18. sajandi teisel poolel saavutas Vene tarbekunst märkimisväärse tõusu. Sellele aitas kaasa majanduse, kaubanduse, teaduse ja tehnoloogia areng ning suures osas tihedad sidemed arhitektuuri ja kujutava kunstiga. Kasvas nii suurte kui ka väikeste tehaste, tehaste, riide, klaasi, portselani ja mööblit tootvate töökodade arv. Oma mõisate mõisnikud korraldasid pärisorja töö põhjal erinevaid töötubasid.
Humanistlikud valgustusideed kajastusid omapäraselt 18. sajandi lõpu tarbekunstis. Selle aja käsitöölisi eristas tähelepanu isiklikele maitsetele ja vajadustele, mugavuse otsimine keskkonnast.
Uus stiil - vene klassitsism - kehtestati 1770. – 1780. Aastate vahetusel kõikides tarbekunstiliikides. Arhitektid M.F.Kazakov, I.E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A.N. sisekujundus.
Samadel põhimõtetel kasutati palee ruumide mööbli, küünalde ja lühtrite kujundamisel. Selges rütmis ehitatud mööbli, roogade, kangaste ornamentikas ilmusid antiiksed motiivid - akandid, looklemised, ioonikud, elavalt tõlgendatud lilled, gurlendid, kujutiste kujutised, sfinksid. Kullamine ja värvid muutusid pehmemaks ja vaoshoitumaks kui 18. sajandi keskel.
18. sajandi lõpus sundis antiikaja entusiasm loobuma isegi keerukast ja uhkest kostüümist. Moodsaks on saanud kerged lahtised voolavate voltidega kleidid, antiikses võtmes kõrge vööga (VL Borovikovsky. "MI Lopuhhina portree". 1797).
Vene klassitsismi kunstide süntees põhineb kõigi kunstiliikide harmoonilise kombinatsiooni põhimõttel.
Mööbel. Klassitsismi perioodil on selle vormid lihtsad, tasakaalustatud, selgelt üles ehitatud, rütmid on rahulikud. Piirjooned säilitasid endiselt mõnevõrra pehmust, ümarust, kuid vertikaalsed ja horisontaalsed jooned olid juba silmatorkavad. Kaunistused (madalad nikerdused, maalid, pronksist ja messingist pealiskihid) rõhutasid kujunduse väljendusrikkust. Muret oli rohkem mugavuse pärast. Eriotstarbeliste tseremooniaruumide jaoks kujundati komplektid-peakomplektid: elutuba, kontor, eesmine magamistuba, esik. Tekkisid uued mööblivormid: kaardimängude lauad, käsitöö, kerged kaasaskantavad bobi lauad (bobikujulise kaanega) ja erinevat tüüpi kummutid. Diivanid on laialt levinud ja kontorimööblis on sekretärid, silindrikujulise kaanega bürood.
Nagu varasematel perioodidel, on vene mööbel võrreldes lääne mööbliga massiivsem, üldisem, detailides lihtsam. Materjaliks oli selle jaoks kohalikud puiduliigid - pärn, kask (kullatud ja heledates toonides maalitud), pähkel, tamm, pappel, saar, pirn, rabatamm. 18. sajandi lõpus hakati kasutama karjala kaske ja imporditud värvilist mahagonist, amarantist, roosipuust ja muudest liikidest puitu. Käsitöölised oskasid oma ilu, struktuuri, värvi, sära näidata, lihvimisega oskuslikult rõhutada.
Vene meistrid on saavutanud suuri saavutusi kompleksi (intarsia) tehnikas. Selle olemus seisneb puidust esemete pinnal olevate värviliste puidust kaunistuste tükkide ja tervete maalide (tavaliselt graveeringutest) koosseisus. Sedalaadi tööd ei tunne mitte ainult pealinna õuemööblitootjad, vaid ka endised pärisorjad, kes töötasid Moskvas ja Moskva oblastis: Nikifor Vasiliev (joon. 78), Matvey Veretennikov ning anonüümsed käsitöölised Tverist ja Arhangelskist, kes viisid komplekti morsakondi. Ostankino palee mööbli nikerdamise kõrge kunsti näidised kuuluvad pärisorjadele Ivan Mochalinile, Gavrila Nemkovile ja teistele. Peterburis olid kuulsad okhta meistrite mööbel ja nikerdused, kes Peeter I käe all pealinnast erinevatesse paikadesse üle viidi. Mööbli kunstilise väljanägemise viisid lõpule mustriga siidist, sametist, trükitud tintidest, linasest riidest polsterdused, kooskõlas seinte kaunistustega.
