky 17. storočia) v obraze veľmi blízkom obrazu Anthropova. Jej luxusný outfit neskrýva zdržanlivosť a aroganciu tejto hrdo sediacej dámy.
Po Višňakovovi Argunov srdečne maľoval detské a mladistvé modely. Argunovove portréty, najmä obradné, sú vždy datované, rovnako ako u Antropova. Antropov však maľoval v barokovom štýle, zatiaľ čo Argunov gravitoval k ľahkosti a milosti rokoka, obohatil ho o národné črty a vytvoril čisto národný koncept portrétu.
Jedným z najlepších a najpoetickejších diel Argunova je portrét „Neznámej roľníčky v ruskom kostýme“ (1784). Umelec sprostredkoval nielen vonkajšiu, ale aj vnútornú krásu jednoduchej ruskej ženy. Vyzerá dôstojne, vyzerá veľmi dôstojne. Majstrovsky napísaný je aj jej slávnostný outfit.
Fedr Stepanovič Rokotov (1735 / 36-1808) bol uznávaným majstrom portrétovania. Jediným portrétnym dielom umelca je „Kabinet II. Šuvalova“ (asi 1757) - prvý obraz ruského interiéru.
Portrét Ivana Orlova je prvým Rokotovovým pokusom o subtílny opis „pohybu duše“ - prirodzeného vývoja záujmu ruských umelcov o psychologizáciu obrazu, počnúc Nikitinovým „Napolným hetmanom“. Nastavenie postavy, ktorá zaberala takmer celý priestor maľby, absencia vzdušnosti, neutrálne pozadie naznačuje súvislosť s umením polovice storočia.
Pre Rokotov sa koniec 60. a najmä 70. roky 17. storočia zvyčajne vyznačujú obrazom na hrudi. Rozvíja určitý typ komorného (a jeho rozmanitosť - intímny) portrét a svojrázny spôsob písania, individuálnu voľbu umeleckých prostriedkov. Obrázkovými prostriedkami Rokotov sprostredkúva rôzne charakterové vlastnosti a stavy mysle: výsmech skeptickému V.I. Maikov, lenivý úsmev a namyslenosť „Neznáme v roztiahnutom klobúku“, smútok, neistota vnútorného sveta na krásnej tvári A.P. Struyskoy, určitá neistota úsmevu "Neznáme v ružových šatách." Duchovnosť a krehkosť obrazov, tlmenie pocitov, premenlivé nálady - to všetko sú znaky komorného portrétu.
Farba je jedným z najdôležitejších Rokotovových prostriedkov pri charakterizácii modelu. Na dosiahnutie konzistencie farieb používa umelec zahriatu pôdu. Obrázok je postavený v určitej tónovej tónine na harmonickom spojení podobných farebných odtieňov, svetla, priehľadných ťahov a najjemnejšej glazúry. Dynamika pohybu štetca budí dojem trblietavej vrstvy farby, zosilnenej priehľadným oparom, akýmsi rokotovským „sfumatom“, ktoré vytvára vzdušné prostredie okolo hlavy modelu. Rokotov akoby vytrhol svoju tvár z tmy a všetko ostatné nechal v tieni alebo polotieni. Vo výsledku zodpovedá morálnym ideálom samotného pána a jeho éry.
Na portréte Alexandry Petrovna Struyskaya zložitosť duševného života a milosť modelu vyjadrujú jemné kombinácie popolovo-ružových, perleťových a citrónovo žltých tónov. Ovál tváre sa odráža od oválu výstrihu a línií záhybov odevov (rovnako ako Ingres na portréte Mademoiselle Riviere, iba pred viac ako 30 rokmi).
Na prelome 70. - 80. rokov 17. storočia nastali zmeny v rokotovskom štýle. Otvorenosť a priamosť tvárí portrétovaných je nahradená výrazom nepreniknuteľnosti a zdržanlivosti, vedomím vlastnosti duchovnej výlučnosti. Modely sa vyznačujú hrdým držaním tela a statickým držaním tela. Struyskaya a „Neznáme v ružových šatách“ s chvejúcimi sa a chladnými duchovnými svetmi sú nahradené obrazom rozhodnejšej ženy.
