Odpoveď vľavo Hosť
MAĽBA RUSKA
Napriek určitému poklesu rozvoja krajiny dosiahla ruská maľba svoj vrchol v 14.-15. AT súčasnej literatúry toto obdobie sa odhaduje ako Ruské obrodenie. V tom čase v Rusku pôsobila séria pozoruhodných maliarov.
Koncom 14. a začiatkom 15. storočia v Novgorode, Moskve, Serpuchove a Nižnom Novgorode pôsobil maliar Theophanes Grék pochádzajúci z Byzancie. Skvele spojil byzantskú tradíciu a už zavedenú ruskú. Niekedy pracoval v rozpore s kánonmi. Jeho obrazy sú psychologické, duchovné napätie sa prenáša do jeho ikon. Spolu so Semjonom Černym vytvoril obraz Chrám Spasiteľa na Ilyenovej ulici v Novgorode - obraz moskovského kostola Narodenia Panny Márie (1395) a Archanjelskej katedrály (1399).
Veľký ruský umelec, ktorý v tomto období pôsobil, je Andrei Rublev. Je majstrom lakonickej, no veľmi výraznej kompozície. V jeho dielach je viditeľná úžasná malebná farba. A v jeho ikonách a freskách cítiť ideál mravnej dokonalosti. Zároveň dokázal sprostredkovať jemné emocionálne zážitky postáv. Podieľal sa na maľbe starej katedrály Zvestovania v Kremli (1405) spolu s Teofánom Grékom a prokhorom z Gorodets, namaľoval katedrálu Nanebovzatia Panny Márie vo Vladimíre (1408). Katedrála Najsvätejšej Trojice v kláštore Trinity-Sergius a Spassky katedrála kláštora Andronikov (1420). Jeho štetec patrí k majstrovskému dielu svetovej maľby – ikone Trojice.
Na konci 15. storočia významný maliar ikon Dionysius výrazne prispel k rozvoju ruského maliarstva. Bol vynikajúci kolorista a veľmi komplexný majster. Spolu so svojimi synmi Theodosiom a Vladimirom, ako aj ďalšími študentmi vytvoril fresky Nanebovzatej katedrály v Kremli. Medzi jeho výtvormi bola aj slávna ikona Spasiteľa v sile.
Zároveň funguje aj novgorodská ikonopisecká škola. Vyznačuje sa jasom farieb a dynamikou kompozície.
ARCHITEKTÚRA RUSKA
V 14.-16. storočí bola Moskva vyzdobená v súvislosti s centralizáciou štátu (za Ivana Kalitu sa rozvinula kamenná výstavba). Za Dmitrija Donskoyho bol prvýkrát postavený kremeľ z bieleho kameňa. Počas jarma sa obnovuje séria starých ruských kostolov. Vďaka dostavbám a prestavbám existuje tendencia ku kryštalizácii ruského národného architektonického štýlu založeného na syntéze tradícií kyjevskej a vladimirsko-suzdalskej krajiny, ktorý sa v budúcnosti stal vzorom pre následnú výstavbu koncom 15. začiatkom 16. storočia.
Na radu Sophie Paleolog boli pozvaní majstri z Talianska. Účelom je ukázať silu a slávu ruského štátu. Taliansky Aristoteles Floravanti cestoval do Vladimíra, preskúmal katedrálu Nanebovzatia Panny Márie a Dmitrievského katedrálu. Úspešne sa mu podarilo spojiť tradície ruskej a talianskej architektúry. V roku 1479 úspešne dokončil stavbu hlavného chrámu ruského štátu – katedrály Nanebovzatia Panny Márie v Kremli. V nadväznosti na to bola postavená žulová komora na prijímanie zahraničných veľvyslanectiev.
Príťažlivosť k národnému pôvodu bola obzvlášť jasne vyjadrená v kamennej architektúre tradičného ruského stanového štýlu, ktorý je tak charakteristický pre drevenú architektúru Ruska. Majstrovskými dielami stanového štýlu boli kostol Nanebovzatia Panny Márie v obci Kolomenskoje (1532) a katedrála príhovoru na Kremeľskom námestí v Moskve. To znamená, že sa objavuje ich vlastný architektonický štýl.
Až do 13. storočia v Taliansku dominovala byzantská tradícia, nepriateľská voči akémukoľvek slobodnému vývoju či individuálnemu porozumeniu. Až v 13. storočí sa podarilo oživiť skamenenú schému obrazu v diele niektorých veľkých umelcov, predovšetkým tých z Florencie.
Dochádza k novému, na realitu orientovanému vnímaniu harmónie farieb a hlbšiemu vyjadreniu pocitov. Z umelcov 13. – 14. storočia možno vysloviť hlas ako Ercole de Roberti, Francesco Francia, Jacopo de Barbari.
Iatské maliarstvo 15. - 16. storočia
Počas tohto obdobia bol rozšírený taký štýl maľby ako manierizmus. Vyznačuje sa odklonom od jednoty a súladu človeka s prírodou, všetkým hmotným a duchovným, v tomto sa stavia do opozície k renesancii.
Veľkým centrom maľby sú Benátky. Tizianov príspevok do značnej miery definoval benátske maliarstvo 16. storočia, a to z hľadiska majstrových umeleckých úspechov aj jeho produktivity. Rovnako ovládal všetky žánre, zažiaril v náboženských, mytologických a alegorických kompozíciách, vytvoril početné úchvatné portréty. Tizian sledoval štýlové trendy svojej doby a následne ich ovplyvňoval.
Veronese a Tintoretto - na rozdiel od týchto dvoch umelcov dualita benátskeho maliarstva polovice 16. storočia, pokojný prejav krásy pozemského bytia na konci renesancie vo Veronese, asertívne hnutie a extrémna nadpozemskosť a v r. v diele Tintoretta sa odhaľujú niektoré prípady aj nádherné pokušenie svetského charakteru. V obrazoch Veronese nepociťujú žiadne problémy tej doby, všetko píše, akoby to inak ani nemohlo byť, akoby život bol krásny taký, aký je. Scény zobrazené na jeho obrazoch vedú k „skutočnej“ existencii, ktorá nenecháva priestor na pochybnosti.
S Tintorettom je to úplne iné, všetko, čo píše, je plné intenzívnej akcie, dramaticky mobilné. Nič pre neho nie je neotrasiteľné, veci majú veľa strán a môžu sa prejavovať rôznymi spôsobmi. Kontrast medzi hlboko náboženskými a svetsky pikantnými, prinajmenšom elegantnými maľbami, o čom svedčia jeho dve kreácie „Spása Arsinoe“ a „Zápas archanjela Michaela so Satanom“, zameriava našu pozornosť na originalitu manierizmu, ktorá je vlastná nielen do benátskeho Tintoretta, ale všimli sme si aj v Correggio Parmigianino, ktorý vychádza z tradícií.