Kangad. Kõigist 18. sajandi teise poole tööstusharudest arenes kõige edukamalt tekstiilitööstus (Moskva, Ivanovo, Jaroslavl, Vladimiri provints). Selle tõusu ei määranud mitte ainult suured manufaktuurid, vaid ka väikesed talupojaettevõtted. Meistrid on saavutanud erilise täiuslikkuse uutes mustrilistes keerukate kudumistega linastes kangastes, mängides looduslikke hõbevalgeid linatooni. Siin talupoegade kudumise traditsioonid, mõjutatud materjali sügav mõistmine. Toodeti ka massiivset odavat kirevat ja värvaineid. Värvilise riide ja villaste kangaste dekoratiivsed omadused on oluliselt paranenud.
Siidkangaste tootmine kleitide ja dekoratiivkangaste, sallide ja lintide jaoks arenes kiiresti (joonis 80). 18. sajandi lõpuks ei jäänud nad kvaliteedilt alla prantsuse omadele - parimad Euroopas. Vene kudujad on õppinud kasutama mitmesuguseid niite, kõige keerukamaid kudumispunutisi, mis meenutavad tikandeid. Kompositsioonitehnikad, dekoratiivkangaste paleti rikkus saavutasid ruumi ülekande, toonide üleminekute peenuse, lillede, lindude, maastike joonistamise täpsuse. Selliseid kangaid kasutati paleede kaunistamiseks, saadeti kingituseks välismaale.
Kleitide kangastes, eriti sarafanikangastes, kasutati kuni 1780. – 1790. Aastani keerukate laineliste lillepärgade mustreid, paelu, helmeid. Kuid järk-järgult asendati gurlendid triipudega, mustrid muutusid lihtsamaks, nende rütmid olid sujuvamad, värvid olid heledamad ja pehmemad.
1750. – 1760. Aastatel Peterburis ja hiljem Moskvas, külas. Ivanovos (praegune Ivanovo linn) arenes välja chintzi tootmine (puuvillane riie prinditud mustriga kreemiga, pleekimata värvid ja sellele järgnev poleerimine). Chintzi mustrites töötlesid meistrid, eriti Ivanovost pärit, omapärasel viisil siidkangaste motiive. Rahvakontsade põhjal ühendasid nad imal pildipunkti ja graafilise lõike (joonistasid piirjooni, võreid, taustapunkte). Alguses olid kalikad väga kallid. 18. sajandi lõpuks hakati tootma nende odavaid sorte.
Portselan. 18. sajandi lõpuks sai vene portselan Euroopa parimate hulka. Riiklik portselanivabrik töötas edukalt Peterburis. Tema tooteid eristas pisut sooja tonaalsuse valgus, läikiv glasuur ja kõrge tehniline kvaliteet. Nõude, vaaside, nende maalimise kuju ei jäänud alla lääne omadele.
Lõi teenustest kõige olulisema - kohtumiste vastuvõtuks mõeldud arabeski (1784, ill. 77). Selle üheksast allegoorilisest skulptuurist koosneva komplekti lauakaunistus ülistab Gruusia ja Krimmi annekteerimist, Katariina II (voorus J. D. Rachet) "voorusi". Selles domineerivad 18. sajandi lõpu klassitsismile iseloomulikud rahulikud asendid, kerge kuldamine ja antiiksetel kaunistustel põhinevate arabeskide kujuliste maalidega lauanõude ranged proportsioonid.
1780. aastatel loodi skulptuuride sari "Venemaa rahvad" (gravüüride loominguline töötlemine) - erksalt dekoratiivsed, iseloomulike kujutistega - teatud rahvusrühmade (jakuut, samojeedi, tatari) esindajad. Toodeti tänavakaupmeeste, käsitööliste skulptuurkujusid, mis olid kujutatud liikumisel. Portselaniskulptuur on paljude aastakümnete jooksul saanud üllas interjööri lemmikkaunistuseks.