Od 80. rokov 19. storočia sa dá hovoriť o „rokotovskom“ ženský typ": hrdo nasadená hlava, pretiahnutý úsek s mierne prižmúrenými očami, rozptýlený polovičný úsmev. Postavy sú väčšinou vpísané do oválu. Tieto rysy sú pozorované už na portrétoch E. N. Orlovej a grófky E. V. Santi. Tvár je stále vsadená na tmavom pozadí." , jeho kontúry sa topia, je akoby vytrhnutý z tmy.
Obzvlášť dôležitá je dekoratívna stránka maľby, zatiaľ čo umelec používa hlavne miestne farby, vyhladzuje textúru a dovedie ju k dokonalosti.
Veľkou zásluhou Rokotova pre ruské umenie je, že vytvoril portrét založený na hre pocitov a okamžitých nálad, zvláštnej duchovnosti obrazov a vynikajúcej farebnej maľby.
Dmitrij Grigorjevič Levický (1735-1822) - veľký majster ceremoniálnych a komorných portrétov - bol umelec, ktorý neobvykle vnímal črty svojich modelov.
Portrét „PA Demidov“ ukazuje bohatého muža starajúceho sa o kvety. V kompozícii ide o slávnostný klasický portrét, Demidov však ukazuje majestátnym gestom na kvetináč. Celý jeho vzhľad nezodpovedá tradícii reprezentatívneho portrétu a čo je najdôležitejšie, nezodpovedá mu ani výraz tváre: nemá ani svetskú aroganciu, ani triednu hrdosť. Levický ukázal Demidova na pozadí sirotinca, ktorý založil v Moskve. Na tomto portréte umelec ukázal úžasný zmysel pre formu, schopnosť budovať priestor. Obraz je šťavnatý, hmotný, hustý, farba je blízko miestnej - jedná sa o veľké farebné škvrny zeleno-hnedých tónov. Na portréte Demidova Levitsky rozšíril možnosti slávnostného portrétu.
V rokoch 1772 - 1776 Levitsky maľoval portréty žiakov Smolného ústavu pre šľachtické panny - Smolyanka. (V ústave dievčatá študovali hudbu, jazyky, tanec, spev a svetské spôsoby. Boli to hlavne deti strednej a malej zemianskej šľachty.)
Maliar sa pokúsil zobraziť svoje modely v najcharakteristickejších pózach, rolách a obrazoch pre ne. Vďaka tomu vznikol jeden umelecký súbor, ktorý spájal jeden jasný pocit radosti z bytia a spoločný dekoratívny systém. Niektoré modely sú umiestnené na neutrálnom pozadí, iné - na pozadí divadelnej kulisy, podmienenej divadelnej krajiny zobrazujúcej parkovú prírodu. Portréty Smolyanky sú farebné plátna, ktorých dekoratívnosť je tvorená určitým plastickým a lineárnym rytmom, kompozičnými a koloristickými riešeniami.
Levitsky dosiahol svoju najväčšiu slávu v 80. rokoch 19. storočia. Počas tohto desaťročia namaľoval portréty takmer celej petrohradskej vysokej spoločnosti. Na jeho intímnych portrétoch je badateľný vzťah k modelu. Charakteristika individuality sa zovšeobecňuje, zdôrazňujú sa v nej typické znaky. Levitsky zostáva vynikajúcim psychológom a brilantným maliarom, ale neukazuje svoj postoj k modelu. Objavuje sa jednotvárnosť umeleckých výrazových prostriedkov: rovnaký typ úsmevov, príliš jasný rumenec na lícach, jedna technika na usporiadanie záhybov. Preto sa veselá dáma E.A. Bakunin (1782) a v nemčine prim a suchá Dorothea Schmidt (začiatok 80. rokov 17. storočia).