Talianske maliarstvo 17. storočia
Toto storočie je označené ako čas narastajúceho katolicizmu, konsolidácie cirkvi. Rozkvet maliarstva v Taliansku súvisel, podobne ako v predchádzajúcich storočiach, s rozdelením na samostatné miestne školy, čo bolo dôsledkom politickej situácie v tejto krajine. Renesancia Talianska bola chápaná ako východiskový bod ďalekosiahleho hľadania. Je možné vyzdvihnúť umelcov rímskej a bolonskej školy. Sú to Carlo Dolci z Florencie, Procaccini, Nuvolone a Pagani z Milána, Alessandro Turki, Pietro Negri a Andrea Celesti z Benátok, Ruoppolo a Luca Giordano z Neapola. Rímska škola žiari celým radom obrazov k podobenstvám Nového zákona od Domenica Fettiho, ktoré sa naučili na príkladoch Caravaggia a Rubensa.
Andrea Sacchi, študent Francesca Albaniho, predstavuje výrazné klasické hnutie v rímskom maliarstve. Klasicizmus, ako smer proti baroku, vždy existoval v Taliansku a Francúzsku, ale v týchto krajinách mal inú váhu. Tento smer reprezentuje Carlo Maratto, študent Sacchiho. Jedným z hlavných predstaviteľov klasicistického smeru bol Domenichino, ktorý študoval u Denisa Calvarta a Caracciho v Bologni.
Pier Francesco Mola bol pod vplyvom Guercina oveľa barokovejší, silnejší v interpretácii svetla a tieňa, v prenose hnedo-teplého tónu. Ovplyvnil ho aj Caravaggio.
Výrazovo rozvinuté formy baroka v 17. storočí s inherentným zmyslom pre „prirodzenosť“ a v zobrazovaní zázrakov a vízií, inscenované však divadelne, stierali hranice medzi realitou a ilúziou.
Realizmus a tendencie klasicizmu sú pre túto dobu charakteristické, bez ohľadu na to, či sú v protiklade k baroku alebo sú vnímané ako súčasť tohto štýlu. Salvator Rosa z Neapola bol krajinárom s veľmi významným vplyvom. Jeho diela študovali Alessandro Magnasco, Marco Ricci, Francúz Claude-Joseph Vernet.
Talianske maliarstvo urobilo mocný dojem na celú Európu, no Taliansko zase nebolo oslobodené od opačného vplyvu majstrov severu. Príkladom nasledovania rodu maliarskych Wauwermanov, avšak s individuálne vyvinutým a ľahko rozpoznateľným rukopisom, je Michelangelo Cervocci so svojou „Lúpežou po bitke“. Vznikol ako umelec v Ríme pod vplyvom Pietera van Laera, narodeného v Haarleme a žijúceho v Ríme.
Ak Benátska maľba 17. storočie pôsobí dojmom intermezza, medzihry medzi veľkou minulosťou 15. a 16. storočia a nastávajúcim rozkvetom v 18. storočí, potom v osobe Bernarda Strozziho má janovské maliarstvo umelca najvyššieho rangu, ktorý priniesol podstatné akcenty do obrazu barokového maliarstva v Taliansku.
Talianske maliarstvo 18. storočia
Tak ako v predchádzajúcich storočiach, aj v 18. storočí mali jednotlivé školy talianskeho maliarstva svoju identitu, hoci počet skutočne významných centier sa zmenšil. Benátky a Rím boli veľkými centrami pre rozvoj umenia v 18. storočí, Bologna a Neapol mali tiež svoje výnimočné úspechy. Vďaka majstrom renesancie boli Benátky v 17. storočí strednou školou pre umelcov z iných miest Talianska a vôbec z celej Európy, ktorí tu študovali Veronese a Tintoretto, Titian a Giorgione. Sú to napríklad Johann Lis a Nicola Renier, Domenico Fetti, Rubens a Bernardo Strozzi.
18. storočie začína takými umelcami ako Andrea Celesti, Piero Negri, Sebastiano Ricci, Giovanni Battista Piazzetta. Najcharakteristickejší výraz jeho originality poskytujú obrazy Giovanniho Battistu Tiepola, Antonia Canala a Francesca Guardiho. Veľkolepý dekoratívny rozsah Tiepolových diel je živo vyjadrený v jeho monumentálnych freskách.
Bologna so svojimi pohodlnými spojeniami s Lombardskom, Benátkami a Florenciou je centrom Emilie, jediného mesta v tomto regióne, ktoré v 17. a 18. storočí produkovalo vynikajúcich majstrov. V roku 1119 tu bola založená najstaršia univerzita v Európe so slávnou právnickou fakultou, ktorá výrazne ovplyvnila duchovný život mesta talianska maľba 18. storočie.
Najatraktívnejšie sú diela Giuseppe Maria Crespiho, najmä séria „Sedem sviatostí cirkvi“ z roku 1712. Malebná škola v Bologni má v osobe Crespiho umelca európskeho rozmeru. Jeho život patrí polovica do 17., polovica do 18. storočia. Ako študent Carla Cignaniho, ktorý študoval u Francesca Albaniho, ovládal akademický umelecký jazyk, ktorý odlišuje bolonskú maľbu od Carraciho. Crespi navštívil Benátky dvakrát, učil sa a inšpiroval ostatných. Zdá sa, že najmä Pianzetta si svoje diela dlho zapamätal.
Bolonské maliarstvo zo začiatku 18. storočia, odlišné od Crespiho, predstavuje Gambarini. Studená farebnosť a kresbová jasnosť, príťažlivý anekdotický obsah jeho obrazov ho v porovnaní s Crespiho silným realizmom pripisuje skôr akademickej škole.
V osobe Francesca Solimena malo neapolské maliarstvo svojho predstaviteľa uznávaného v celej Európe. Rímska maľba 18. storočia ukazuje klasický trend. Umelci ako Francesco Trevisani, Pompeo Girolamo Batoni a Giovanni Antonio Butti sú toho príkladom. 18. storočie bolo obdobím osvietenstva. Šľachtická kultúra vo všetkých oblastiach v prvej polovici 18. storočia zažila oslnivý rozkvet neskorého baroka, ktorý sa prejavil v dvorných slávnostiach, veľkolepých operách a kniežacích činoch.
V XIV-XV storočí bojoval ruský ľud za jednotu Ruska, za oslobodenie spod tatárskeho jarma. V tejto ťažkej dobe prebiehalo ďalšie formovanie ruskej národnej kultúry. Ústne ľudové umenie. Objavili sa eposy, ktoré hovorili o boji ľudu s Tatármi. Bolo veľa úprimných, smutných piesní, ktoré odrážali túžbu ruského ľudu po slobode, smútok nad osudom ich rodnej krajiny.
V tomto období sa rozšírili kroniky. Kroniky sa písali nielen v kláštoroch, ale aj na dvoroch Moskvy, Tveru a ďalších kniežat. Existujú kroniky, v ktorých je Moskva vnímaná ako nástupkyňa Kyjeva a Vladimíra. Slávne víťazstvo Rusov na poli Kulikovo sa spieva v „Príbehu bitky o Mamajev“ a v básni „Zadonshchina“. Táto báseň odráža nesmrteľné stvorenie XII storočia „Príbeh Igorovej kampane“. Autor knihy „Zadonshchina“ vyzýva ruský ľud, aby sa zjednotil.
