15. sajandi Hollandi maal 15.-16. Sajandi Saksamaa ja Hollandi kunst Hollandi renessansi kunsti põhijooned

Põhja-renessansi maal. Üldiselt aktsepteeritud, kuid tingimuslikult mõistet "Põhja-renessanss" (umbes 1500 - vahemikus 1540–1580) rakendatakse analoogia põhjal Itaalia renessansiga Saksamaa, Hollandi, Prantsusmaa kultuuri ja kunsti suhtes; Nende riikide kunstikultuuri üks peamisi jooni on selle geneetiline seos hilisgooti kunstiga.

15. sajandil. Põhja-Euroopa kunstikoolide seas oli domineeriv koht Hollandi maalikunsti poolt: R. Kampeni, Jan van Eycki, D. Boutsi, Hugo van der Goesi, Rogier van der Weydeni, H. Memlingi loomingut tähistab panteistlik maailmavaade, tähelepanelik tähelepanu igale detailile ja igale elunähtusele; nende taga peituv sügav sümboolne tähendus asub Pieter Bruegeli vanema ja Hieronymus Boschi kõige laiemate üldistatud maalide keskmes.

Portree (A. More, J. van Scorel), maastik (I. Patinir) ja žanr (Luca Leiden) arenesid Hollandi renessansikunstis iseseisvalt. Romanismist sai omapärane nähtus, mille meistrid püüdsid ühendada Itaalia kunsti kunstitehnikat Hollandi traditsiooniga.

Saksamaal ilmusid uue kunsti esimesed jooned 1430. aastatel. (L. Moser, H. Mulcher, K. Witz) ja renessanss ise, mille kunsti mõjutasid reformatsiooni ideed ja 1524.-1526. Aasta Talurahvasõja sündmused suuresti, sai alguse 15. ja 16. sajandi vahetusel. ja lõppes juba 1530-1540ndatel. (maalid ja graafika: Albrecht Durer, M. Grunewald, Lucas Cranach vanem, A. Altdorfer, H. Holbein noorem).

Prantsuse renessansi rõõmsameelne ja graatsiline stiil avaldus kõige selgemini J. Fouquet'i (tuntud ka kui silmapaistev miniatuurimeister) maalides ja pliiatsiportreedes.

Renessansi tunnused said omapärase murdumise Inglismaa kunstis, kus Londonis töötanud H. Holbein juuniori mõjul moodustati rahvuslik portreekool (N. Hilliard) ja Hispaania, mille kunstnikud (A. Berruguete, D. de Siloé, L. de Morales) kasutasid Itaalia maalikogemus omaenda karmi ja ilmeka stiili loomiseks. Renessansiajastu kunsti teatavaid jooni, üksikuid elemente või tehnikaid leidub Horvaatia, Ungari, Tšehhi Vabariigi, Poola, Leedu ja teiste Euroopa riikide kunstikultuuris.

Jan van Eyck, Hieronymus Bosch ja Pieter Brueghel Vanem kehastavad oma töödega Hollandi renessansiajastu maalikunsti varajast, keskmist ja hilist etappi. A. Dürer, Grunewald (M. Niethardt), L. Cranach vanem, H. Holbein noorem kiitsid Saksamaal heaks uue kunsti põhimõtted.

Individuaalselt asendab autori loovus nüüd keskaegset anonüümsust. Suure praktilise tähtsusega on lineaarse ja õhuperspektiivi teooria, proportsioonid, anatoomiaprobleemid ja piirjooneline modelleerimine. Renessansiajastu uuenduste keskpunkt, kunstiline "ajastu peegel" oli illusoorset laadi meenutav pildipilt, religioosses kunstis tõrjub see ikooni ja ilmalikus kunstis esile iseseisva maastiku, argimaali, portree žanrid (viimasel oli esmane roll humanistliku vooruse ideaalide visuaalsel kinnitamisel).

Doonau kool, Lõuna-Saksamaa ja Austria maalimise ja graafika suund 16. sajandi 1. poolel. Doonau koolkond sisaldab Lucas Cranach Vanemate varajasi maale, A. Altdorferi (vt esimene slaid "Aleksander Suure lahing Issuses" aastal 1529), W. Huberi ja teiste kunstnike teoseid, mida eristavad kunstilise kujutlusvõime vabadus, elav emotsionaalsus, panteistlik taju loodus, metsa- või jõemaastik, huvi krundi vapustava ja legendaarse värvuse vastu; nad paistavad silma ka dünaamilise, hoogsa kirjutamisviisi, joonise terava väljendusrikkuse ja värvilahenduste intensiivsusega. Renessansi kunstisuundumused on Doonau koolis põimunud hilisgooti traditsioonidega. Düreri looming määras Saksa renessansi kunsti juhtsuuna. Tema mõju kaasaegsetele kunstnikele, sealhulgas Doonau kooli koolidele, oli suur; see tungis isegi Itaaliasse, Prantsusmaale. Samaaegselt Düreriga ja pärast teda ilmus suurte kunstnike galaktika. Nende hulgas olid looduse ja inimese harmooniat tundnud Lucas Cranach vanem (1472-1553) ning tohutu kujutlusvõimega varustatud Matthias Gotthardt Neithardt, tuntud kui Matthias Grunewald (umbes 1475-1528), mis on seotud müstiliste rahvaõpetuste ja gooti traditsiooniga. Tema tööd on läbi imbunud mässu vaimust, meeleheitlikust hullusest või juubeldusest, suurest tundetugevusest ja vilkuvast valusast väljendusest, seejärel suremisest, siis kustumisest, seejärel leegitsevast värvist ja valgusest.

Reformatsiooni ajal tõeliselt laialt levinud trükitud puulõike ja metallgraveerimise kunst saab oma lõpliku sisemise väärtuse. Töötavast visandist joonistamine muutub eraldi loovuse tüübiks; insuldi individuaalset stiili, lööki, samuti mittetäielikkuse tekstuuri ja mõju (non-finito) hakatakse hindama iseseisvate kunstiliste efektidena.

Monumentaalmaal on muutumas ka maaliliseks, illusoorseks-kolmemõõtmeliseks, omandades seina massist üha suurema visuaalse sõltumatuse.

Kõik kaunite kunstide tüübid rikuvad nüüd ühel või teisel viisil monoliitset keskaegset sünteesi (kus valitses arhitektuur), saavutades võrdleva iseseisvuse. Moodustuvad absoluutselt ümmarguste kujude tüübid, ratsamonument, portreebüst (mis elustab paljuski iidset traditsiooni) ning moodustub täiesti uut tüüpi pidulik skulptuurne ja arhitektuurne hauakivi.

Iidne tellimissüsteem määrab ette uue arhitektuuri, mille peamised tüübid on proportsioonides harmooniliselt selged ja samal ajal plastiliselt kõnekad palee ja tempel (arhitekte köidab eriti idee kesksest templihoonest). Renessansile omased utoopilised unistused ei leia linnaplaneerimises täiemahulist kehastust, vaid inspireerivad varjatult uusi arhitektuuriansambleid, mille ulatus rõhutab "maiseid", tsentraalselt-perspektiivselt organiseeritud horisontaale, mitte gooti vertikaalset püüdlust ülespoole. Erinevad dekoratiivkunsti tüübid ja ka mood omandavad erilise, omal moel "pildilise" maalilisuse. Ornamentide hulgas on eriti oluline semantiline roll groteskil.

Holland. Žanrimotiivid tungisid järk-järgult Hollandi maali religioossetesse ainetesse, hilisgooti kunsti dekoratiivses ja rafineeritud stiilis kogunenud konkreetsed detailid ja emotsionaalsed aktsendid tugevnesid. Selles protsessis oli juhtiv roll miniatuuril, mis oli 13.-15. Sajandil laialt levinud Prantsuse ja Burgundia aristokraatia õukondades, mis kogunes linna töökodade andekate käsitööliste ümber. Nende hulgas olid hollandlased laialt tuntud (vennad Limburgid, marssal Busico meister). Tundide raamatuid (täpsemalt tundide raamatud on omamoodi palveraamatud, kus kindlale tunnile ajastatud palved on järjestatud kuude kaupa) hakati kaunistama töö- ja meelelahutusstseenidega aastaaegadel ning vastavatel maastikel. Armastava hoolega jäädvustasid meistrid ümbritseva maailma ilu, luues väga kunstilisi teoseid, värvilisi, armu täis (Torino – Milano tunnid 1400–1450 aastat). Ajalookroonikates ilmusid miniatuurid, mis kujutasid ajaloolisi sündmusi ja portreesid. 15. sajandil levib portreemaal. Kogu 16. sajandi paistavad majapidamismaal, maastik, vaikelu, maalid mütoloogilistel ja allegoorilistel teemadel silma iseseisvate žanritena.

Alates 15. sajandi 40. aastatest on Hollandi maalikunstis ühelt poolt tugevnenud narratiivi elemendid, teiselt poolt dramaatiline tegevus ja meeleolu. Keskaegse ühiskonna elu kinnistavate patriarhaalsete sidemete hävimisega kaob maailma ja inimese harmoonia, korrastatuse ja ühtsuse tunne. Inimene mõistab oma iseseisvat elulist tähtsust, ta hakkab uskuma oma mõtetesse ja tahtesse. Tema kuvand kunstis muutub individuaalselt üha kordumatumaks, süvendatud, intiimsed tunded ja mõtted, temas ilmneb nende keerukus. Samal ajal paljastab inimene oma üksinduse, oma elu tragöödia, oma saatuse. Tema välimusest hakkab kumama ärevus ja pessimism.

See uus maailmamõiste ja inimene, kes ei usu maise õnne tugevusse, kajastub traagilises kunstis Rogier van der Weyden (umbes 1400–1464), oma usulistel teemadel koostatud lõuenditel („Ristilt laskumine“, Madrid, Prado) ja imelistes psühholoogilistes portreedes, mille suurim meister ta oli.

15. sajandi esimesel veerandil toimus Lääne-Euroopa maalikunsti arengus radikaalne revolutsioon - ilmus molbert. Ajalooline traditsioon seob selle riigipöörde vendade tegevusega van Eyck - Hollandi maalikooli asutajad, realismi rajajad Hollandis, kes üldistasid oma loomingus hilisgooti skulptuurimeistrite otsinguid ja 14. sajandi lõpu - 15. sajandi alguse miniatuure.