Levitsky veľa pracoval na portrétoch cisárovnej. Najznámejší je jej obraz na podobu zákonodarcu: „Katarína II. V chráme bohyne spravodlivosti“ (1783). Alegorický jazyk portrétu je poctou klasicizmu. Katarína ukazuje na oltár, kde sa údia vlčie maky, symbol spánku a odpočinku. To znamená, že obetujúc svoj pokoj, vzdáva sa oltára služby vlasti v mene blaha svojich poddaných. Nad cisárovnou je socha spravodlivosti, pri jej nohách je orol, symbol múdrosti a božskej sily, v otvore stĺpov je loď ako symbol morskej sily. Intenzita farieb s prevahou miestnych tónov, sochárske formy, zvýraznená plastickosť, jasné rozdelenie do plánov - to všetko sú znaky vyzretého klasicizmu.
Zároveň Levitsky ako umelec, veľmi citlivý na požiadavky svojej doby, vo svojich nedávnych dielach odrážal tendencie rodiaceho sa empírového portrétu a preromantické trendy.
Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825) - vynikajúci maliar portrétov z konca 18. - začiatku 19. storočia. Postupne vyvinul svoj vlastný kompozičný kánon ženských portrétov: polodlhý (zriedka generovaný) výrez postavy opretej o strom, obrubník a pod., V ruke vyobrazeného kvetu alebo ovocia, bola vždy zobrazovaná na pozadí prírody. Postava je umiestnená akoby na križovatke svetla (obloha) a tmy (hromady stromov). Niekedy sa nielen výroba, ale dokonca aj šaty a ozdoby opakovali od portrétu k portrétu, ako na obrázkoch E.N. Arsenyeva a Skobeeva. Obaja majú na sebe biele šaty, perlové náramky, v ruke jablko, ale vzory sú úplne odlišné. Oba portréty sa vyznačujú svojimi obrazovými kvalitami: jasná plastickosť formy, perfektne vyvinuté vzdušné prostredie.
V 90. rokoch 19. storočia bol Borovikov v súlade s myšlienkami sentimentalizmu, populárnymi na prelome storočí, unesený duševným stavom človeka, jeho jemnými pocitmi.
Borovikovskij, na rozdiel od majstrov prvej polovice a polovice storočia, maľoval vždy na bielom podklade, čo umožňovalo dosiahnuť zvláštnu zvukovú zvučnosť.
Sentimentálne nálady sa prejavovali na obraze panovníka. Portrét Kataríny 2 na prechádzke v cárskom parku (dve možnosti: na pozadí stĺpu Chesme a na pozadí Rumyantsevovho obelisku) nenamaľoval cisársky príkaz. Je tiež známe, že neschválila Borovikovského prácu. Umelkyňa vytvorila na tú dobu neobvyklý obraz. Catherine je predvádzaná v župane (župan) a čiapke s obľúbeným talianskym chrtom pri nohách. Pred divákom sa javí ako jednoduchá kazanská statkárka, v ktorej sa rada objavovala posledné roky život. Pripomeňme, že presne takto si ju Puškin pamätal “ Kapitánova dcéra". Obraz Borovikovského sa nijako nepodobá na zákonodarkyňu Katarínu II. V priebehu desaťročia sa tak zmenil umelecký vkus - od klasicistického vznešeného ideálu po takmer žánrovú interpretáciu sentimentálneho obrazu vidieckej ženy."
Koncom 90. rokov 20. storočia - začiatkom 19. storočia boli vrcholným obdobím Borovikovského práce. Rovnako ako Levický stvárňuje celú petrohradskú šľachtu, dokonca aj cárov. Na portrétoch politikov, vojakov, otcov cirkvi, je Borovikovskij schopný spojiť pravdivú charakteristiku modelu s konvenciou kompozície. Rovnako ako Levický sa stáva skutočne „historiografom doby“, ktorý sa viac snaží vykresliť jej typy ako bystrými jedincami. Najlepšie z nich sú tie, ktoré odrážajú občiansky ideál, atmosféru vysokého vzostupu prvých dvoch desaťročí 19. storočia.
Na začiatku nového storočia vychádza výsledok jeho doterajšej práce spod Borovikovského štetca a otvára nové cesty: ide o dvojportrét sestier A.G. a V.G. Gagarin (1802), napísaný na pozadí prírody, ale už v určitej každodennej situácii - s poznámkami a gitarou.