Zachovali sa poznámky niektorých ruských cestovateľov, vrátane dojmov Štefana z Novgorodu o jeho ceste do Konštantínopolu. Obzvlášť zaujímavá je kniha tverského obchodníka Afanasyho Nikitina „Cesta za tri moria“. Autor v nej rozpráva o svojich dobrodružstvách a postrehoch počas trojročného putovania po Kaspickom, Indickom a Čiernom mori. Nikitin bol prvým Európanom (o 30 rokov skôr ako Portugalčan Vasco da Gama), ktorý cestoval po Indii a opísal jej mestá, prírodu, život a zvyky ľudí. Má rád Indiu, ale ako správny patriot zvolá: „Nech je ruská zem chránená Bohom! Na svete neexistuje krajina ako ona!“
Jedným z literárnych žánrov v storočiach XIV-XV boli „životy“. Sú to príbehy o kniežatách, metropolitoch, zakladateľoch kláštorov. Osobitnú slávu si získalo Slovo a život kniežaťa Dmitrija Ivanoviča a život Sergeja Radoneža, zakladateľa kláštora Najsvätejšej Trojice pri Moskve. Zachovali sa historické a literárne príbehy o boji konkrétnych kniežat, o ťažení Ivana III. v Novgorode a iné. V tom čase sa knihy kopírovali ručne. Mnohé diela gréckych a rímskych spisovateľov boli preložené do ruštiny. Kniežatá a kláštory zakladali veľké knižnice. Avšak mnoho kníh, letopisov a iné literárne pamiatky neprežili: zhoreli pri nespočetných požiaroch.
Vyvinula sa zvláštna ruská architektúra. Boli postavené kamenné a drevené paláce, pevnosti, kostoly. V roku 1367 za Dmitrija Donskoyho bol v Moskve postavený Kremeľ z bieleho kameňa. Odvtedy sa Moskva začala nazývať biely kameň. Na konci 15. storočia bol na príkaz Ivana III. postavený nový Kremeľ s vysokými múrmi a majestátnymi vežami. V Kremli vyrástla päť kupolová katedrála Nanebovzatia Panny Márie, katedrála Zvestovania a archanjela, zvonica Ivana Veľkého. V kniežacom paláci bola vytvorená krásna Fazetová komora na slávnostné recepcie. Jeho vonkajšie steny boli obložené fazetovanými bielymi doskami.
Ruské maliarstvo dosiahlo mimoriadny rozkvet v 14. – 15. storočí. Novgorodskí maliari vytvorili nádherné freskové diela: Zvestovanie, Uzdravenie slepých a iné. V Novgorode pôsobil vynikajúci umelec Feofan Grek. Prišiel z Byzancie v 70. rokoch XIV. hlboko študoval rysy ruskej maľby a vychoval celú školu ruských umelcov. Neskôr Feofan Grek pôsobil v Moskve, v Nižnom Novgorode. Vyzdobil Kremeľský palác nádherné majstrovské diela svojho umenia.
Andrej Rublev, najväčší predstaviteľ ruského národného maliarstva, žil v druhej polovici 14. storočia a v prvej štvrtine 15. storočia. Najprv pracoval v ikonopiseckej dielni kláštora Trinity-Sergius a potom sa presťahoval do kláštora Andronikov v Moskve, kde maľoval kostol Spasiteľa. Namaľoval tiež množstvo ikon pre katedrálu Zvestovania v moskovskom Kremli.
Súčasníci o ňom písali takto: „Maliar ikon prevyšujúci všetku múdrosť. Známa ikona Rublev "Trojica" predstavuje obraz kresťanského trojjediného boha v podobe troch krásnych mladých anjelov sediacich pri jedle. Svetlé, šťavnaté farby, poľudštené tváre konverzujúcich anjelov dodávajú ikone vzhľad živého, realistického obrazu. V obrazoch svätých veľkého umelca je vždy možné rozpoznať typické národné črty ruského ľudu.
Pozoruhodné diela vytvorené Andrejom Rublevom sú zachované v katedrále Nanebovzatia Panny Márie v meste Vladimir, v katedrále Najsvätejšej Trojice v Zagorsku a na mnohých ďalších miestach. Originál „Trojice“ je uložený v Moskve v Treťjakovskej galérii. V priestoroch Andronikovského kláštora bolo vytvorené múzeum Andreja Rubleva.
Staroveká ruská maľba kresťanského Ruska hrala v živote spoločnosti veľmi dôležitú, úplne inú úlohu ako moderná maľba a práve táto úloha určovala jej charakter. Rusko bolo pokrstené Byzanciou a spolu s ňou zdedilo myšlienku, že úlohou maľby je „stelesňovať slovo“, aby stelesnila kresťanskú dogmu v obrazoch. Preto je základom starovekej ruskej maľby veľké kresťanské „slovo“. V prvom rade je to Sväté písmo, Biblia ("Biblia" v gréčtine - knihy) - knihy vytvorené podľa kresťanskej doktríny inšpiráciou Ducha Svätého, ktoré poskytujú širokú panorámu maľby tej doby. Všetky sú venované najdôležitejším biblickým témam a odrážajú osobitú víziu pravoslávneho kresťanstva ruských a byzantských majstrov.
Vznik cirkevnej maľby a vznik osobitného vzťahu v ruskej kultúre k ikone patria do čias Kyjevskej Rusi. Pre ruský ľud odrážal víziu sveta, filozofiu života, najdôležitejšie estetické myšlienky. Širokú panorámu vtedajšej maľby dodávajú mozaikové a freskové diela Katedrály sv. Sofie v Kyjeve. Všetky sú venované najdôležitejším biblickým témam a odrážajú osobitú víziu pravoslávneho kresťanstva ruských a byzantských majstrov.
Najsvetlejšia časť chrámu - oltár a kupolový priestor - je zdobená mozaikovými obrazmi; bočné, menej osvetlené lode a chóry sú vyzdobené freskami. Výzdoba katedrály bola zjavne vykonaná v niekoľkých krokoch. Mozaiky, fresky strednej lode, priečnej lode (krížovej lode) a chórov vznikli v rokoch 1043-1046. O niečo neskôr, v 60. rokoch, boli vymaľované bočné lode (lode); fresky severnej a južnej schodiskovej veže pochádzajú pravdepodobne z 12. storočia. Nástenné maľby kostola sv. Sofie boli opakovane aktualizované. Po obnove, ktorá sa systematicky vykonávala od roku 1936, sa zistilo, že pôvodný náter je značne poškodený. Na mnohých miestach pod nánosmi záznamov sa stará maľba nezachovala.
A predsa, aj v takomto stave, malebný súbor svätej Sofie Kyjevskej udivuje svojou vznešenosťou a jednotou dizajnu, stelesňujúci svet myšlienok stredovekého človeka.