Ghenti altarimaal on suur kahetasandiline mitmeosaline volt - maaliridu ja sadu kujundeid ühendab selles idee ja arhitektuur. Kompositsioonide sisu on võetud Apokalüpsise, Piibli ja Evangeeliumi tekstidest. Kuid keskaegsed süžeed näivad olevat konkreetsetes elupiltides ümber mõeldud ja tõlgendatud. Jumaluse ülistamise teema, tema looming, mõtisklused inimkonna saatuse üle, idee inimkonna ja looduse ühtsusest, valgustatuse tunne, imetlus maailma vormide mitmekesisuse vastu esmakordselt Hollandi kunstis leidis siit täiusliku pildilise väljenduse. Voldiku alumises astmes on "Talle kummardamine". Kompositsioon on kujundatud majesteetliku massistseenina maastikul, mille ruumil on siin kõrgendatud perspektiiv - pilk libiseb maastiku sügavustesse.

Kolde ülemises astmes on taevased sfäärid, kus elavad taevased: keskel, kuldsetel troonidel, kuninglikus tiaaras olev isajumal Maarja ja Ristija Johannes, ületades inimese kõrguse. Külgpaneelides on päikesevalgusest valgustatud laulu- ja muusikaingleid.

Samuti lahendab kunstnik palja inimkeha kujutamise probleemi uuel viisil. Aadama pildil pole jälgi iidsete klassikute mõjust, mille põhjal itaallased maalisid oma proportsioonides ideaalse alasti kuju. Van Eycki inimkuju konstrueerimine vastab ainult sellele konkreetsele individuaalsusele. See uus, otsesem nägemus inimesest on oluline avastus Lääne-Euroopa kunstis.

Küpsuse aastatel loob Jan van Eyck teoseid, milles Genti altarimaalile omane emotsionaalsus, detailne narratiiv asendatakse terviklike monumentaalsete altarikompositsioonide lakoonilisusega. Need koosnevad kahest või kolmest kujundist, mida ümbritseb "mitmekordne" keskkond, kaunid ja kallid esemed, mis alluvad terviku harmooniale. Kangelasi ja nende keskkonda ei ühenda mitte süžeeline tegevus, vaid ühine mõtisklev meeleolu, sisemine keskendumine. "Kantsler Roleni madonna", "Canon van der Palaisi madonna" Van Eyck lükkab tagasi kangelasliku profiilportree tüübi, mis on iseloomulik 14. sajandi lõpu miniatuurlastele ja 15. sajandi Itaalia maalikunstnikele. Itaallaste portreepiltide võõrandumisest ja isoleeritusest ülesaamiseks pöörab Jan van Eyck portree nägu kolmveerandi võrra, rõhutades pildi sügavust, viies selle vaatajale lähemale, tavaliselt asetades käed perspektiivi, elavdades tausta valguse ja varju mänguga. "Kardinal Albergati portree", "Timothy", "Mees punases turbaanis".

Eriline koht mitte ainult Jan van Eycki loomingus, vaid ka kogu Hollandi 15.-16. Sajandi kunstis kuulub "Giovanni Arnolfini ja tema naise portreele". Kunstnik ajab puhtalt portreepildi raamid, muutes selle pulmastseeniks, omamoodi abielutruuduse apoteoosiks, mille sümboliks on paari jalge ees kujutatud koer.

Robert Campin... Flaami meister. 14. sajandi Hollandi miniatuur- ja skulptuuritraditsiooniga seotud Kampen astus kaasmaalaste seas esimesena samme varase renessansi kunstiprintsiipide suunas. Kampeni teosed (triptühhoon "Kuulutamine", "Wehrli altar",) on arhailisemad kui tema kaasaegse Jan van Eycki teosed, kuid paistavad silma piltide demokraatliku lihtsuse, kalduvusega süžeede igapäevasele tõlgendamisele. Tema maalidel olevad pühakute kujutised on tavaliselt paigutatud hubasesse linnainterjööri, kus on sisustatud armastavalt taasesitatud detaile. Kujundite lüürika, elegantsed värvitoonid, mis põhinevad pehmete kohalike toonide kontrastidel, Kampen ühendab end riidest voldikute keeruka mänguga, nagu oleks see puidust nikerdatud. Euroopa maalikunsti üks esimesi portreemaalijaid ("Mehe portree", paaritatud abikaasade portreed).

"Madonna ja laps". teda on kujutatud kodus - tundub, et ta on just beebi toitmiseks raamatu maha pannud. Kõiki üksikasju näidatakse väga üksikasjalikult; aknast läbi vaadatud linnapilt on sama selge ja täpne kui esiplaanil olevad kujundid ning raamatu lehed, kaunistus Madonna kleidi serval ja pilliroo tulekraan on hoolikalt värvitud.

Rogier van der Weyden (umbes 1400–1464). Rõhk näo tunnetele ja emotsioonidele... Rogier van der Weydeni loomingut iseloomustab Jan van Eycki kunstitehnikate omamoodi ümbertöötamine. Oma religioossetes kompositsioonides, mille tegelased asuvad siseruumides vaatega, mis avanevad kaugele kaadrile, või tavapärasel taustal, keskendub Rogier van der Weyden esiplaanil olevatele piltidele, omistamata suurt tähtsust ruumi sügavuse ja olukorra igapäevaste detailide täpsele taasesitamisele. Lükates tagasi Jan van Eycki kunstilise universalismi, keskendub meister oma töödes inimese sisemaailmale, tema tunnetele ja meeleolule. Kunstnik Rogier van der Weydeni maale, mis paljudes aspektides säilitavad endiselt hilisgooti kunsti spiritistliku väljenduse, iseloomustab tasakaalustatud kompositsioon, lineaarsete rütmide pehmus, rafineeritud ja ereda kohaliku värvi emotsionaalne küllastus ("Ristilöömine", "Jõulud", "Bladelini altari" keskosa, "Jumalateenistus" Magi ", Vana Pinakothek," Ristilt laskumine ").

Gooti voog Rogeri loomingus ilmneb eriti selgelt kahes väikeses triptühhos - nn "Maarja altaris" ("Lamentation", vasakul - "Püha perekond", paremal - "Kristuse ilmumine Maarjale") ja hiljem - "Püha Johannese altar" ("Ristimine", vasakul - "Ristija Johannese sünd" paremal - "Ristija Johannese hukkamine", Berliin). Rogeri looming on palju suuremal määral kui Jan van Eycki looming seotud keskaegse kunsti traditsioonidega ja läbi imbunud range kirikuõpetuse vaimust.

Kunstnik Rogier van der Weydeni maal "Ristilt laskumine". Tegelaste lein ja kurb käitumine muudab selle maali üheks põnevamaks kunstiajaloos ja üheks 15. sajandi maali meistriteoseks. Sellised üksikasjad nagu Maarja Magdaleena näost voolavad pisarad ja see, kuidas rüü riie langeb, kui ta käsi leinates viskab, näitavad, et Van der Weyden oli terav eluvaatleja. Sellegipoolest sarnaneb kompositsioon tervikuna, esiplaanil, kaadri lähedal kokku surutud kujunditega, justkui oleksid nad paigutatud madalasse kasti, pigem jõulurongkäigust pärit elavat pilti kui reaalse sündmuse täpset kujutamist. Muutes dramaatilise sündmuse üksikud osalejad mitmesuguste leinatunde kandjateks, hoidub kunstnik piltide individualiseerimisest, samamoodi kui ta keeldub stseeni tegelikust konkreetsest olustikust üle kandmast.

Hugo van der Goes (umbes 1435–1482). Jan van Eycki ja Rogier van der Weydeni traditsioone Hollandi kunstis jätkanud Hussi loomingut iseloomustab kalduvus piltide vaprale tõesusele, intensiivsele tegevusdraamale. Kunstnik Hugo van der Goes tutvustas oma ruumikonstruktsiooni ja kujundite mõõtkavasuhete osas mõnevõrra tingimuslikke, peeneid, armastavalt tõlgendatud detaile (arhitektuuri killud, mustrilised rüüd, vaasid lilledega jne) täis paljusid tegelasi, kes on iseloomult eredalt individuaalsed. ühendab üks kogemus, eelistades sageli ägedaid tavainimesi. Husi altarikujutiste taust on sageli poeetiline maastik, peent värviküllastes astmetes ("Langus"). Gusi maali iseloomustab hoolikas plastiline skulptuur, lineaarsete rütmide paindlikkus, hall-siniste, valgete ja mustade toonide konsonantsidel põhinev külm rafineeritud värvimine (triptühhon "Magide kummardamine" ehk nn Portinari altar, "Magite kummardamine" ja "Karjaste kummardamine", Pildigalerii , Berliin-Dahlem). Hilisgooti maalile iseloomulikud jooned (piltide dramaatiline ekstaatilisus, riidevoltide terav, katkine rütm, kontrastsete, kõlavärviliste värvide pinge) avaldusid filmis "Jumalaema taevaminemine" (munitsipaalkunstigalerii, Brugge).

"Sügis". Pool-sisalik, pool-mees, madu sellel Aadama ja Eeva langemise kujutamisel jälgib murega, kui mõtlikult istutatud iirisega häbelikult varjatud Eve sirutab teise teadmise puu poole õuna, olles maitsnud tüki esimesest. Hämmastav on iga lehe, tera, lokkide joonistamine. (Tähelepanuväärne on ebatavaline palmik madu kuklal).

Memling Hans (umbes 1440–1494). Memlingi teostes, kes ühendas oma töös hilisgooti ja renessansi kunsti jooni, kombineeritakse religioossete subjektide igapäevane, lüüriline tõlgendamine, pehme mõtisklus, kompositsiooni harmooniline kompositsioon sooviga kujutisi idealiseerida, kanoniseerida vana-hollandi maalikunsti tehnikaid (triptühhon "Püha Jumalaema", altar Viimane kohtumõistmine; Aleksandria püha Katariina müstilise kihluse triptühhon). Memlingu teoseid, mille hulgas on Hollandi kunstis haruldane alasti naisekeha kujutis elusuuruses "Bathsheba", ja portreesid (meesportree, Mauritshuis, Haag; Willem Moreli ja Barbara van Vlanderbergi portreed) eristavad piklikud proportsioonid, graatsilised lineaarsed rütmid.

Hans Memlingi maal "Ristilt laskumine", Granada diptühh, vasakpoolne tiib. Kristliku ajaloo põnev hetk taandub valusalt lihtsale kolmele Kristuse ihu toetavale inimesele ja ristil toetuvale redelifragmendile. Kujundid on esiplaanil keerdunud, samal ajal kui kaugel asuv maastik esindab kompositsiooni nähtavat, kuid mitte mahulist osa.