Anton Pavlovič Losenko (1737-1773) bolo predurčené vďaka talentu a vysokej profesionalite stať sa prvým Rusom historický maliar 18. storočie. Verejné uznanie sa k nemu dostalo počnúc obrazom „Vladimír a Rogneda“ (1770). Napriek všetkej deklamácii a pátosu je na Losenkovej snímke veľa úprimného pocitu. Snaží sa tiež o maximálnu spoľahlivosť detailov, študoval to málo, čo sa vedelo o staroruskom kostýme. Šaty jednej zo slúžok, perlové šitie jej čelenky, čižmy a košeľa Vladimíra, odev vojakov - to všetko svedčí o pozornosti venovanej prvkom kroja z doby pred Petrom. Vladimírova fantastická čelenka, ktorá spája ozubenú korunu s klobúkom zdobeným kožušinou a s pštrosím perím, zároveň pripomína skôr divadelné rekvizity.
Farbu obrázka tvoria kombinácie teplej červenej a zlatej s čiernou a bielo-sivou farbou. Veľké miestne škvrny, presne vymedzený stred kompozície, ktorý vyvrcholil protikladom rúk protagonistov, plastické sochy hovoria o víťazstve klasické vlastnosti cez barok.
Barokovým princípom zodpovedá aj zvýšená dekoratívnosť obrazu „Smrť Adonisa“ (1764).
Hlavným výrazovým prostriedkom klasicistických diel sa stala kresba a šerosvit. Farba maľuje formu, nie je náhodou nazývaná miestnou. Objem nie je formovaný ani tak farbou, ako skôr svetlom a odtieňom.
Na príklade Losenkovho posledného diela „Zbohom Hektorovi a Andromache“ (1773), ktoré umelec nestihol dokončiť, možno sledovať, ako sa klasicistické princípy vnášali do ruskej maľby. Tu už všetko zodpovedá programu klasicizmu: chôdza - vlastenecká služba vlasti, pripravenosť na hrdinstvo a obetavosť; „vlysová“ kompozícia mnohotvárnej mizanscény s jasne definovaným stredom umiestneným na priesečníku uhlopriečok obrazu; sfarbenie miestnych farebných škvŕn.
Hĺbka ideového obsahu diel a zručnosť prevedenia spôsobili, že Losenko bol v 18. storočí významnou osobnosťou ruskej kultúry.
Obsah balenia: 20 diapozitívov, učebná pomôcka
Sada diapozitívov hovorí o práci prvých ruských portrétistov F.S. Rokotova, D.G. Levitsky a V.L. Borovikovského. Portréty A.P. Struyskaya, Khrushcheva a Khovanskaya, P.A. Demidová, M.I. Lopuchina, Katarína II. Na prechádzke v parku Carskoje Selo a ďalšie sú objektívne a presné psychologické vlastnosti, vyjadrujú pokročilé názory na jednotlivca, jeho ľudskú a sociálnu hodnotu.