Systém kupol, stĺpov, oblúkov, na ktorých sú v prísne hierarchickom poradí umiestnené postavy svätcov, slávnostne korunuje stredová kupola preniknutá svetlom s polopostavou Krista Všemohúceho (Pantokratora). Po jeho stranách stála nebeská stráž - štyria okrídlení archanjeli (bohužiaľ, zachovala sa len jedna z postáv, a aj to nie celkom); dole, v dvanástich mólach medzi oknami bubna, boli vyobrazení celovečerní ohlasovatelia Kristovho učenia (zachovala sa iba horná časť postavy apoštola Pavla). Na plachtách podopierajúcich kupolu boli vyobrazení sediaci evanjelisti; kompletne sa zachoval len evanjelista Marek v zelenkastom chitone a svetlofialovom plášti. Na svahoch oblúkov pod kupolou sa v medailónoch nachádzali busty „Štyridsiatich mučeníkov zo Sebaste“ (zachovalo sa ich pätnásť). Na čelných stranách stĺpov hlavného, východného oblúka tvoria postavy Bohorodičky a archanjela Gabriela, oddelené od seba obrovským rozpätím, scénu Zvestovania: archanjel zvestuje Márii narodenie r. jej syn (budúci „záchranca sveta“)
Celú lastúru oltárnej apsidy zaberá postava Panny Márie Oranty s rukami zdvihnutými k modlitbe, vysoká štyri a pol metra. Zosobňujúc Sophiu (Múdrosť) dominuje chrámu ako symbol zduchovneného Mesta, kozmického Domu múdrosti, ktorý kyjevské kniežatá považovali nielen za svoj kostol, ale aj za pozemské mesto Kyjev. Pre ľudí, ktorí nie sú zasvätení do teologických jemností, je to Božia Matka príhovor, obraz, ktorý je zrozumiteľný a blízky povedomiu ľudí, ktorý neskôr dostal ruský názov „Nezničiteľná stena“. Prihovára sa u Pantokratora za „ľudské hriechy“. Kráľovskú vznešenosť Matky Božej zdôrazňujú monumentálne záhyby mafória (závoj), ktorý široko padá zo zdvihnutých rúk, ako aj šťavnaté tóny šiat: modrá tunika, fialovofialové maforium zdobené zlatou okraj, biely ubrus s červenými pruhmi. Spolu s trblietavým zlatom pozadia tvoria zvučnú farebnú škálu. V postave Oranty je tá sila a plnokrvnosť, ktorú nemožno nájsť v byzantskom maliarstve pri všetkej jeho prepracovanosti a formálnej dokonalosti.
Celý systém mozaikovej maľby od vrchu po kupolu až po oltár stelesňoval myšlienku spojenia medzi nebeským a pozemským kostolom. Všetky ostatné časti chrámu boli vyzdobené freskami. Boli tu zobrazené biblické a evanjeliové scény a množstvo svätých - celý kresťanský panteón.
Podoba svätých v mozaikách svätej Sofie Kyjevskej je blízka kánonu rozvinutému v byzantskom maliarstve: predĺžená oválna tvár, rovný dlhý nos, malé ústa s tenkou hornou a bacuľatou spodnou perou, obrovský, široký- otvorené oči, prísny, často prísny výraz. Niektorí svätci a najmä tí v apside však pôsobia portrétnym dojmom. Vo všeobecnosti je hierarchická pozícia s ozvenou helenistického portrétovania v tvárach, s jasnou konštruktívnosťou foriem a rafinovanosťou farieb jednou z najsilnejších častí dekoratívneho súboru.
Útla, vychudnutá tvár Jána Zlatoústeho (majstra kazateľskej prózy 4. storočia) s prepadnutými lícami a obrovským čelom akoby vyschla intenzívnou myšlienkovou prácou. Vedľa neho je Bazil Veľký (rečník, spisovateľ, diplomat 4. storočia) s tvrdohlavým záhybom pier a veľkými charakteristickými črtami - obraz človeka menej rafinovaného, ale silnejšieho, akcieschopnejšieho, ktorý veľmi presne potvrdzuje jeho aktívnu a mnohostrannú činnosť. Ak sa z hľadiska výberu námetov mozaiky Sofie veľmi presne riadia schémou prijatou v Konštantínopole, potom v; fresky majú oveľa väčšiu voľnosť vo výbere "zápletiek, a v ich ikonografii a vo výtvarnom riešení. Na jednotlivých obrazoch, ktorými je chrám oplýva, je ešte viac lokálnych čŕt. V niektorých prípadoch sa vyskytuje slovanský typ tváre - široký, zaoblený, s mäkčeným vzorom rysov.a slovanskými nápismi.
Vo vývoji umenia Ruska v období XII - polovice XV. možno rozlíšiť aj dve tapas: predmongolské a obdobie mongolského jarma.
V predmongolskom období sa v krajinách Novgorod a Vladimir-Suzdal vyvinuli najjasnejšie školy architektúry a maľby. To bolo určené predovšetkým okolnosťami Novgorodu v XII. sa oslobodil spod moci kniežaťa a stal sa feudálnou republikou, rozšírili sa jeho väzby so západoeurópskymi krajinami a mestá Vladimír a Suzdal, centrá severovýchodného Ruska, sa stali najrozvinutejšou časťou ruského štátu.
Najstaršia ikona v Tveri je „Boris a Gleb“ z kláštora Savva-Vishera z prvej tretiny 14. storočia. Umožňuje zachytiť úlohu predmongolského umenia v centrách severovýchodného Ruska. Vo veľkých, mocných postavách Borisa a Gleba cítiť nevyčerpateľné tradície
XIII storočia. Hrdinské obrazy ikony sú v súlade s érou Tverovej otvorenej konfrontácie s útočníkmi Hordy. Z miestnych znakov si treba všimnúť určitú krutosť línií medzier na tvárach. Aktívna lineárna štylizácia sa neskôr stala jedným z typických znakov tverskej ikonomaľby. Ikona Všemohúceho Spasiteľa patrí do prvej polovice 14. storočia. Spas, ktorý odhaľuje určitú podobnosť s freskami Snetogorského kláštora, je pozoruhodný svojimi statickými objemami, zveličením čŕt viky, jasnou geometriou záhybov oblečenia, ktoré do jeho kompozície vnášajú prvok dynamiky.
Mozaiky katedrály sv. Michala so zlatou kupolou v Kyjeve pochádzajú z roku 1112 (v súčasnosti sú uložené v horných miestnostiach Katedrály sv. Sofie).
Celkový systém výzdoby interiéru katedrály bol zjavne blízky systému Sophia, ale povaha obrazov je trochu odlišná.
Na scéne „Eucharistie“ v postavách teda nie je žiadna ťažkosť charakteristická pre sofijské mozaiky. Apoštoli sú vyšší, štíhlejší, ich pohyby sú voľnejšie, postoje uvoľnené, tváre pretiahnuté, oči nie také veľké, pohľad pokojnejší, je zbavený toho takmer magického napätia, ktoré obrovský, akoby široký -vyžarujú otvorené oči sofských mozaík.