Bosch Hieronymus. Maalimine on meelelahutuslik(umbes 1450 / 60-1516), Hieronymus Bosch ühendas oma mitmefiguurilistes kompositsioonides, rahvapäraste ütluste, vanasõnade ja tähendamissõnade teemadel tehtud maalides ("Püha Antoniuse kiusatus", triptühhod "Rõõmude aed", "Magide kummardamine", "Lollide laev") kombineeritud keeruka keskaegne ilukirjandus, piiritu kujutlusvõime genereeritud grotesksed deemonlikud kujundid koos rahvasatiiriliste ja moraliseerivate kalduvustega, tema ajastu kunstile ebatavaliste realistlike uuendustega. Kunstnik Hieronymus Boschi tabavalt tabatud poeetilised maastiku taustad, julged eluvaatlused, rahvatüübid ja stseenid igapäevaelust sillutasid teed Hollandi žanri ja maastiku kujunemisele; iha iroonia ja allegooria järele, et rahvaelust laia pilti kehastada grotesk-satiirilises vormis, aitas kaasa Pieter Bruegel Vanema ja teiste kunstnike loomemaneeri kujundamisele.

Boschi stiil on ainulaadne ja tal pole Hollandi maalitraditsioonis analoogiaid. Hieronymus Boschi maal pole sugugi sarnane teiste tolle aja kunstnike, näiteks Jan van Eycki või Rogier van der Weydeni loominguga. Enamik Boschi maalide süžeesid on seotud episoodidega Kristuse elust või pühakutest, kes vastanduvad vastupanu või on kogutud allegooriatest ja vanasõnadest inimese ahnuse ja rumaluse kohta.

Boschi teoste elav autentsus, oskus kujutada inimese hingeliigutusi, hämmastav võime joonistada rasvakott ja kerjus, kaupmees ja sandar - see kõik annab talle olulise koha žanrimaali arengus.

Boschi kunst peegeldas Hollandi ühiskonda vallanud kriisimeeleolu keset 15. sajandi lõpu kasvavaid sotsiaalseid konflikte. Sel ajal kaotasid kitsad kohalikud majanduseeskirjadega seotud vanad Hollandi linnad (Brugge, Tent) endise võimu, nende kultuur oli hääbumas. Mõne kunstniku loomingus on märgata kunstilise taseme langust, ilmnesid arhailiseeruvad tendentsid või tendents, mida igapäevased ebaolulised detailid kandsid, mis takistas realismi edasist arengut.

Durer (Durer) Albrecht (1471-1528), saksa maalikunstnik, joonestaja, graafik, kunstiteoreetik. Saksa renessansi kunsti rajaja Dürer õppis oma ungarlasest isalt maalimist - Nürnbergi kunstniku M. Wolgemuti (1486-1489) töökojas, kellelt ta võttis üle Hollandi ja Saksa hilisgooti kunsti põhimõtted, tutvus Itaalia algusaegade meistrite joonistuste ja gravüüridega. Renessanss (sealhulgas A. Mantegna). Nendel aastatel mõjutas Dürerit tugevalt M. Schongauer. Aastatel 1490-1494 tegi Dild gildi õpipoisile kohustuslike rännakute ajal Reinil mitu hilisgooti vaimus molbertgravüüri, S. Brunti jt illustratsioone "Lollide laevale". Humanistlike õpetuste mõju Durerile, mis tugevnes tema esimese reisi tagajärjel Itaalia (1494–1495) avaldus kunstniku soovis omandada teadmised maailmamõistmise meetoditest, looduse põhjalikust uurimisest, kus tema tähelepanu köitsid kõige vähemolulistena nähtustena („Rohu põõsas“, 1503, Albertine'i kogumik, Viin). ning keerulised suhtlemisprobleemid värvi- ja valgusõhkkeskkonnas ("Maja tiigi ääres", akvarell, umbes 1495-1497, Briti muuseum, London). Dürer kinnitas selle perioodi portreedes uut renessansiaegset arusaama isiksusest (autoportree, 1498, Prado).

Reformatsiooni-eelse ajastu, võimsate ühiskondlike ja usuliste lahingute eelõhtute meeleolu väljendas Durer puulõigete seerias "Apokalüpsis" (1498), mille kunstikeeles liideti orgaaniliselt Saksa hilisgooti ja Itaalia renessansi kunsti võtted. Teine Itaalia-reis tugevdas veelgi Düreri püüdlust piltide selguse, kompositsioonikonstruktsioonide korralikkuse poole ("Roosipärja pidu", 1506, alasti inimkeha proportsioonide hoolikas uurimine ("Aadam ja Eeva", 1507, Prado, Madrid). Samal ajal ei kaotanud Durer ( eriti graafikas) vaatluse valvsus, objekti ekspressiivsus, elujõud ja piltide ekspressiivsus, mis on omased hilisgooti kunstile (puulõigete tsüklid "Suur kirg", umbes 1497-1511, "Maarja elu", umbes 1502-1511, "Väike kirg", 1509 Graafilise keele hämmastav täpsus, valgus-õhk-suhete parim areng, joone ja mahu selgus, sisu kõige keerukam filosoofiline alus eristuvad kolmel vaskil oleval "meistrigravüüril": "Ratsanik, surm ja kurat" (1513) - pilt kõigutamatust kohusekuuluvusest, vastupidavusest enne saatuse katsumused; "Melanhoolia" (1514) kui inimese rahutu loova vaimu sisemise konflikti kehastus; "Püha Jerome" (1514) - inimese ülistamine staatiline uudishimulik mõte. Selleks ajaks oli Dürer võitnud auväärse positsiooni kodumaal Nürnbergis, kuulsust kogunud välismaal, eriti Itaalias ja Hollandis (kuhu ta reisis aastatel 1520-1521). Durer oli sõber Euroopa silmapaistvamate humanistidega. Tema klientide seas oli jõukaid linnakodanikke, Saksa vürste ja keiser Maximilian I ise, kellele ta koos teiste suuremate Saksa kunstnikega teostas palveraamatu (1515) pliiatsijooniseid.

1520ndate portreesarjades (J. Muffel, 1526, I. Holzschuer, 1526, - mõlemad pildigaleriis, Berlin-Dahlem jt) lõi Dürer uuesti renessansiajastu inimtüübi, mida hõlmas uhke teadlikkus omaenda isiksuse sisemisest väärtusest, pingestatud vaimne energia ja praktiline pühendumus. Huvitav autoportree Albrecht Durerist 26-aastaselt kinnastega. Modelli pjedestaalil lebavad käed on tuntud tehnika subjekti ja vaataja läheduse illusiooni loomiseks. Dürer võis selle visuaalse triki õppida sellistest töödest nagu näiteks Leonardi Mona Lisa - ta nägi teda Itaalia reisi ajal. Avatud aknast nähtav maastik on põhjapoolsetele kunstnikele nagu Jan Van Eyck ja Robert Campenile omane joon. Dürer tegi Põhja-Euroopa kunstis revolutsiooni, ühendades Hollandi ja Itaalia maalikogemused. Püüdluste mitmekülgsus avaldus ka Dureri teoreetilistes töödes ("Mõõtmise juhend ...", 1525; "Neli raamatut inimeste proportsioonidest", 1528). Düreri kunstilise otsingu viis lõpule maal "Neli apostlit" (1526, Alte Pinakothek, München), mis kehastab inimeste nelja iseloomutemperamenti, mida seob iseseisva mõtlemise, tahtejõu ja visaduse võitlus õigluse ja tõe eest.

"Ärge kunagi usaldage arvutit, mida ei saa aknast välja visata." - Steve Wozniak

Hollandi maalikunstnik, keda tavaliselt identifitseeritakse flaami meistriga - tundmatu kunstnik, kes seisab varajase Hollandi maalikunsti traditsiooni (nn "flaami ürgsed") lähtepunktis. Mentor Rogier van der Weyden ja üks esimesi portreemaalijaid Euroopa maalikunstis.

(Kuldvillakivi ordu liturgilised vestid - Neitsi Maarja köide)

Olles käsikirjade valgustamisega tegelenud miniatuurlaste kaasaegne, suutis Kampen sellegipoolest saavutada sellise realistlikkuse ja vaatluse taseme kui ükski teine \u200b\u200bmaalikunstnik enne teda. Ometi on tema teosed arhailisemad kui nooremate kaasaegsete oma. Demokraatia on märgatav igapäevastes detailides, mõnikord on religioossete ainete leibkondlik tõlgendus, mis on hiljem Hollandi maalikunstile omane.

(Neitsi ja laps siseruumides)

Kunstikriitikud on pikka aega püüdnud leida põhja renessansi päritolu, et teada saada, kes oli esimene meister, kes selle stiili pani. Pikka aega arvati, et esimene gooti traditsioonidest pisut kõrvale kaldunud kunstnik oli Jan van Eyck. Kuid 19. sajandi lõpuks selgus, et van Eycki ette astus veel üks kunstnik, kelle pintsel kuulub kuulutamise triptühhoni juurde, mis varem kuulus krahvinna Merodele (nn. "Triptühhoon Merode"), samuti nn. Flaami altar. Eeldati, et mõlemad need teosed kuuluvad flaami meistri kätte, kelle identiteet polnud sel ajal veel kindlaks tehtud.

(Neitsi pulmad)

(Püha Neitsi au sees)

(Werli altarimaal)

(Purustatud keha kolmainsus)

(Kristuse õnnistamine ja palvetav neitsi)

(Neitsi pulmad - Püha Jaakobus Suur ja Püha Clare)

(Neitsi ja laps)

Gertgenilt Sint Jansi (Leiden 1460-1465 - Haarlem kuni 1495)

See varakult surnud kunstnik, kes töötas Haarlemis, on 15. sajandi lõpu Põhja-Hollandi maalikunsti üks olulisemaid tegelasi. Võimalik, et õppis Haarlemis Albert van Auvateri töökojas. Oli tuttav Genti ja Brugge kunstnike loominguga. Haarlemis elas maalikunstniku õpipoisina Johanniitide käsul - sellest ka hüüdnimi "Püha Johannese [kloostrist]" (tot Sint Jans). Hertgeni maalistiili iseloomustab peen emotsionaalsus religioossete subjektide tõlgendamisel, tähelepanu igapäevaelu nähtustele ja läbimõeldud, poeetiliselt inspireeritud detailide väljatöötamine. Seda kõike arendatakse Hollandi järgnevate sajandite realistlikus maalis.