Grafická séria príručky obsahuje nasledujúce snímky
Kliknutím obrázok zväčšíte
1. F. Rokotov. Portrét kniežaťa Grigorija Volkonského. 1780
2. F. Rokotov. Portrét Varvary Surovtsevy. 1780
3. F. Rokotov. Portrét neznámej ženy v ružových šatách. 1770
4. F. Rokotov. Portrét grófky Elizabeth Santi. 1785
5. F. Rokotov. Portrét Alexandry Petrovna Struyskaya. 1772
6. F. Rokotov. Portrét nahého dievčaťa. 1780.
7. D. Levický. Portrét Chruščovovej a Khovanskej. 1773
8. D. Levický. Portrét Ekateriny Molchanovej. 1776
9. D. Levitsky. Alexander Kokorinov, riaditeľ a prvý rektor Akadémie umení. 1769
10. D. Levitsky. Portrét princeznej Praskovya Repnina. 1781
11. D. Levický. Portrét pobočníka cisárovnej Alexandra Lanského. 1782
12. D. Levický. Portrét Prokofyho Akinfieviča Demidova. 1773
13. D. Levický. Portrét Márie Alekseevny Dyakovej. 1778
14. V. Borovikovskij. Portrét sestier princezien A.G. a V.G. Gagaríny. 1802
15. V. Borovikovskij. Portrét Ekateriny Arsenyevovej. 1790
16. V. Borovikovskij. Portrét Skobeeva. 1790
17. V. Borovikovskij. Portrét generálmajora Fjodora Borovského. 1799
18. V. Borovikovskij. Grófka Anna Bezborodko so svojimi dcérami Ljubou a Kleopatrou 1803
19. V. Borovikovskij. Portrét Márie Ivanovny Lopukhiny
20. V. Borovikovský. Kataríny II. Na prechádzku v parku Carskoje Selo. 1794
8
Ruská maľba druhej poloviceXVIIIstoročia
18. storočie v Rusku nie je len časom rozmachu spoločenského vedomia, sociálneho a filozofického myslenia, ale aj rozkvetu umenia. Vedľa mien popredných predstaviteľov ruskej vedy a literatúry - Lomonosov, Fonvizin, Radishchev, Derzhavin, sú mená ruských umelcov - Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Losenko, Shibanov.
V 18. storočí začal v maľbe prevládať realistický smer. Živý a mysliaci človek sa stáva hrdinom umenia, nositeľom sociálnych a estetických ideálov. V tejto dobe sa formovali nové žánre maľby: historický, krajinársky, každodenný. Rozmanitosť a úplnosť žánrovej štruktúry sa vyvinula v posledných desaťročiach 18. storočia. Maliarstvo je široko rozšírené: kráľovské zbierky sa obohacujú, rodinné zbierky sa tvoria v hlavných mestách, provinčných mestách a panstvách. Úlohy maliara, básnika a umelca si získavajú verejné uznanie. S touto dobou sú spojené prvé výstavy výtvarného umenia a predaj diel, úloha profesionálneho názoru na umeleckú problematiku, prvé estetické pojednania.
Prvou a najväčšou osobnosťou v oblasti historického maliarstva bol Anton Pavlovič Losenko (1737-1773). Napísal iba niekoľko obrazov, napríklad „Vladimír a Rogneda“ na tému dejín Ruska a „Rozlúčka s Hektorom s Andromache na tému Homérovej Iliady. Oba obrazy sa dnes zdajú byť do značnej miery archaické, svojho času však boli veľmi slávne a stali sa prvým tematickým motívom. skladby v ruskom umení.
Fjodor Stepanovič Rokotov (1735 - 1808) - vynikajúci majster komorného portrétu, t.j. zobrazenie poprsia modelu, kde sa všetka umelcova pozornosť sústreďuje na tvár subjektu. Hlavnou vecou pre Rokotov je ukázať vnútorné zážitky človeka, jeho duchovnú exkluzivitu. Rokotov bol vynikajúcim majstrom ženského portrétu. Ženské obrazy umelkyne sú plné pocitov vnútornej dôstojnosti a duchovnej krásy, sú majestátne a humánne. K jeho tvorbe patril poetizmus obrazov, jemnosť obrazových vzťahov, ľahkosť a jemnosť mŕtvice. Jeho štetce patria k portrétom N.E. a A.P. Struiskikh (1772, Treťjakovská galéria), „Neznámi v natiahnutom klobúku“ (začiatok 70. rokov 20. storočia, Treťjakovská galéria), „Neznáme v ružových šatách“ (70. roky 20. storočia, Treťjakovská galéria).
V druhej polovici 18. storočia začali umelci venovať pozornosť zobrazeniu života a každodenného života roľníkov. Poddanský umelec grófa Potemkina Michail Šibanov zasvätil svoje diela roľníckej téme.
Z ďalších umelcov 18. storočia možno spomenúť dielo Vladimíra Lukicha Borovikovského (1757-1825), ktorý bol v druhej polovici osemnásteho storočia tretím z popredných majstrov portrétovania. Jeho plátna sa vyznačujú zdôraznenou lyrikou, kontempláciou, zameraním na svet osobných skúseností človeka. Ako domácu verziu anglického výrazu „portrét - prechádzka“ namaľoval obrázky ako „Catherine II Walking in Tsarskoye Selo Park“ (1794, Treťjakovská galéria) a „Portrét DA Derzhavina“ (181Z, Treťjakovská galéria). Preniknutý sentimentalizmom ženské obrázky umelec - portréty M.I. Lopukhina (1797), E.A. Naryshkina (1799), E.G. Temkina (1798, všetko v Štátnej Treťjakovskej galérii). V kompozícii pláten pripisoval umelec krajine veľkú úlohu.