Svätý Demetrius Solúnsky na mozaike kláštora sv. Michala so zlatou kupolou je zobrazený v celej dĺžke ako mladý bojovník s mečom (obraz bol na vnútornej strane oltárneho oblúka). Veľkoleposť oblečenia v kombinácii s panovačnou pózou spôsobuje, že Dmitrij vyzerá ako hrdý a energický kyjevský princ-bojovník. Za cisára Diokleciána bol usmrtený za svoje priľnutie ku kresťanstvu a uctievaný ako patrón vojska a patrón Slovanov. Dimitri sedí na tróne s mečom napoly vytiahnutým z pošvy. Na tomto tróne je znak Vsevoloda Veľkého hniezda. Dmitrij zo Solúna akoby zosobňoval princa-rytiera, ktorý bol povolaný vytvoriť správny dvor a chrániť svoj ľud. Y je veľmi rafinovaná farebná schéma pozostávajúca z kombinácií jemných ružových a zelených farieb oblečenia s bohatým zlatým brnením.
So začiatkom feudálnej fragmentácie Ruska a vznikom nových centier sa začali formovať miestne maliarske školy. V novgorodskom Vladimire sa postupne spracováva kyjevská tradícia, umenie sa stáva čoraz originálnejším. Vývoj ide dvoma smermi.
Na jednej strane silnie vplyv cirkvi, ktorej úloha v rokoch napätého boja Kyjeva proti separatistickým tendenciám miestnych kniežatstiev silnie. Cirkev bojuje proti zvyškom pohanstva, za čistotu a prísnosť kresťanských obradov. Obrazy svätých sú prísnejšie, asketickejšie. Bohatosť šerosvitného modelovania raných kyjevských mozaík a fresiek je nahradená zvýraznenou lineárnosťou, ktorá umocňuje plošný charakter obrazov. Na druhej strane do umenia miestnych škôl čoraz viac preniká vplyv ľudovej, staroslovanskej kultúry.
Medzi prvé novgorodské ikony, ktoré sa k nám dostali, patria majstrovské diela svetového významu. Takým je napríklad „Anjel zlatých vlasov“, napísaný pravdepodobne koncom 12. storočia. S najväčšou pravdepodobnosťou ide o fragment úrovne Deesis. Hlboká spiritualita smutnej tváre s obrovskými očami robí obraz ikony očarujúco krásnym. Aká vysoká, čistá krása na tomto nezabudnuteľnom obrázku! Pečať Byzancie je stále číra a v krásnom ovále tváre s jemným rumencom pod vlnitými vlasmi lemovanými zlatými nitkami žiari niečo skutočne helénske. Ale smútok v očiach, taký žiarivý a hlboký, všetka táto sladká sviežosť, všetka táto vzrušujúca krása už nie je odrazom ruskej duše. Ste pripravení realizovať svoj zvláštny osud s jeho tragickými skúškami?
Rysy umeleckej kyjevskej tradície sú dodnes zachované v množstve ikon z 12. – začiatku 13. storočia, pochádzajúcich najmä z Novgorodu. Taký je „Spasiteľ nevyrobený rukami“ (tvár Krista zobrazená na tabuli) z katedrály Nanebovzatia v Moskovskom Kremli (XII. storočie). Táto ikona mala v Novgorode osobitnú úctu a bola oslavovaným obrazom. Dôkazom toho je jeden z novgorodských rukopisov XIII storočia (Zakharyevsky prológ). Prísna tvár Krista s obrovskými očami je namaľovaná v olivovo-žltých tónoch. Jej zdržanlivosť oživuje červená ruža líc, ako aj čelo a kontúra nosa, rôzne klenuté obočie dáva Kristovej tvári.
Špeciálna expresivita, rovnako ako asymetria, zakrivenie línií dodávajú novgorodským kostolom osobitnú plastickú expresívnosť.
Hlavným, ústredným obrazom celého starovekého ruského umenia je obraz Ježiša Krista, Spasiteľa, ako ho v Rusku nazývali. Spasiteľ (Spasiteľ) - toto slovo úplne presne vyjadruje myšlienku kresťanského náboženstva o ňom. Učí, že Ježiš Kristus je človek a zároveň Boh a Boží Syn, ktorý vydržal spásu ľudského pokolenia.
Tradične umiestnené na ktoromkoľvek z jeho obrázkov na oboch stranách hlavy IC XC - slovné označenie jeho osobnosti, skrátené označenie jeho mena - Ježiš Kristus ("Kristus" v gréčtine - pomazaný, posol Boží). Hlavy Spasiteľa tradične obklopuje nimbus - kruh, najčastejšie zlatý, - symbolický obraz svetla, ktoré z neho vychádza, večné svetlo, a preto nadobúda okrúhly tvar bez začiatku. Táto svätožiara, na pamiatku obety, ktorú priniesol pre ľudí na kríži, je vždy lemovaná krížom.
V dávnych dobách sa v byzantskom umení rozvíjali čisto umelecké, obrazové techniky, ktoré umožňovali odhaliť inšpiratívny, božský princíp v samotných črtách, v úplne reálnej podobe Ježiša Krista. Tieto techniky sa časom vyvinuli, čo umožnilo odhaliť rôzne stránky jeho osobnosti na obrazoch Spasiteľa. Túžba po rozmanitosti nikdy nebola samoúčelná pre starých ruských umelcov. Naopak, snažili sa čo najviac zachovať to, čo urobili ich predchodcovia. Staroveké obrazy Spasiteľa opakovali umelci mnohých nasledujúcich generácií. V týchto prípadoch sa kópie nikdy neobjavili, pretože boli reprodukované iba hlavné charakteristické znaky vybranej vzorky.
Obraz nevyrobený rukami, alebo inak Spasiteľ nevyrobený rukami, je najdôležitejším vzorom, ktorým sa riadili majstri všetkých čias, pokiaľ existovalo staré ruské umenie. Legenda o obraze Not Made by Hands tvrdila nielen to, že tento obraz bol vytvorený z vôle samotného Ježiša Krista, ale aj to, že ho vytvoril on, aby pomohol trpiacemu človeku.
Množstvo ikon reprodukujúcich Obraz nie je vyrobený rukami. Najstarší z preživších - „Savior Not Made by Hands“, vytvorený v Novgorode v XII. storočí a teraz patrí do Treťjakovskej galérie.
Veľmi dôležitým a rozšíreným typom obrazu Spasiteľa v starovekom ruskom umení bol typ, ktorý dostal meno „Všemohúci Spasiteľ“. Pojem „Všemohúci“ vyjadruje základnú myšlienku kresťanskej dogmy o Ježišovi Kristovi. „Všemohúci zachránený“ je polovičný obraz Ježiša Krista v ľavej ruke s evanjeliom – znakom učenia, ktoré priniesol na svet – a pravou rukou, pravou rukou, zdvihnutou v geste požehnania. do tohto sveta. Ale nielen tieto dôležité sémantické atribúty spájajú obrazy Všemohúceho Spasiteľa. Umelci, ktorí ich vytvorili, sa s osobitnou plnosťou snažili obdarovať obraz Ježiša Krista božskou mocou a majestátnosťou.