(Sünd, öösel)

(Neitsi ja laps)

(Jesse puu)

(Gertgen Sint Jans St. Bavonile)

Van Eycki rivaal Hollandi varase maalikunsti mõjukaima meistri tiitlile. Kunstnik nägi loovuse eesmärki indiviidi individuaalsuse mõistmisel, ta oli sügav psühholoog ja suurepärane portreemaalija. Säilitades keskaegse kunsti spiritualismi, täitis ta vanad pildiskeemid renessansiajastu kontseptsiooniga aktiivsest inimiksusest. Elu lõpus TSB väitel "hülgab ta van Eycki kunstilise maailmatunnetuse universalismi ja koondab kogu tähelepanu inimese sisemaailmale".

(Püha Huberti säilmete avastamine)

Sündinud puunikerdaja peres. Kunstniku teosed annavad tunnistust sügavast tutvumisest teoloogiaga ning juba 1426. aastal kutsuti teda “meister Rogeriks”, mis lubab meil oletada, et tal oli ülikooliharidus. Ta hakkas töötama skulptorina, küpses eas (26 aasta pärast) hakkas ta Tournai'is Robert Campeni juures maali õppima. Ta veetis oma töökojas 5 aastat.

(Maarja-Magdaleena lugemine)

Rogieri loomingulise kujunemise periood (kuhu ilmselt kuulub ka Louvre'i kuulutus) on allikate poolt halvasti valgustatud. On hüpotees, et just tema lõi nooruses teoseid, mis omistati nn. Flaami meister (tõenäolisem kandidaat nende autoriks on tema mentor Kampen). Üliõpilane on assimileerinud Kampini soovi piiblistseenid koduse elu hubaste detailidega küllastada, et nende 1430. aastate alguse loomingut on peaaegu võimatu eristada (mõlemad kunstnikud ei kirjutanud oma töödele alla).

(Anton Burgundy portree)

Rogieri iseseisva töö esimesed kolm aastat ei ole kuidagi dokumenteeritud. Võib-olla veetis ta need Brugges koos van Eyckiga (kellega ta enne Tournai'l tõenäoliselt ristis). Igal juhul on tema kuulsat kompositsiooni „Luukas Madagooni maaliv evangelist maalinud“ läbi imbunud van Eycki ilmselge mõju.

(Evangelist Luke, Madonna maalimine)

1435. aastal kolis kunstnik Brüsselisse seoses abieluga selle linna põliselanikuga ja tõlkis oma tegeliku nime Roger de la Pasture prantsuse keelest hollandi keelde. Temast sai maalikunstnike gildi liige, rikastus. Ta töötas linnamaalijana, mille tellis hertsogikohus Philippos Good, kloostrid, aadlikud, Itaalia kaupmehed. Ta maalis linnahalli piltidega mineviku kuulsate inimeste õigusemõistmisest (freskod on kadunud).

(Daami portree)

Brüsseli perioodi alguseks kuulub suurejooneline emotsionaalselt "Ristilt laskumine" (praegu Prados). Selles teoses loobus Rogier radikaalselt pildilisest taustast, suunates vaataja tähelepanu paljude lõuendi kogu ruumi täitvate tegelaste traagilistele kogemustele. Mõned uurijad kalduvad tema töö levikut seletama tema entusiasmiga Thomas Kempise doktriini vastu.

(Ristilt laskumine Arra piiskopi doonori Pierre de Ranchicourtiga)

Rogieri tagasitulek toores Kampini realismist ja Vaneiki protorenessansi keerukusest keskaegsesse traditsiooni ilmneb kõige selgemini viimase kohtuprotsessi polüptühhos. See on kirjutatud aastatel 1443-1454. kantsler Nicolas Roleni käsul viimase poolt Burgundia Beaune linnas asutatud haigla kabeli altari jaoks. Keerulise maastiku taustaga koha võtab siin kuldne sära, mida on proovinud eelkäijate põlvkonnad, mis ei saa vaatajat häirida pühade piltide austamisest.

(Viimase kohtu altar Bonnis, parem välimine tiib: põrgu, vasak välimine tiib: paradiis)

Juubelil 1450 tegi Rogier van der Weyden reisi Itaaliasse ning külastas Rooma, Ferrarat ja Firenzet. Itaalia humanistid tervitasid teda soojalt (tema kohta on kiiduväärt ülevaade Nikolai Cusanskyst), kuid teda ennast huvitasid peamiselt konservatiivsed kunstnikud nagu Fra Angelico ja Gentile da Fabriano.

(Ristija Johannese pea maha võtmine)

Kunstiajaloos on kombeks seostada seda reisi itaallaste esmatutvusega õlimaali tehnikaga, mille Rogier suurepäraselt valdas. Itaalia dünastiate Medici ja d'Este tellimusel valmistas Fleming Uffizi madonna ja kuulsa Francesco d'Este portree. neid Flandriasse naastes.

(Magide kummardamine)

Rogieri portreedel on mõned ühised jooned, mis on suuresti tingitud asjaolust, et peaaegu kõigil neist on kujutatud Burgundia kõrgeima aadli esindajaid, kelle välimus ja hoidmisviis olid jäljendatud üldisest keskkonnast, kasvatusest ja traditsioonidest. Kunstnik joonistab üksikasjalikult modellide (eriti sõrmede) käed, viimistleb ja pikendab nende näojooni.

(Francesco D "Este portree)

Viimastel aastatel töötas Rogier oma Brüsseli töökojas, ümbritsetud arvukate üliõpilastega, kelle seas olid ilmselt sellised järgmise põlvkonna silmapaistvad esindajad nagu Hans Memling. Nad levitasid tema mõju kogu Prantsusmaal, Saksamaal ja Hispaanias. 15. sajandi teisel poolel valitses Põhja-Euroopas Rogieri väljendusrikas viis Kampeni ja van Eycki tehniliselt keerukamate õppetundide ees. Isegi 16. sajandil jäid paljud maalijad tema mõju alla, alates Bernart Orlais'ist kuni Quentin Masseyni. Sajandi lõpuks hakati tema nime unustama ja juba 19. sajandil meenutati kunstnikku ainult Hollandi varase maalikunsti eriuuringutes. Tema loometee taastamise teeb keerukaks asjaolu, et ta ei allkirjastanud ühtegi oma teost, välja arvatud Washingtoni naisportree.

(Kuulutamine Maarjale)

Hugo van der Goes (umbes 1420–25, Gent - 1482, Odergem)

Flaami kunstnik. Albrecht Dürer pidas teda koos Jan van Eycki ja Rogier van der Weydeniga Hollandi varase maalikunsti suurimaks esindajaks.

(Palvemehe portree Ristija Johannesega)

Sündinud Gentis või Ter Gus Zeelandis. Täpne sünniaeg pole teada, kuid leiti 1451. aastast pärit määrus, mis lubas tal pagulusest naasta. Järelikult oli ta selleks ajaks suutnud midagi valesti teha ja olnud mõnda aega eksiilis. Liitus gildiga St. Luke. Aastal 1467 sai temast gildi peremees ja aastatel 1473-1476 oli ta Genti dekaan. Ta töötas Gentis, alates aastast 1475 Brüsseli lähedal Rodendali augustiinlaste kloostris. Samas kohas pühitseti ta 1478. aastal mungaks. Tema viimaseid aastaid vaevasid vaimuhaigused. Kuid ta jätkas tööd, täitis portreede tellimusi. Kloostris külastas teda Püha Rooma impeeriumi tulevane keiser Maximilian Habsburg.

(Ristilöömine)

Ta jätkas 15. sajandi I poole Hollandi maalikunsti kunstitraditsioone. Kunstiline tegevus on mitmekesine. Boutsi mõju on tema varajastes töödes märgatav.

Ta osales dekoraatorina Brugge linna kaunistamisel 1468. aastal toimunud Burgundia hertsogi Charles Boldi ja Yorgi Margareti pulmade puhul, hiljem aga Genti linna pidustuste kaunistamisel Karl Boldi linna ja uue Flandria krahvinna 1472. aastal. Ilmselt oli tema roll neis teostes juhtiv. sest säilinud dokumentide järgi sai ta suuremat palka kui ülejäänud kunstnikud. Kahjuks pole kaunistuse osaks olnud maalid säilinud. Loomebiograafias on palju ebaselgust ja lünki, kuna ükski maalidest pole kunstniku dateeritud ega allkirjastatud.

(Benediktiini munk)

Kuulsaim teos on suur altarimaal "Karjuste kummardamine" ehk "Portinari altar", mis maaliti ca. 1475, mille tellis Tommaso Portinari - Medici panga esindaja Brugges - ja see mõjutas sügavalt Firenze maalijaid: Domenico Ghirlandaio, Leonardo da Vinci jt.

(Portinari altar)

Jan Provost (1465–1529)

Prostost on mainitud 1493. aasta dokumentides, mida hoitakse Antwerpeni raekojas. Ja aastal 1494 kolis meister Brugesesse. Samuti teame, et ta abiellus 1498. aastal prantsuse maalikunstniku ja miniaturisti Simon Marmioni lese.

(Püha Katariina märtrisurm)

Me ei tea, kellega Provost õppis, kuid tema kunst arenes selgelt Hollandi varase renessansi viimaste klassikute Gerard Davidi ja Quentin Massey mõjul. Ja kui Taavet üritas religioosset ideed väljendada olukorra ja inimlike kogemuste draama kaudu, siis Quentin Masseys'est leiame midagi muud - iha ideaalsete ja harmooniliste kujundite järele. Kõigepealt mõjutas siin Leonardo da Vinci mõju, kelle tööga Massys kohtus Itaalia-reisi ajal.

Provosti maalides on G. Davidi ja C. Masseise traditsioonid ühendatud. Riigi Ermitaaži kollektsioonis on üks praosti töö - Maarja hiilguses, mis on õlivärvi tehnikas kirjutatud puitlauale.

(Neitsi Maarja hiilguses)

See tohutu maal kujutab Neitsi Maarjat, kes on ümbritsetud kuldse kuma ja seisab poolkuu peal pilvedes. Tema süles on Kristuse laps. Jumal Isa, St. Vaim tuvi ja nelja ingli kujul. Allpool on põlvitanud kuningas Taavet harf käes ja keiser Augustus krooni ja skeptriga. Lisaks neile on maalil kujutatud sibüülid (antiikmütoloogia tegelased, tuleviku ennustamine ja unenägude tõlgendamine) ja prohvetid. Ühel sibüllil on käes kerimine kirjaga "Neitsi rinnast saab rahvaste pääste".