Portrétnu maľbu 18. storočia výrazne ovplyvnil súčasník F.S. Rokotova Dmitrij Grigorievič Levický (1735-1822). Práve v diele Levického bola stelesnená samotná podstata ruského veku osvietenstva, ktorý prekvital za vlády Kataríny.
Levitského práca ukazuje, že Rusko sa konečne dostalo do európskeho kruhu. Osvetľujúce ideály dôstojnosti, rozumu a prirodzenosti, týkajúce sa západného kultúrneho vedomia, sú preň veľmi významné. Pokiaľ ide o obrazovú zručnosť, jeho portréty nie sú nižšie ako diela najlepších francúzskych a anglických súčasníkov. Nikto nepíše hmotný svet tak šťavnato a hmatateľne, obdivujúc jeho vzácnosť a rozmanitosť: lesk bronzu, tiaž a iridenciu látok.
Pochádzajúc z rodiny malých ruských kňazov, Levitsky získal chuť na kreslenie od detstva. Jeho otec Grigorij Kirillovič bol okrem duchovného titulu najslávnejším rytcom na Ukrajine, „referenciou“ tlačiarne Kyjevsko-pečerskej lavry. Osvietený človek, amatérsky básnik, umelecké vzdelanie získal na Západe. Podľa rodinnej tradície po absolvovaní seminára a Kyjevskej teologickej akadémie syn pomáhal otcovi pri vykonávaní alegorických programov pre teologické spory. Jeho príprava v odbore „umenie“ mala pokračovať, keď bude mať na starosti maľovanie v rámci projektu vo výstavbe F.B. V roku 1752 dorazil do Kyjeva Katedrála Rastrelliho svätého Ondreja, Alexej Petrovič Antropov. Po jeho boku boli obaja Levickí. Keď Antropov vyhodnotil ich úsilie, odporučil staršieho na post chrámového inšpektora - odstrániť ikony „nešikovného rezbárstva“ a v roku 1758 pozval mladšieho k svojmu učňovi.
Antropov bol portrétista - učil to. Levitsky dostal prvé príkazy: remeslo bolo nielen potešením, ale aj sľubom, že sa bude živiť, a to bolo dôležité, pretože dcéra vyrastala v rodine. Následne sa Levitsky stane najmódnejším umelcom - bude doslova zavalený súkromnými objednávkami. Už z vlastnej iniciatívy berie pre „leštenie štýlu“ niekoľko lekcií od šikovných cudzincov - J.-L. Lagrene st. A J. Valeriani. A v roku 1770 sa dostavil skutočný úspech - pre „Portrét AF Kokorinova“ (1769) uvedený na výstave Akadémie umení získal umelec, ktorý na nej neštudoval, titul akademika a o rok neskôr bol pozvaný viesť triedu portrétov.
Levitsky namaľoval portréty podľa požiadaviek estetických a etických noriem doby. Modely sa určite museli predviesť v čo najlepšom svetle. Netají, že pózuje pre umelca. Preto ich hrdé držanie tela, konvenčné gestá, povýšenecké pohľady. Tí, ktorí boli portrétovaní, boli zvyčajne zobrazovaní v luxusných odevoch, slávnostných uniformách, hviezdach a rádových stužkách. Vďaka tejto extravagancii bohatstva a defilé radov však pozorný divák môže vidieť živé a plnokrvné obrazy vynikajúcich ľudí.
Taký je A.M. Golitsyn, ktorého portrét vytvoril Levitsky v roku 1772. Štátnik, hodnostár, je zobrazený podľa zákonov slávnostného portrétu. Na tento účel si umelec zvolil veľký formát plátna a pohľad zdola poskytoval generačný výrez postavy. Zametacím gestom vice-to atď .................