Prišiel k nám mozaikový obraz Všemohúceho Spasiteľa v kupole jedného z najstarších kostolov - Hagia Sofia v Kyjeve (1043-1046).
Existovalo množstvo ikonopisných obrazov Všemohúceho Spasiteľa. A medzi nimi je azda najznámejšia ikona namaľovaná začiatkom 15. storočia najväčším ruským umelcom Andrejom Rublevom. Teraz sa nazýva podľa miesta nálezu v meste Zvenigorod „Kúpele Zvenigorod“.
S rovnakými atribútmi Majstra sveta ako Všemohúci Spasiteľ, s evanjeliom v ľavej ruke a pravicou zdvihnutou v požehnaní, bol Ježiš Kristus zobrazený aj v rozšírených skladbách „Spasiteľ na tróne“. Samotné sedenie na tróne (tróne) tu naznačovalo svoju kráľovskú moc. Na týchto obrazoch bolo obzvlášť zreteľné, že Pán sveta je aj jeho sudcom, keďže Spasiteľ „sediac na tróne“ vykoná svoj posledný súd nad ľuďmi a svetom.
Najväčšiu úlohu vo vývoji novgorodského umenia 14. storočia zohralo dielo Theophana Gréka, pozoruhodného umelca, ktorý prišiel do Novgorodu z Byzancie v 70. rokoch 14. storočia.
Spoľahlivým dielom Feofana v Novgorode je obraz kostola Premenenia Spasiteľa na ulici Ilyin (1378). Zachovali sa fresky v kupole: Kristus Pantokrator v strede, dole - postavy archanjelov so široko otvorenými krídlami a šesťkrídlovými serafínmi a v bubne medzi oknami - osem postáv predkov na výšku. Okrem toho pozostatky „Eucharistie“ a hierarchickej hodnosti v apside, fragment postavy Bohorodičky zo „Zvestovania“ na južnom oltárnom stĺpe, silne zničené fresky evanjeliových výjavov na klenbách a stenách. kostola, ako aj početné postavy a polopostavy svätcov. Objav týchto fresiek, uskutočnený v dôsledku reštaurátorských prác v rokoch 1912-1970, bol najväčšou udalosťou kultúrny život. Najzachovalejšie maľby sú v severozápadnej komore na chórových tribúnach, kde je umiestnená starozákonná „Trojica“, postava Makaria Egyptského, množstvo medailónov s polofigúrovými svätcami, päť postáv stĺpov.
Tváre svätých sú maľované rozvážnym spôsobom, voľné biele odlesky sú ľahko a sebavedome prehodené cez tmavočerveno-hnedý tón. Záhyby oblečenia sa lámu v ostrých uhloch. Charakterizácia obrazov dosahuje hranicu lakonizmu. Takým je napríklad Macarius Egyptský – staroveký starec s dlhými bielymi vlasmi a bradou, tenkým nosom a prepadnutými lícami. Vysoko zdvihnuté obočie je zredukované na koreň nosa. Vedľa obrazov starých mužov, obielených šedinami, sú mladí svätci, prísni a energickí, s hrubými vlasmi ostrihanými do kruhu. Vnútorná sila Theophanových obrazov, ich vášnivá intenzita a obrovská duchovná energia, jedinečná rôznorodosť individuálnych charakteristík, ktoré porušujú konvencie ikonografických originálov – to všetko bolo nielen vyjadrením majstrovho obrazového temperamentu, ale aj výsledkom jeho pobytu v r. Novgorod.
S vladimirsko-suzdalskou krajinou a jej umeleckými tradíciami sa spája niekoľko prvotriednych ikon: „Dmitrij Solúnsky“ z mesta Dmitrov, „Naša Pani Oranta – Veľká Panagia“ z kláštora Premenenia Pána v Jaroslavli, „Všemohúci Spasiteľ“ pol. - dĺžka, "Zjavenie sa archanjela Michaela Joshuovi, "Archanjel Michael, Loratny" z Jaroslavli, "Boris a Gleb", "Naša Pani z Vladimíra".
V prvých desaťročiach po mongolsko-tatárskej invázii došlo k oživeniu maliarstva. V ikonách a miniatúrach novgorodských rukopisov už z 2. polovice 13. storočia. sú určené čisto lokálne znaky, ktoré sa tu vyvinuli v maľbách 12. storočia: jasný obraz nekomplikovaný alegóriami, trochu elementárna veľká kresba, dekoratívny jas farby. Na chrámovej ikone Kostola sv. Mikuláša na Lipne, ktorú vykonal Alexa Petrov, je Mikuláš Divotvorca predstavený ako pozorný mentor a pomocník ľudí. Zaoblené línie, elegantné zdobenie odrážalo vplyv dekoratívnych trendov ľudového umenia.
V mestách severovýchodného Ruska, ktoré prežili inváziu, sa maľba dlho rozvíjala na predmongolskom základe. Umelecké dielne sa sústreďovali na biskupských a kniežacích dvoroch a ich diela majú cirkevný alebo kastovný kniežací charakter. Rostovské ikony XIII-XIV storočia. vyznačuje sa priesvitnými farbami, jemnými a teplými farbami. Veľmi obľúbené boli hagiografické ikony, v ktorých je jasne vyjadrený literárny naratívny princíp. Niekoľko vynikajúcich ikon a averzných rukopisov z 13.-14. storočia je spojených s Jaroslavľom. Ikona „Boris a Gleb“ vyniká slávnostnou krásou, ale miesto jej písania nebolo presne stanovené.
V 70-80 rokoch XIII storočia. vznikla tverská maliarska škola. Nástenné maľby katedrály Premenenia Pána v Tveri, ktoré vytvorili miestni majstri, boli prvým pokusom o obrat k monumentálnej maľbe po tatárskej invázii. Nie veľmi kvalitné tverské ikony a rukopisy sa vyznačujú belavými odleskami a ozdobnými kombináciami bielej, červenej a modrej. O niečo neskôr vznikla v Tveri moskovská škola, ktorej prvé pamiatky svedčia o jej úzkych vzťahoch s Rostovom a Jaroslavľom.
V XIV storočí. so začiatkom rozsiahlej výstavby kamenných chrámov sa obnovila fresková maľba. Fresky katedrály kláštora Snetogorsk pri Pskove sú stále štýlovo blízke freskám Novgorodu typu Nereditsky. Novgorodské maľby 2. polovice 14. storočia. voľnejšie v prírode. Niektoré z nich namaľovali ľudia z Byzancie: fresky kostolov Spasiteľa na Iljinovej ulici a kostola Nanebovzatia Panny Márie na Volotovom poli. Ďalšie namaľovali južní Slovania: fresky kostolov Spasiteľa na Kovalev a Narodenia na cintoríne a kostola Michala archanjela Skovorodského kláštora.