Pildi sügavuses võib näha oma peenuses ja luules silmatorkavat maastikku koos linnaehitiste ja sadamaga. Kogu see keeruline ja teoloogiliselt keeruline süžee oli Hollandi kunsti jaoks traditsiooniline. Isegi iidsete tegelaste olemasolu tajuti antiikklassikute omamoodi religioosse põhjendusena ja see ei üllatanud kedagi. Seda, mis meile tundub keeruline, tajusid kunstniku kaasaegsed kergusega ja see oli tema maalides omamoodi tähestik.

Kuid praost astub selle religioosse süžee valdamise teel teatud sammu edasi. Ta ühendab kõik oma tegelased ühte ruumi. Ta ühendab ühes stseenis maise (kuningas Taavet, keiser Augustus, sibüllased ja prohvetid) ja taevase (Maarja ja inglid). Traditsiooniliselt kujutab ta seda kõike maastiku taustal, mis veelgi suurendab muljet toimuva tegelikkusest. Provost tõlgib tegevuse usinalt oma kaasaegsesse ellu. Taaveti ja Augustuse kujundites saate hõlpsasti aimata maali kliente, jõukaid hollandlasi. Muistsed sibüllid, kelle nägu on peaaegu portree, sarnanevad eredalt tolle aja rikaste linlastega. Isegi suurepärane maastik kogu oma fantastilisuse poolest on sügavalt realistlik. Ta nagu sünteesib Flandria loodust, idealiseerib seda.

Enamik Provosti maale on religioosset laadi. Kahjuks pole märkimisväärne osa tema töödest säilinud ning tema loomingust tervikpilti on peaaegu võimatu taastada. Kuid kaasaegsete tunnistuste kohaselt teame, et Provost osales kuningas Charlesi piduliku sissepääsu kavandamisel Brugesesse. See räägib meistri kuulsusest ja suurtest teenetest.

(Neitsi ja laps)

Düreri sõnul, kellega Provost mõnda aega Hollandis reisis, oli sissepääs sisustatud suure hiilgusega. Kogu tee linnaväravatest kuni majani, kus kuningas peatus, kaunistasid sambadel arkaadid, kõikjal olid pärjad, kroonid, trofeed, kirjutised, tõrvikud. Samuti oli palju elavaid maale ja allegoorilisi kujutisi "keisri talentidest".
Kujunduses osales suuresti praost. 16. sajandi Hollandi kunst, mille tüüpiline esindaja oli Jan Provost, andis teoseid, mis BR Wipperi sõnade järgi "köidavad mitte niivõrd silmapaistvate meistrite loomingut, kuivõrd tõendeid kõrgest ja mitmekesisest kunstikultuurist".

(Kristlik allegooria)

Jerun Antonison van Acken (Hieronymus Bosch) (umbes 1450–1516)

Hollandi kunstnikku, üht põhjarenessansi suurimat meistrit, peetakse üheks mõistatuslikumaks maalikunstnikuks Lääne kunsti ajaloos. Boschi kodulinnas s-Hertogenboschis on avatud Boschi loomekeskus, kus kuvatakse tema teoste koopiad.

Jan Mandijn (1500/1502, Haarlem - 1559/1560, Antwerpen)

Renessansi ja põhja manerismi Hollandi kunstnik.

Jan Mundane kuulub Antwerpeni kunstnike ja Hieronymus Boschi järgijate rühma (Peter Hayes, Herri meth de Bles, Jan Wellens de Kokk), kes jätkasid fantastiliste piltide traditsiooni ja panid aluse nn põhjamanerismile erinevalt itaalia keelest. Jan Mundane'i teosed koos tema deemonite ja kurjade vaimudega on salapärase pärandile kõige lähemal.

(Püha Christopher. (Riiklik Ermitaaž, Peterburi))

Mandainile omistatud maalide autorlus, välja arvatud "St. Anthony ”, pole kindel olnud. Arvatakse, et Mundane oli kirjaoskamatu ja ei saanud seetõttu oma kiusatustele gooti allkirju jätta. Kunstikriitikud soovitavad tal kopeerida allkirja valmis proovist lihtsalt.

On teada, et umbes 1530. aastal sai Mundane Antwerpenis meistriks, tema õpilasteks olid Gillis Mostert ja Bartholomeus Spranger.

Martin van Heemskerk (tegelik nimi Martin Jacobson van Ven)

Martin van Ven sündis Põhja-Hollandis talupojaperes. Vastu isa tahtmist läks ta Haarlemi maalikunstnik Cornelis Willemsit uurima ja andis 1527. aastal tudengina edasi Jan van Scorellile ning nüüd pole kunstikriitikutel alati võimalik kindlaks teha Scoreli või Hemskerki üksikute maalide täpset kuuluvust. Aastatel 1532–1536 elab ja töötab kunstnik Roomas, kus tema teosed on väga populaarsed. Itaalias loob van Heemskerk oma maalid manerismi kunstilises stiilis.
Pärast Hollandisse naasmist sai ta kirikult arvukalt tellimusi nii altarimaalimise kui ka vitraažide ja seinavaibade loomise kohta. Oli Püha Luuka gildi üks juhtivaid liikmeid. Alates 1550. aastast kuni surmani 1574. aastal oli Martin van Heemskerk kirikujuhina Haarlemi Püha Bavo kirikus. Muude tööde kõrval on van Heemskerk tuntud oma maaliseeriaga "Seitse maailmaime".

(Anna Codde portree 1529)

(Püha Luukas neitsi ja last maalimas 1532)

(Valus inimene 1532)

(Rikaste õnnetu palju 1560)

(Autoportree Roomas Colosseumiga1553)

Joachim Patinir (1475/1480, Dinan Namuri provintsis, Valloonia, Belgia - 5. oktoober 1524, Antwerpen, Belgia)

Flaami maalikunstnik, üks Euroopa maastikumaali rajajaid. Ta töötas Antwerpenis. Ta muutis pildi põhikomponendiks looduse religioossetel teemadel tehtud kompositsioonides, milles lõi vendade Van Eyckide, Gerard Davidi ja Boschi traditsiooni järgi majesteetliku panoraamruumi.

Ta töötas koos Quentin Masseysega. Arvatavasti on paljud praegu Patinirile või Masseisele omistatud teosed tegelikult nende ühistööd.

(Pavia lahing)

(Püha Katariina ime)

(Maastik koos Egiptusesse lendamisega)

Herri meth de Bles (1500/1510, Bouvigne-sur-Meuse - umbes 1555)

Flaami kunstnik on koos Joachim Patiniriga üks Euroopa maastikumaali rajajaid.

Kunstniku elu kohta pole peaaegu midagi kindlat teada. Eelkõige pole tema nimi teada. Hüüdnimega "meth de Bles" - "valge laikuga" - sai ta tõenäoliselt oma juustesse valge luku. Ta kandis ka itaalia hüüdnime "Civetta" (itaalia keeles: Civetta) - "öökull" -, sest tema monogramm, mida ta kasutas oma maalide allkirjaks, oli väike öökulli kuju.

(Maastik koos Egiptusesse lendamise stseeniga)

Herri meth de Bles veetis suurema osa oma karjäärist Antwerpenis. Oletatakse, et ta oli Joachim Patiniri vennapoeg ja kunstniku tegelik nimi oli Herry de Patinir (hollandi keeles Herry de Patinir). Igal juhul liitus 1535. aastal Antwerpeni Saint Luke'i gildiga kindel Gerry de Patinir. Herri meth de Bles kuulub ka Lõuna-Hollandi kunstnike rühma - Hieronymus Boschi järgijad koos Jan Mundane'i, Jan Wellens de Kocki ja Peter Gaysiga. Need meistrid jätkasid Boschi fantastilise maali traditsiooni ja nende loomingut nimetatakse mõnikord "põhja manerismiks" (erinevalt Itaalia manerismist). Mõne allika sõnul suri kunstnik Antwerpenis, teiste järgi - Ferraras, hertsog del Este õukonnas. Ei ole teada ei tema surma-aastat ega fakti ennast, kas ta on kunagi Itaalias käinud.
Herri meth de Bles maalis peamiselt Patiniri eeskujul maastikke, mis kujutasid ka mitmefiguurilisi kompositsioone. Maastikud edastavad atmosfääri hoolikalt. Talle, nagu ka Patinirale, on tüüpiline kivide stiliseeritud pilt.

Lucas van Leiden (Luke Leiden, Lucas Huygens) (Leiden 1494 - Leiden, 1533)

Maali õppis ta Cornelis Engelbrektsi juures. Ta omandas graveerimiskunsti väga varakult ning töötas Leidenis ja Middelburgis. 1522 liitus ta Antwerpeni Püha Luuka gildiga, naasis seejärel Leideni, kus ta suri 1533. aastal.

(Triptühhon koos tantsudega kuldvasika ümber. 1525-1535. Rijksmuseum)

Žanristseenides astus ta julge sammu reaalsuse teravalt realistliku kujutamise suunas.
Oma oskuses ei jää Luke Leiden Durerile alla. Ta oli üks esimesi Hollandi graafikuid, kes näitas valguse ja õhuperspektiivi seaduste mõistmist. Ehkki suuremas osas huvitasid teda kompositsiooni ja tehnika probleemid, mitte aga traditsiooni truudus või religioossete teemadega stseenide emotsionaalne kõla. 1521. aastal kohtus ta Antwerpenis Albrecht Dureriga. Saksa suurmeistri töö mõju avaldus jäigemas modelleerimises ja kujundite ekspressiivsemas tõlgendamises, kuid Luka Leydensky ei kaotanud kunagi ainult tema stiilile omaseid jooni: kõrged, hästi ülesehitatud kujundid mõnevõrra maneeritud poosides ja väsinud nägudes. 1520. aastate lõpus ilmub tema loomingus Itaalia graveerija Marcantonio Raimondi mõju. Peaaegu kõik Luke Leideni trükised on allkirjastatud algustähega L ja umbes pooled tema töödest on dateeritud, sealhulgas kuulus Kristuse passiooni sari (1521). Tema ellu jääb kümmekond puulõiget, enamasti kujutatakse Vana Testamendi stseene. Luke Leideni vähesest säilinud maalidest on üks kuulsamaid viimase kohtu triptühhonit (1526).