18. storočie v žánri portrétov je tiež celou galériou odtieňov ženskej duše so svojimi impulzmi a hĺbkou života.
Charakteristickou črtou „rokotovského ženského typu“ je hrdo nastavená hlava, pretiahnutá časť mierne prižmúrených očí, roztržitý polosmev - „kombinácia vycibrenej spokojnosti a smútku, ktorá sa takmer vzpiera popisu“. Tieto črty sleduje už portrét E. N. Orlovej, rodenej Zinovieva, ktorá je vo svojej koncepcii stále ambivalentná (duálna): Orlova v bielych saténových šatách s hranostajovým plášťom, so stuhou sv. Kataríny a portrét cisárovnej pokrytý diamantmi na hrudi je predstavený v reprezentatívnej (reprezentatívnej) „stavovej podobe“, ale „stav“ koexistuje s intimitou nálady, ako arogancia celého vzhľadu; sebavedomie - so zamyslenosťou a smútkom v očiach. Rokotov sa vyznačuje pohybom od trémy a krehkosti duchovného sveta (napríklad portréty „Struyskaya“ a „Unknown in pink dress“) k vytvoreniu obrazu ženy schopnej nezávislého úsudku o svete - portrét V.N. Surovtseva, ktorej príťažlivá sila spočíva v duchovnosti a jemná úprimnosť obrazu. Rokotov akoby ukazoval, že existuje aj iná krása, ktorá okrem vonkajšej vytvára v tomto portréte aj myšlienku ženská krása v prvom rade ako duchovná krása. Ľahký smútok a dokonca aj určitá duševná únava nevylučujú veľkú vnútornú zdržanlivosť, vysokú dôstojnosť a hĺbku cítenia.
Levitsky vytvára sériu portrétov žiakov Smolného ústavu pre ušľachtilé dievčatá - „Smolyanka“ - jediný umelecký súbor (sedem portrétov: portréty Rževskaja a Davydovej, Nelidovej, Khovanskej a Chruščovovej, Borševovej, Molchanovej, Alymovej). Všeobecnou myšlienkou je téma víťaznej mladosti, iskrivej radosti, zvláštnej veselosti svetonázoru; majú jediný dekoratívny koncept. „Smolyanka“ sú slávnostné portréty. Levitského však zaujímal aj iný prístup k modelu: snažil sa odhaliť skrytý život, hlboko uzavretý povrchným pohľadom. A najčastejšie to robil s modelkami, ktoré mu boli mentálne a hlavne duchovne blízke.
Borovikovskij vyvinul niečo ako kompozičný kánon ženských (a vždy sú to ženské) portréty: polovičný (zriedka generovaný) výrez postavy opretej o strom, obrubník atď., Ktorý drží v ruke kvetinu alebo ovocie. Pozadie je vždy prirodzené. Postava je umiestnená akoby na styku svetla (obloha) a tmy (zhluky stromov) (napríklad portrét Lopuchiny). Niekedy sa nielen inscenácia figúry, ale dokonca aj šaty a dekorácie opakujú od portrétu k portrétu, ako na obrazoch E. N. Arsenyevovej (1796) a Skobeevovej (druhá polovica 90. rokov 17. storočia). Biele šaty, perlový náramok, jablko v ruke - všetko sa opakuje, nehovoriac o všeobecných vysokých obrazových kvalitách: jasná plastickosť formy, vynikajúca malebnosť, nádherne navrhnutá vzdušná atmosféra - a obrázky sú úplne odlišné.
Traja pozoruhodní umelci druhej polovice 18. storočia - Rokotov, Levitsky a Borovikovsky - vyvinuli jeden systém typológie žánru portrétov a prešli od rokoka a baroka k klasicizmu a Borovikovsky pokračoval od sentimentalizmu k romantizmu, všetci sa však riadili jedným snom o ideáli, ktorý si každý z nich vyložil po svojom, v r. sila ich prístupu a miera talentu.
18. storočie bolo teda na jednej strane základom pre formovanie národnej kultúry, na druhej strane podporovalo jasnú polaritu dvoch druhov kultúry - ušľachtilej a populárnej (ktoré zachovávali tradície pohanského a kresťanského Ruska).