Najpôsobivejšie sú fresky kostola Spasiteľa na ulici Ilyina, ktoré vykonal Grék Feofan, ako aj fresky Volotova, ktoré zarážajú v duchovnom pátose obrazov a umenia. Theophanove nástenné maľby svojou prísnou expresivitou, výnimočnou slobodou kompozície a písania nemajú obdobu nielen v Rusku, ale ani v Byzancii. Fresky rohovej komory v chórových stánkoch sú dobre zachované: obrazy stelesňujúce asketické ideály sa vyznačujú psychologickým napätím, technikou písania - dynamikou a originalitou techník a farebnosťou extrémnou zdržanlivosťou. Božstvo a svätí vystupujú v Theophanesovi ako impozantná sila, ktorá má človeka ovládať a pripomínať mu jeho skutky v mene vyššej idey. Ich tmavé tváre so zľahka umiestnenými bielymi odleskami, oproti ktorým vybielené žlté, karmínové, modré tóny šiat nadobúdajú osobitú zvukovosť, pôsobia na diváka priamo a hlboko. Fresky kostola Fjodora Stratilata sú štýlovo blízke maľbám Spasiteľa na Iljinovej ulici. Je možné, že na ich vystúpení sa zúčastnili ruskí majstri, ktorí študovali u Grékov.
Freska ovplyvnila aj štýl novgorodských ikon 14. storočia, ktorý sa stal voľnejším a malebnejším. Diela maliarov ikon Pskov XIV storočia. sa vyznačujú výraznou farebnou modeláciou a nezvyčajnou farebnosťou založenou na kombinácii oranžovo-červených, zelených, hnedých a žltých tónov. Pochmúrna expresivita obrazov svätých, ktorí nie sú v pskovských ikonách, prezrádza ich známu blízkosť k dielam Teofana Gréka.
Sever v 14. storočí vznikla vologdská maliarska škola. Jeho slávnym predstaviteľom je maliar ikon Dionysius Glushitsky. Ikonám Vologda dominujú tmavé, trochu tlmené tóny. Archaické tradície pretrvávajúce na severe robia ikony severného písania storočí XIV-XV. často štýlovo podobný pamiatkam zo skoršieho obdobia.
Rozkvet novgorodského maliarstva nastal v 15. storočí. Na novgorodských ikonách - špecifický výber svätých: Ilya, Vasily, Flor a Laurus, Paraskeva Pyatnitsa, Anastasia, Nikola, George. V ľudovej mysli sa spájali s prírodnými silami a boli povolaní chrániť človeka, jeho dom a hospodárstvo. Ikonografia odhaľuje stopy vplyvu pohanských prežitkov, folklóru, miestnych historické udalosti, život. Mimoriadna aktivita a známy demokratizmus spoločenského života Novgorodu prispeli k vytvoreniu osobitného ideálu človeka v miestnom maliarstve - rozhodného, energického, silného. Novgorodské ikony sa vyznačujú sebavedomými, drsnými kresbami, symetrickými kompozíciami a jasnými, studenými tónmi.
Od konca XIV - začiatku XV storočia. umelecká úloha Moskvy je posilnená. Pracovali tu Feofan Grek, Prokhor z Gorodets, Andrei Rublev, Daniil Cherny. V ikonostase katedrály Zvestovania moskovského Kremľa Feofan mierne zväčšil veľkosť ikon Krista, Matky Božej a svätých a dosiahol jasnú expresivitu siluety („deesis rank“). Táto hodnosť mala veľký význam pre ďalší rozvoj ruského vysokého ikonostasu. Škola vytvorená Feofanom v Moskve podnietila rozvoj miestnych majstrov, ktorí však vyvinuli štýl odlišný od Feofanovho. V roku 1408 Andrey Rublev a Daniil Cherny vykonali nový obraz katedrály Nanebovzatia Panny Márie vo Vladimire. Tieto fresky na tradičných ikonografických obrazoch odhaľujú hlboký duchovný svet a myšlienky súčasníkov. Osvietené dobrotivé tváre apoštolov vedúcich ľud, jemné harmonické tóny obrazu sú presiaknuté zmyslom pre pokoj. Ikony radu Zvenigorod, ktoré Rublev namaľoval o niečo neskôr, sú čisto ruskou interpretáciou témy deesis. Obraz žehnajúceho Krista je plný vnútornej sily a múdreho pokoja. Rublev mal vzácny dar stelesniť v umení svetlé stránky života a stav mysle človeka. Vnútorný nepokoj asketického odstupu Theophanových obrazov nenahrádza v jeho dielach krása duševného pokoja a sila vedomej mravnej správnosti.
Rublevove diela, ktoré sú vrcholom moskovskej maliarskej školy, vyjadrujú myšlienky širšieho celonárodného charakteru. V pozoruhodnej ikone „Trojica“, namaľovanej pre katedrálu kláštora Trinity-Sergius, vytvoril Rublev obrazy, ktoré ďaleko presahujú úzky rámec teologického sprisahania, ktoré vyvinul, stelesňujúce myšlienky lásky a duchovnej jednoty. Postavy anjelov, ktorí sedia so sklonenými hlavami k sebe v tichom rozhovore, tvoria kruh - symbol večnosti a hladké, harmonické línie navodzujú náladu svetlej, koncentrovanej zamyslenosti. Jemné, jemne zladené tóny, medzi ktorými prevláda zlatá a zvučná modrá, vnútorná sloboda presne nájdenej kompozície s jej expresívnym rytmom úzko súvisí s hlboko ľudským zámerom tohto brilantného diela.
V poslednej tretine XV storočia. začína svoje umeleckej činnosti Dionysius. V ikonách a freskách Dionýzia a jeho školy, vytvorených počas formovania ruského centralizovaného štátu na čele s Moskvou, sa zvyšuje určitá jednotnosť techník, pozornosť majstrov k umeleckej forme, črty slávnosti a dekoratívnosti. Jemná kresba a nádherné sfarbenie ikon Dionýzia so silne pretiahnutými pôvabnými postavami sú plné elegantnej vážnosti. Ale z psychologického hľadiska sú jeho obrazy nižšie ako Rublevsky. Nástenné maľby Katedrály kláštora Ferapontov pri Kirillove, ktoré vytvorili Dionýz a jeho synovia Theodosius a Vladimir, sa vyznačujú zvláštnou jemnosťou farieb, krásou kompozícií podriadených rovine steny s pôvabnými postavami, ktoré sa akoby posúvali. . Početné diela Dionýzia a umelcov jeho školy im spôsobili rozsiahle podráždenie. Na konci XV storočia. Moskovskí umelci chodia do Novgorodu, Pskova, na sever, do miest regiónu Volga a najlepší majstri týchto umeleckých centier odchádzajú pracovať do Moskvy, kde sa zoznamujú s tvorivými technikami maliarov hlavného mesta. Moskovské umenie postupne vyrovnáva miestne školy a podriaďuje ich spoločnému vzoru.