(Charles V, kardinal Walsley, Austria Margaret)

Joos van Cleve (sünniaeg pole teada, arvatavasti Wesel - 1540–41, Antwerpen)

Jos van Cleve'i esimene mainimine pärineb aastast 1511, kui ta võeti vastu Antwerpeni Püha Luuka gildi. Enne seda õppis Jos van Cleve koos Jan Just van Kalkari ja Bartholomeus Brain the Elderiga. Teda peetakse oma aja üheks aktiivsemaks kunstnikuks. Prantsusmaal viibimist tõendavad tema maalid ja kunstniku positsioon Francis I õukonnas. On fakte, mis kinnitavad Joosi reisi Itaaliasse.
Jos van Cleve põhiteosteks on kaks Neitsi uinumist kujutavat altarit (praegu Kölnis ja Münchenis), mis varem omistati tundmatule kunstnikule, Maarja elu meistrile.

(Magite kummardamine. 16. sajandi 1. kolmandik. Kunstigalerii. Dresden)

Jos van Cleve klassifitseeritakse romaanikirjanikuks. Köidete pehme modelleerimise tehnikates tunneb ta kaja Leonardo da Vinci sfumato mõjust. Sellegipoolest on ta oma töö paljudes olulistes aspektides tihedalt seotud Hollandi traditsiooniga.

Vanast Pinakothekist pärit "Neitsi uinumine" asus kunagi Kölni Neitsi Maarja kirikus ja selle tellisid mitmed rikkad, seotud Kölni perekonnad. Altarimaalil on kaks külgpaneeli, mis kujutavad klientide kaitsepühakuid. Suurimat huvi pakub keskklapp. Van Mander kirjutas kunstniku kohta: „Ta oli oma aja parim kolorist, ta oskas oma töödele edastada väga ilusat reljeefi ja väga looduslähedane - keha värvi, kasutades ainult ühte kehavärvi. Kunstisõbrad hindasid tema teoseid kõrgelt, mida nad väärisid täielikult. "

Kunstnikuks sai ka Jos van Cleve'i poeg Cornelis.

Põhja-renessansi flaami maalikunstnik. Ta õppis maalimist Bernard van Orly juures, kes algatas visiidi Itaalia poolsaarele. (Coxcie on mõnikord maalinud Coxie, näiteks Mechelenis kunstnikule pühendatud tänaval). Roomas maalis 1532. aastal Anima ja Giorgio Vasari Santa Maria Delle kirikus kardinali Enckenvoirti kabelid, tema töö on tehtud itaalia kombel. soodsad näited nende oskustest.

Tagasi Hollandisse arendas Coxie oma praktikat selles kunstivaldkonnas märkimisväärselt. Coxie naasis Mechelenisse, kus ta kujundas altarimaali Püha Luuka gildi kabelis. Selle altari keskel on esindatud Neitsi kujutavate kunstnike kaitsepühak Evangelist Püha Luukas, külgmistel osadel on Püha Vituse märtrisurma stseen ja Püha Evangelisti Johannese nägemus Patmos. Rooma keiser Charles V patroneeris teda. Tema meistriteosed 1587 - 1588 hoiti Mecheleni katedraalis, Brüsseli katedraalis, Brüsseli ja Antwerpeni muuseumides. Ta oli tuntud kui Flaami Raphael. Ta suri Mechelenis 5. märtsil 1592 pärast kukkumist trepiastmelt.

(Christina Taanist)

(Abeli \u200b\u200btapmine)

Marinus van Reimersvale (umbes 1490, Reimersvale - pärast 1567)

Marinuse isa oli Antwerpeni kunstnike gildi liige. Marinust peetakse Quentin Masseise õpilaseks või vähemalt tema töö mõjutas teda. Van Reimerswale ei tegelenud aga ainult maalimisega. Pärast kodumaalt Reimersvalist lahkumist kolis ta Middelburgi, kus osales kiriku röövimises, teda karistati ja saadeti linnast välja.

Marinus van Reimerswale jäi maaliajalukku tänu oma piltidele St. Jerome ja pankurite, liigkasuvõtjate ja maksukogujate portreed kunstniku hoolikalt maalitud riietatud riietuses. Sellised portreed olid neil päevil väga populaarsed nagu ahnuse kehastus.

Lõuna-Hollandi maalikunstnik ja graafik, kõige kuulsam ja märkimisväärsem seda nime kandnud kunstnikest. Maastiku- ja žanristseenide meister. Kunstnike isa Pieter Bruegel noorem (põrgu) ja Jan Brueghel vanem (paradiis).

Gershenzon-Chegodaeva N. Hollandi portree 15. sajandist. Selle päritolu ja saatus. Sari: Maailmakunsti ajaloost. M. kunst 1972 198 lk haige. Kõvas köites, entsüklopeediline formaat.
Gershenzon-Chegodaeva N. M. Hollandi portree 15. sajandist. Selle päritolu ja saatus.
Hollandi renessanss on vähemalt maalimise osas võib-olla isegi silmatorkavam kui Itaalia renessanss. Van Eyck, Bruegel, Bosch, hiljem - Rembrandt ... Nimed jätsid muidugi sügava jälje nende lõuendeid näinud inimeste südamesse, hoolimata sellest, kas tunnete nende ees imetlust, nagu enne “Jahimehed lumes”, või tagasilükkamist, nagu varem "Maiste naudingute aed". Hollandi meistrite karmid ja tumedad toonid erinevad Giotto, Raphaeli ja Michelangelo heledast ja rõõmsast loomingust. Võib vaid aimata, kuidas kujunes selle kooli eripära, miks just seal, õitsvatest Flandritest ja Brabantist põhja pool, tekkis võimas kultuurikeskus. Selle kohta - jääme vait. Vaatame spetsiifikat, seda, mis meil on. Meie allikaks on põhja renessansi kuulsate loojate lõuendid ja altarid ning see materjal nõuab erilist lähenemist. Põhimõtteliselt tuleks seda teha kultuuriuuringute, kunstiajaloo ja ajaloo ristumiskohas.
Sarnase katse viis läbi meie riigi kuulsaima kirjanduskriitiku tütar Natalia Gershenzon-Chegodaeva (1907-1977). Põhimõtteliselt on ta oma ringkondades üsna tuntud isiksus ennekõike Pieter Bruegeli (1983) suurepärase eluloo järgi ja ülaltoodud teos kuulub talle. Ausalt öeldes on see selge katse ületada klassikalise kunstikriitika piirid - mitte ainult kunstilistest stiilidest ja esteetikast rääkimiseks, vaid nende kaudu püüda jälgida inimese mõtte arengut ...
Millised on inimese varasema pildi tunnused? Ilmalikke kunstnikke oli vähe, mungad polnud joonistamise kunstis alati andekad. Seetõttu on miniatuursed ja maalitud inimeste kujutised sageli väga tavapärased. Tuli maalida pilte ja muid pilte, nagu see peaks olema, kõiges järgides sajandi alguse sümboolika reegleid. Muide, just sellepärast ei kajastanud hauakivid (ka omamoodi portreed) alati inimese tegelikku välimust, pigem näitasid nad teda viisil, mida ta mäletamist vajas.
Hollandi portreekunst murrab läbi selliste kaanonite. Kellest me räägime? Autor uurib selliste meistrite loomingut nagu Robert Compen, Jan Van Eyck, Rogier Van der Weyden, Hugo Van der Goes. Nad olid oma ameti tõelised meistrid, elasid oma ande järgi, tegid tööd tellimuse järgi. Väga sageli oli tellija kirik - elanike kirjaoskamatuse tingimustes peetakse maalimist kõige olulisemaks kunstiks ... maal, linnainimene ja talupoeg, kes ei olnud teoloogilise tarkuse väljaõppinud, pidi selgitama oma sõrmedel kõige lihtsamaid tõdesid ja kunstiline pilt kompenseeris selle rolli. Nii tekkisid sellised meistriteosed nagu Jan Van Eycki Genti altarimaal.
Klientideks olid ka rikkad linlased - kaupmehed, pankurid, gildid, aadlikud. Ilmusid portreed, üksikud ja grupid. Ja siis - selleks ajaks läbimurre - avastati meistrite huvitav joon ja esimesena märkas seda kuulus agnostiline filosoof Nikola Kuzansky. Mitte ainult ei maalinud kunstnikud oma pilte luues inimest mitte tingimuslikult, vaid sellisena, nagu ta on, suutsid nad edastada ka tema sisemist välimust. Pea pööramine, välimus, soeng, riided, suu painutamine, žest - see kõik näitas hämmastavalt ja täpselt inimese iseloomu.
Muidugi oli see uuendus, selles pole kahtlustki. Sellest kirjutas ülalnimetatud Nikola. Autor seob maalikunstnikke filosoofi innovaatiliste ideedega - austusega inimisiku vastu, ümbritseva maailma tunnetatavusega, selle filosoofiliste teadmiste võimalikkusega.
Kuid siin tekib üsna mõistlik küsimus - kas on võimalik kunstnike loomingut võrrelda üksiku filosoofi mõttega? Kõigest hoolimata jäi Nikola Cusanist igal juhul keskaegse filosoofia rüppe, ta tugines igal juhul samade skolastikute leiutistele. Ja kuidas on lood kunstimeistritega? Me ei tea nende intellektuaalsest elust praktiliselt mitte midagi, kas neil olid omavahel ja kirikujuhtidega nii arenenud sidemed? See on küsimus. Kahtlemata olid nad üksteise järel, kuid selle oskuse päritolu jääb saladuseks. Autor ei tegele filosoofiaga spetsiaalselt, vaid räägib fragmentaarselt Hollandi maali traditsioonide ja skolastika seosest. Kui Hollandi kunst on eristusvõimeline ja sellel puudub seos Itaalia humanitaarteadustega, siis kust tulid kunstitraditsioonid ja nende eripära? Ebamäärane viide "rahvuslikele traditsioonidele"? Milline? See on küsimus ...
Üldiselt räägib autor suurepäraselt, nagu kunstikriitikule kohane, iga kunstniku töö eripäradest ja tõlgendab üsna veenvalt inimese esteetilist taju. Aga mis puudutab filosoofilist päritolu, siis maalikoht keskaja mõtetes on väga kontuurne, autor pole leidnud vastust küsimusele, mis puudutab päritolu.
Alumine rida: raamatus on väga hea valik Hollandi varase renessansi portreesid ja muid teoseid. Päris huvitav on lugeda, kuidas kunstikriitikud töötavad nii habras ja mitmetähendusliku materjaliga nagu maalimine, kuidas nad märgivad stiili kõige väiksemaid jooni ja eripära, kuidas seovad maali esteetikat ajaga ... Ajastu kontekst on aga nii-öelda nähtav väga-väga pikas perspektiivis ...
Mind isiklikult huvitas rohkem selle konkreetse ideoloogilise ja kunstilise suuna päritolu küsimus. Siin ei suutnud autor esitatud küsimusele veenvalt vastata. Kunstikriitik alistas ajaloolase, enne meid on ennekõike kunstiajalooteos, see on pigem suurte maalihuviliste jaoks.

Viieteistkümnes sajand oli Põhja-Euroopa kultuuri arengus vesikond. Selle sotsiaalne struktuur muutus, uute progressiivsete jõudude mõjul hakkas keskaegne maailm varisema. See varem Itaalias alanud protsess haaras 15. ja 16. sajandil Alpidest põhja pool asuvad riigid - Hollandi, Saksamaa, Prantsusmaa. Sellest sündis Põhja-renessansi transalpiinsete riikide kultuuri nimi.

Renessansiajastu kultuuri kujunemine Saksamaal ning Saksamaa keisri Austria ja Šveitsi alamad kujunesid keeruliste poliitiliste, sotsiaalsete ja vaimsete vastuolude tingimustes. 15. sajandil oli Saksamaa eraldi territoriaalsete üksuste, vürstiriikide, piiskopkondade, "keiserlike" ja "vabade" linnade konglomeraat. Nende geograafiline asukoht Kesk-Euroopas tugevdas Saksa maade majanduslikke ja kultuurilisi sidemeid naaberriikidega. Trükipressi leiutamine John Gutenbergi poolt umbes 1445. aastal aitas kaasa hariduse arengule, teaduslike ja tehniliste teadmiste levitamisele. 15. sajandi keskpaigaks pälvis Saksamaal ülikooliringkondades tunnustuse Itaaliast alguse saanud humanism. Kuid maal oli endiselt üsna tugev keskaegne eluviis. Saksamaal jäi oma ametis olev kunstnik pikka aega käsitööliseks, töökoja seadused ja kunstniku tööd rangelt reguleerinud, otsinguvabaduse piiranud klientide tahe valitsesid tema üle täielikult.

Katoliku kirikul oli killustatud riigis tohutu võim. Tema rikkus, poliitika, vaimulike käitumine kutsus esile protesti, mis väljendus religioossete liikumiste levikus, kutsudes tagasi pöörduma "algkristlaste siiras usku". Saksamaal levinud humanism suunas oma peamised jõupingutused kiriku kõikvõimsuse vastu. Riigis kogunesid jõud, mis viisid 16. sajandi alguses reformatsioonini (1517-1555).

Alates XIV sajandist hakkasid Lääne-Euroopas levima nikerdatud skulptuuri ja molbertimaali uued vormid, nn altarid. Need kujutasid monumentaalseid voldikuid, mis asetati trooni taha kiriku apsiidi. Nikerdatud või maalitud kokkupandaval altaril olevad kujutised olid seotud liturgiaga ja võimaldasid jumalateenistust ning palverändureid pühade piltide kummardamiseks otsesemalt illustreerida.

Altarid olid kolmeosalised (triptühhod) ja mitmeosalised (polüptühhod). Voldiku keskosasse pandi peamine pilt - Kristuse või Jumalaema pilt, liikuvatele külgpaneelidele - evangeeliumi stseenid või pühakute kujutised. Tööpäevadel oli selline altar suletud, nii et pildid pandi uste välisküljele. Saksamaal, kus oli palju metsi, olid altarid algselt enamasti nikerdatud, kujundid olid erksavärvilised. Hiljem ilmusid maalilised voldid.

Järgmistel sajanditel müüdi ususõdade tagajärjel kirikuvaldade ilmalikustamine pärast kloostrite sulgemist altareid, mis olid sageli laiali. Mõned neist sattusid erinevatesse kogudesse, muuseumisse ja eraisikutesse. Just need hajutatud altariosad on peamiselt esindatud muuseumi 15. sajandi kunstikogu, mis moodustati Saksa keisrite valduses.

Enamik meile jõudnud 15. sajandi töödest on anonüümsed. Temaga sõlmitud lepingus ilmus värvimistöökoja omaniku nimi. Kunstnik ise erinevatel põhjustel, sealhulgas ka vagadel, oma allkirja ei pannud. Suur altar loodi kogu töökoja jõupingutustega, samal ajal kui igal maalijal oli oma tööpiirkond: peameister lõi kompositsiooni, maalis sageli peategelaste näod. Kujutise üksikutes osades oli spetsialiste, kes kujutasid meisterlikult kostüüme, esemeid ja kaunistusi ning maastiku detaile. Samal ajal eristati iga töötoa stiili selle ühtsuse ja originaalsuse poolest. See võimaldab teadlastel stiilianalüüsi ja muude uurimistehnikate põhjal ühendada sealt avaldatud teoseid. Selliste tööde ring on ühendatud tavapärase nimetuse all: vastavalt antud meistri jaoks kõige olulisema teose nimele või säilitamiskohale või konkreetse maalimistehnika järgi.

15. sajandil alanud Hollandi kunstielu tõus oli oma tagajärgedega pikem, võimsam ja märkimisväärsem. Selle mõju ei tundnud mitte ainult saksa ja prantsuse kaasaegsed, selle hingeõhk oli tunda renessansi tsitadellis - Itaalias. "Madalad alad" (riigi nime tõlgendatult) olid Põhjamere rannikul Scheldti, Meuse, Reini alamjooksul (kaasaegse Belgia, Hollandi, Luksemburgi ja osaliselt Kirde-Prantsusmaa territoorium) Euroopa piirkond, kus linnad intensiivselt kasvasid, käsitöö ja kaubandus arenesid. sündis töötlev tootmine. Suurimaid edusamme saavutas riik 16. sajandi alguses, kui kaubateed liikusid pärast Ameerika avastamist Euroopa põhjaossa.

Kuid Hollandi poliitiline elu oli sel perioodil ebatavaliselt pingeline. Aastal 1516 sai riik Hispaania trooni valitsenud Habsburgi impeeriumi osaks. Progressiivsed muutused, inimese isiksuse eneseteadvuse kasv, humanismi levik sattusid konflikti võõrvõimu, katoliikluse domineerimisega, milles hispaanlased nägid oma võimu tuge. Võõras rõhumine viis masside jaoks katastroofini. Hollandis alanud feodaalivastane võitlus omandas protestantlike liikumiste iseloomu ja kasvas 16. sajandi 60ndatel avatud relvastatud võitluseks. See muutis 16. sajandi kunstiprotsessi Hollandis keerukaks ja mitmekesiseks ning üldised Euroopa suundumused omandasid siin väljendunud rahvusliku maitse.

Hollandi kunsti esindavad muuseumis peamiselt 16. sajandi teosed.

Alates 15. sajandist on maal olnud Hollandi kunsti juhtiv tüüp. Selle sajandi suurmeistrite traditsioonid olid järgmise sajandi alguses veel üsna tugevad. Truudust nende ettekirjutustele viljelesid maalijad, kes koondusid ümber patriarhaalse linna Brugge. Suure kaubandus- ja käsitöökeskuse Antwerpeni kunstielu oli mitmekesisem, kuhu kogunesid eri rahvustest ja kunstimaitsega inimesed, kus levitati humanismi ideid ja arenes raamatute trükkimine. Siin olid otsingud intensiivsemad, mandunud traditsiooni inerts oli tunda teravamalt. Kolmas kunstikeskus oli Brüssel - kuberneri asukoht.

Lisaks religioossetele kompositsioonidele 16. sajandil kuulus portree juurde märkimisväärne koht Hollandi kunstis, arenenud maastiku taust areneb iseseisvaks maaližanriks - maastik.

XVI sajandi Hollandi kunstis paistab silma kaks suunda. Üks peab kinni rahvuslikest traditsioonidest, teine \u200b\u200bkeskendub suuresti Itaalia kaasaegsele kunstile. See sai romantismi nime (ladina romadest - Rooma).

16. sajandi teisel poolel, kui Hollandist said Hispaania rõhumise vastase vabadussõjaga seotud turbulentsed sündmused, taandus Itaalianizing suund. Rahvusliku teema ja rahva kuvandi poole pöördunud kunst muutus elulisemaks. Sel ajal langeb uute maaližanride - maastiku, vaikelu, žanrižanri - kujunemine.

Holland on ajalooline piirkond, mis hõivab osa Põhja-Euroopa ranniku ulatuslikust madalikust alates Soome lahest kuni La Manche’i väinani. Praegu asuvad sellel territooriumil Hollandi (Holland), Belgia ja Luksemburgi osariigid.
Pärast Rooma impeeriumi kokkuvarisemist muutus Holland suurte ja väikeste pool-iseseisvate riikide kirevaks klastriks. Kõige märkimisväärsemad neist olid Brabandi hertsogiriik, Flandria ja Hollandi maakonnad, Utrechti piiskopkond. Riigi põhjas oli elanikke peamiselt sakslased - friisid ja hollandlased, lõunas olid ülekaalus gallide ja roomlaste järeltulijad - flaamid ja valloonid.
Hollandlased nägid ennastsalgavalt vaeva oma erilise andega „teha igavamaid asju ilma tüdimuseta”, nagu sõnas Prantsuse ajaloolane Hippolyte Teng nende inimeste kohta, kes on täielikult pühendunud igapäevaelule. Nad ei tundnud ülevat luulet, kuid seda aukartlikumalt austasid nad lihtsamaid asju: puhast, mugavat kodu, sooja koldet, tagasihoidlikku, kuid maitsvat toitu. Hollandlane on harjunud nägema maailma tohutu majana, milles teda kutsutakse üles hoidma korda ja mugavust.

Hollandi renessansikunsti põhijooned

Itaalias ja Kesk-Euroopa riikides on renessansi kunstile ühine soov inimese ja teda ümbritseva maailma realistlikuks kujutamiseks. Kuid need ülesanded lahendati kultuuride olemuse erinevuse tõttu erinevalt.
Itaalia renessansiaja kunstnike jaoks oli oluline üldistada ja luua ideaal, humanismi seisukohalt, inimesepilt. Teadusel oli nende jaoks oluline roll - kunstnikud töötasid välja perspektiiviteooriad ja proportsioonide õpetuse.
Hollandi meistreid köitis inimeste individuaalse välimuse mitmekesisus ja looduse rikkus. Nad ei püüa luua üldistatud pilti, vaid annavad edasi iseloomulikku ja erilist. Kunstnikud ei kasuta perspektiivi ja teiste teooriaid, vaid annavad ettevaatlikkuse abil edasi mulje sügavusest ja ruumist, optilistest efektidest ja katkestatud suhte keerukusest.
Neid iseloomustab armastus oma maa vastu ja hämmastav tähelepanu kõigile väikestele asjadele: oma põlisele põhjapoolsele loodusele, elu eripäradele, interjööri detailidele, kostüümidele, materjalide ja tekstuuride erinevusele ...
Hollandi kunstnikud on äärmiselt ettevaatlikud väikseimate detailide reprodutseerimisel ja sädeleva värvirikkuse loomisel. Neid uusi pildiülesandeid sai lahendada ainult õlimaali uue tehnika abil.
Õlimaali avastamine on omistatud Jan van Eyckile. Alates 15. sajandi keskpaigast asendab see uus "flaami mood" vana temperatehnikat ka Itaalias. Pole juhus, et Hollandi altaritel, mis on kogu Universumi peegeldus, näete kõike, millest see koosneb - iga maastikul asetsevat rohu- ja puulaba, katedraalide ja linnamajade arhitektuurilisi detaile, pühakute tikitud kaunistuste õmblusi, aga ka paljusid teisi, kõige väiksemaid, üksikasjad.