V XVI storočí. posilnenie štátu a cirkvi sprevádzal teoretický vývoj otázok o kráľovskej moci, o postoji cirkvi k nej, o úlohe umenia v bohoslužbách, o spôsoboch prekladania cirkevných zápletiek. Umenie sa pod vplyvom dogmatickej teologickej literatúry stáva umelo komplexným, scholasticky abstraktným. Početné špekulatívne alegórie a symboly často zakrývajú obsah a preťažujú kompozíciu. Písmeno sa zmenšuje, štýl stráca monumentálnosť a jasnosť. Nezachovaný obraz Zlatej komnaty moskovského Kremľa, vyhotovený na základe „Príbehu kniežat Vladimíra“, jasne ilustroval myšlienku kontinuity moci moskovských autokratov. Ikona „Militantná cirkev“, ktorá predstavuje apoteózu Ivana Hrozného, namaľovaná pri príležitosti zajatia Kazane, je plná alegórií a historických paralel. V takýchto dielach začali prevládať politické, svetské tendencie. Tieto tendencie boli ešte silnejšie v miniatúre množstva ručne písaných kníh. Najväčšie dielne na písanie kníh sa nachádzali v Novgorode, Moskve a Trinity-Sergius Lavra. Základný „Facial Vault“ obsahuje asi 16 000 miniatúr. Vojenské a žánrové výjavy s každodennými detailmi zo života sú spracované graficky a podfarbené vodovými farbami. Objavujú sa mnohostranné konštrukcie priestoru, skutočná krajina. Typografia, ktorej prvé experimenty v 50. rokoch. XVI storočia., znamenalo začiatok ruského rytia. Ivan Fedorov pre ňu našiel umelecké riešenie, nezávislé od ikony a miniatúrnej maľby.
Na prelome XVI-XVI storočia. v Moskve sa sformovali dva smery v maľbe, podmienečne nazývané menami ich horlivých priaznivcov „Godunov“ a „Stroganov“, prvý z nich inklinoval k prísnemu štýlu ikon a monumentálnej maľby 15.-16. ukázal typický pre majstrov 16. storočia. láska ku kráľovskej nádhere a pri ilustrovaní žaltárov oživila starú tradíciu navrhovania rukopisov s okrajovými kresbami. Stroganovská škola pestovala drobné, šikovne rafinované písmo, kombinujúce farby so zlatom a striebrom; ikony boli maľované pre domáce kaplnky bohatých feudálov - znalcov sofistikovaného remesla. Trochu rozmaznaná krása a bezbranná slabosť svätých vo farebných rúchach, pozadie so zložitou fantastickou krajinou sú charakteristické pre diela majstrov tejto školy - Emelyan Moskvitin, Stefan Pakhiri, kráľovskí maliari ikon Procopius Chirin, rodina Savinovcov, a ďalšie.
Sociálny kontingent zákazníkov sa rozšíril. Spolu s kráľovským dvorom uskutočňovali intenzívnu výstavbu a výzdobu kamenných kostolov a komnát aj duchovenstvo a bojari, obchodníci a bohatí mešťania. Rastie počet umelcov, niekedy nedostatočne odborne pripravených, čo znižuje celkovú úroveň zručnosti. Ale medzi tými, ktorí pochádzali z mestských nižších tried a štátnych roľníkov, bolo veľa ľudí s bystrým talentom, ktorí tvorili nástenné maľby, ikony, miniatúry, ktoré udivujú sviežosťou ich svetonázoru, slobodou a rozmanitosťou interpretácie zápletiek a odvahou. technické metódy. Umenie sa demokratizuje, stáva sa zrozumiteľnejším a prístupnejším, približuje sa svetonázoru ľudí. Známych je veľa mien majstrov 16. storočia. - Moskva, Jaroslavľ, Kostroma, Nižný Novgorod, najčastejšie pracujúci vo veľkých arteloch: niektorí majstri plánovali kompozície na stenách kostola, iní maľovali tváre, iní - odevy a závesy, štvrtý - architektúra a krajina, piaty - ozdoby atď. Kolektívna tvorivosť vypracovala jasne výraznú uniformitu. V ikonomaľbe 2. polovice 16. storočia. Tradície školy Stroganov sú vysledované. Autor ikony „Aleksy, metropolita Moskvy“ s láskou farbí veľkolepé rúcho svätca, zložité oblaky pozadia a krajinu rozprestierajúcu sa pod ním. V ikonách určených na vnímanie z diaľky sú tvary väčšie, línia energickejšia, silueta výraznejšia, sfarbenie jednoduchšie a matnejšie. Monumentálna maľba sa rozvíja pod badateľným vplyvom ikonopisu a západoeurópskeho rytia. Zápletky sú znásobené, redukované na zábavný príbeh s každodennými detailmi, zmenšená mierka figúr, kresba stráca niekdajšiu lakonickú expresivitu, jednotlivé obrázky sú donekonečna vytláčané opakujúcimi sa typmi.
Na konci XVI storočia. stred umelecká maľba sa stáva Zbrojnica moskovského Kremľa, ktorá silne ovplyvnila ruské umenie vôbec. Jeho maliari boli majstrami najširšieho spektra: maľovali nástenné maľby, ikony a miniatúry, maľovali nábytok a domáce potreby, maľovali kráľovské portréty, zdobili cirkevné a svetské sviatky atď. A hoci častá zmena povolaní vytvorila medzi majstrami stereotypné techniky, zbrojárske umenie na veľmi vysokej profesionálnej úrovni. Tu vznikli prvé špeciálne pojednania o maľbe v dejinách ruského umenia, ktoré napísali Iosif Vladimirov a Simon Ushakov, ktoré nastolili problém životnej hodnovernosti obrázkov ikon. V maľbe Ushakov venoval hlavnú pozornosť šerosvitnej modelácii formy, dosahovaniu mäkkosti prechodov, trojrozmernosti obrazu, vytrvalému dosahovaniu dojmu ich reality.
Nástenná maľba maliarov ikon Jaroslavľ a Kostroma, ktorí pôsobili aj v Moskve, Rostove, Romanove a Borisoglebskej Slobode, Vologde, Trinity-Sergius Lavra a ďalších mestách, sa vyznačujú nevyčerpateľnou fantáziou, záujmom o okolitú realitu. Remeselníci dokázali dodať zábavno-dekoratívnemu efektu multifigúrky, plné dynamiky, viacfarebné maľby pokrývajúce steny a klenby chrámov malebným kobercom. Množstvo scén je sformovaných do naratívnych cyklov s mnohými jemne postrehnutými každodennými detailmi a motívmi zo skutočnej krajiny. Tieto nástenné maľby, podobne ako ikony v jaroslavskom kostole proroka Eliáša a niekoľko vynikajúcich ikon Semyona Kolmogorodca, sú preniknuté optimistickým prístupom ľudí, ktorí stále bojazlivo, ale radostne odhaľujú krásu pozemského života.