15. sajandi kunst - Hollandi maalikunsti kuldajastu.
Selle säravaim esindaja Jan Van Eyck. OKEI. 1400-1441.
Euroopa maalikunsti suurim meister:
ta avas oma teosega Hollandi kunsti varase renessansi uue ajastu.
Ta oli Burgundia hertsogi Philip Hea õukonnamaalija.
Ta oli üks esimesi, kes õppis õlimaali plastilisi ja väljendusrikkaid võimalusi, kasutades õhukesi läbipaistvaid värvikihte, mis asetati üksteise peale (nn flaami moodi mitmekihiline läbipaistev kirjutamine).

Van Eycki suurim teos oli Ghenti altarimaal, mille ta esitas koos oma vennaga.
Ghenti altarimaal on suurejooneline mitmetasandiline polüptühhon. Selle kõrgus keskosas on 3,5 m, laius lahtivõtmisel 5 m.
Altari välisküljel (kui see on suletud) on kujutatud igapäevane tsükkel:
- alumises reas on kujutatud annetajaid - linnaelanik Yodok Veidt koos oma naisega, palvetades kiriku ja kabeli patroonide pühakute Ristija Johannese ja Usuteadlase Johannese kujude ees.
- üleval on kuulutamise stseen ning Jumalaema ja peaingel Gabrieli kuju eraldab akna kujutis, milles paistab linnamaastik.

Pidulik tsükkel on kujutatud altari siseküljel.
Kui altariuksed avanevad, toimub vaataja ees tõeliselt vapustav teisenemine:
- polüptühhoni suurus on kahekordistunud,
- pilt igapäevaelust asendub koheselt maise paradiisi vaatemänguga.
- kitsad ja sünged kapid kaovad ja maailm näib avanevat: avar maastik süttib kõigi paleti värvidega, helge ja värske.
Piduliku tsükli maal on pühendatud ümberkujundatud maailma võidukäigu teemale, mida kristlikus kunstis on harva ja mis peaks tulema pärast viimast kohtumõistmist, kui kurjus lõplikult lüüa saab ning maa peal tõde ja harmoonia kehtestatakse.

Ülemine rida:
- altari keskosas on Isa Isa kujutatud troonil istumas,
- troonist vasakul ja paremal on Jumalaema ja Ristija Johannes,
- mõlemal pool on veel inglid, kes laulavad ja musitseerivad,
- Aadama ja Eeva alastkujud sulgevad rea.
Alumises pildireas on kujutatud jumaliku talle kummardamise stseeni.
- heinamaa keskel tõuseb altar, sellel seisab valge Tall, tema augustatud rinnast voolab kaussi verd.
- vaatajale lähemal on kaev, kust elav vesi välja valgub.

Hieronymus Bosch (1450–1516)
Tema kunsti seos rahvatraditsioonide, folklooriga.
Oma töödes ühendas ta fantaasiarikkalt keskaegse fantaasia, rahvaluule, filosoofiliste tähendamissõnade ja satiiri jooni.
Ta lõi mitmetahulisi religioosseid ja allegoorilisi kompositsioone, maale rahva vanasõnade, ütluste ja tähendamissõnade teemadel.
Boschi teosed on täis arvukalt stseene ja episoode, eluohtlikke ja veidraid pilte ja detaile, täis irooniat ja allegooriat.

Boschi tööd mõjutasid tohutult 16. sajandi Hollandi maalikunsti realistlike suundumuste arengut.
Kompositsioon "Kiusatus St. Anthony ”on kunstniku üks kuulsamaid ja salapärasemaid teoseid. Meistri meistriteoseks oli triptühhon "Rõõmude aed" - keeruline allegooria, mis on saanud palju erinevaid tõlgendusi. Samal perioodil ilmusid triptühhod "Viimne kohtumõistmine", "Magide kummardamine", kompositsioonid "St. Johannes Patmossel ”,“ Ristija Johannes kõrbes ”.
Triptühhon "Taevas ja põrgu", kompositsioonid "Tramp", "Risti kandmine" kuuluvad Boschi loomingu hilisesse perioodi.

Enamik Boschi küpsest ja hilisemast ajast pärit maale on veidrad groteskid, mis sisaldavad sügavaid filosoofilisi varjundeid.

Kunstniku loomingu küpsesse perioodi kuulub suur triptühhon "Heina vedu", mida hindas kõrgelt hispaanlane Philip II. Altarikompositsioon põhineb tõenäoliselt vanal hollandi vanasõnal: "Maailm on heinakuhi ja kõik üritavad sellest haarata nii palju kui võimalik."

Kiusatus St. Anthony. Triptühhon. Keskosa Õli puidul. 131,5 x 119 cm (keskel), 131,5 x 53 cm (paneel) Riiklik iidse kunsti muuseum, Lissabon
Lõbuaed. Triptühhon. Umbes 1485. Keskosa
Õli puidul. 220 x 195 cm (keskel), 220 x 97 cm (vöö) Prado muuseum, Madrid

Hollandi kunst 16. sajandist mida iseloomustas huvi ilmnemine antiikaja vastu ja Itaalia renessansi meistrite tegevus. Sajandi alguses moodustati Itaalia mudelite jäljendamisel põhinev liikumine, mida nimetati "romanismiks" (romadest - Rooma ladinakeelne nimi).
Hollandi maalikunsti tipp sajandi teisel poolel oli loovus Peter Bruegel vanem. 1525 / 30-1569. Hüüdnimega Muzhitsky.
Ta lõi sügavalt rahvusliku kunsti, mis põhines Hollandi traditsioonidel ja kohalikul folklooril.
Tal oli talupojažanri ja rahvusmaastiku kujunemisel tohutu roll, Bruegeli teosed on keerukalt põimunud ebaviisakas rahvahuumoris, lüürikas ja traagikas, realistlikes detailides ja fantastilises groteskis, huvis detailse narratiivi vastu ja soovis üldistada üldistusi.

Bruegeli teostes - lähedus keskaegse rahvateatri moraliseerivate etendustega.
Maslenitsa ja paastu vaheline naljaduell on talvise hüvastijätmise päevil Hollandis peetud laadaplatsilavastuste levinud stseen.
Elu on kõikjal täies hoos: käib ringtants, siin pestakse aknaid, ühed mängivad täringuid, teised kauplevad, keegi küsib almust, keegi viiakse matma ...

Õpetussõnad. 1559. Maal on omamoodi Hollandi folkloori entsüklopeedia.
Bruegeli tegelased juhivad üksteist ninapidi, istuvad kahe tooli vahel, paugutavad pead vastu seina, ripuvad taeva ja maa vahel ... Hollandi vanasõna "Ja katusel on pragusid" on venekeelse "Ja seintel on kõrvad. Hollandi “viska raha vette” tähendab sama, mida venelane “raiska raha”, “raiska raha”. Kogu pilt on pühendatud raha, energia ja kogu elu raiskamisele - siin katavad nad katuse pannkookidega, lasevad nooled tühjusesse, pügavad sigu, soojendavad end põleva maja leegiga ja tunnistavad kuradile.

Kogu maailmas oli üks keel ja üks murre. Idast liikudes leidsid nad Shinari maalt tasandiku ja asusid sinna elama. Ja nad ütlesid üksteisele: "Paneme tellised selga ja põletame tulega." Neil olid kivide asemel tellised ja lubja asemel savi. Ja nad ütlesid: "Ehitagem endale linn ja torn, mis on sama kõrge kui taevas, ja teeme endale nime, enne kui meid laiali on hajutatud. Ja Issand tuli alla vaatama linna ja torni, mida inimlapsed ehitasid. Ja Issand ütles: „Siin on üks rahvas ja neil kõigil on üks keel, ja seda nad hakkasid tegema ja nad ei jäta maha seda, mida nad kavatsesid teha. Lähme alla ja ajame seal nende keele segi, nii et üks ei saaks teise kõnest aru. " Ja Issand hajutas nad sealt üle kogu maa; ja nad lõpetasid linna ja torni ehitamise. Seepärast pandi talle nimi: Babüloonia, sest seal ajas Issand segadusse kogu maa keele ja sealt puistas Issand nad üle kogu maa (1. Moosese ptk 11). Erinevalt Bruegeli varajaste teoste kirevast saginast hämmastab see pilt vaatajat oma rahulikkusega. Maalil kujutatud torn sarnaneb Rooma amfiteatriga Colosseum, mida kunstnik nägi Itaalias, ja samal ajal - sipelgapesa. Hiiglasliku ehitise kõigil korrustel käib väsimatu töö täies hoos: klotsid pöörlevad, redelid visatakse, töötajate kujukesed sebivad ringi. On märgata, et ehitajate omavaheline ühendus on juba kadunud, tõenäoliselt "keelte segiajamise" alguse tõttu: kusagil käib ehitus täies hoos ja kusagil on torn juba varemeteks muutunud.

Pärast seda, kui Jeesus oli reedetud ristilöömise eest, tõstsid sõdurid tema peale raske risti ja viisid ta hukkamiskohta nimega Golgota. Teel tabasid nad põllult koju naasva Siimonest Cyrene'ist ja sundisid teda Jeesuse eest risti kandma. Jeesuse järel käisid paljud inimesed, nende seas oli ka naisi, kes nutsid ja nutsid Teda. Risti kandmine on religioosne, kristlik maal, kuid see pole enam kirikumaal. Bruegel korreleeris Pühakirja tõdesid isikliku kogemusega, mõtiskles piiblitekstide üle, andis neile oma tõlgenduse, s.t. rikkus avalikult tol ajal kehtinud 1550. aasta keisririigi määrust, mis surmavalu tõttu keelas Piibli iseseisva uurimise.