Privaatsetest portselanivabrikutest osutub kõige elujõulisemaks Franz Gardneri tehas (1765) (Verbilki küla Moskva lähedal). Juba 18. sajandi lõpus tegi ta kuningakoja jaoks jumalateenistusi, maalides originaalselt kasutades Vene ordude motiive. Üsna odavad Gardneri portselanist lauanõud, mida eristab vormide lihtsus, rikkalik lillemaal, lähedane rahvatraditsioonidele, olid edukad nii pealinnas kui ka provintsides (joonis 79).
Klaas. Värviline klaas toob Vene klaasile tõelise hiilguse 18. sajandi viimasel kolmandikul. MV Lomonosov avas värviteooria ja värvilise klaasi tehnoloogia teosega uusi võimalusi Venemaa klaasivalmistamiseks, rikastas klaaspaletti ja taaselustas vene mosaiigid. Ta organiseeris Peterburi provintsi Ust-Ruditsa külla smalta, helmeste ja klaasi tootmise tehase. Peterburi riigitehase meistrid Družinin ja Kirillov koolitati Lomonosovist värvilise klaasi valmistamiseks. Taim valdab klaasi tootmist sügavates ja puhastes toonides - sinine, lilla, roosa-punane, smaragdroheline. Nüüd domineerib selle tootmisel mitte graveeritud kristall, vaid õhuke värvitu ja värvitu klaas. Prillid, klaasid, karahvinid saavad sileda kuju, mille korral keha läheb sujuvalt jalga, luues pehmed ja graatsilised kontuurid. Pärgade, vibude, tähtede, monogrammide kullast ja hõbedast maalid on rahulikus rütmis, rõhutades anumate plastilisi mahtusid.
Toodetakse ka niinimetatud piimvalget klaasi (kruusid, karahvinid, kiriku esemed), mis välimuselt ja maalide laadilt meenutab kallimat portselani.
18. sajandi lõpuks olid Penza provintsis Bakhmetjevi, Vladimiri ja Oreli provintsis asuvate Maltsevide ja paljude teiste eraklaaside tehased arenemas ja saavutamas suurt edu. Nende värvitu ja värviline klaas ja kristall on laialt levinud kogu Venemaal.
Metalli kunstiline töötlemine. Ehtekunsti õitseng Venemaal algab 18. sajandi keskpaigast ja kestab kogu sajandi vältel. Sellel on erakordse iluga kunstimaterjale: teemandid, smaragdid, safiirid ja muud vääris- ja poolvääriskivid, maalitud emailid, värvilised metallid (kuld, hõbe, plaatina, sulamid). Kivide lõikamise kunst saavutab kõrge täiuslikkuse. Kivi mängu parandamiseks leiavad juveliirid mitmesuguseid kunstilisi ja tehnilisi tehnikaid osade kinnitamiseks, osade liikuvaks kinnitamiseks. Kunstnikud-juveliirid loovad mitmevärvilisi ehteid, mis on eriskummalise kujuga: kõrvarõngad, sõrmused, nuusktubakarbid, pandlad kingade jaoks, nööbid luksuslike ülikondade jaoks nii meestele kui naistele.
18. sajandi viimasel kolmandikul omandavad ehte vormid tasakaalu, vääriskivide värvivalik muutub rangemaks.
Sel perioodil saavutasid hõbesepad suurt edu. Vastavalt uutele maitsetele on hõbedakomplektide vormid lihtsad ja selged. Need on kaunistatud flöötide, antiiksete kaunistustega. Hõbeklaasidel ja nuuskpakenditel reprodutseerivad Veliky Ustyugi meistrid graveeringutest pilte antiikstseenidest ja Vene vägede võitudest.
Silmapaistev nähtus 18. sajandi tarbekunstis on Tula meistrite terasetoodete tooted: mööbel, karbid, küünlajalad, nööbid, pandlad, nuusktubakastid. Nad ehitavad oma teoste dekoratiivse efekti sileda heleda terase ja kaunistuste kontrastile lihvitud tükkidena, sädelevate nagu teemandid. Käsitöölised kasutavad metalli sinistamist (kuumtöötlus ahjus erinevatel temperatuuridel), mis annab erinevaid toone - rohelist, sinist, lillat, paksust heledaks. Rahvakunstitraditsioonid peegelduvad erksate värvide armastuses, materjali sügavas mõistmises.
Värviline kivi. 18. sajandi teisel poolel avastati Uuralis marmori, kirsiroosa kotka, mitmevärvilise jaspise, kirju bretsia, Altai porfüüri ja sinise Baikali lapis lazuli ladestusi. Lisaks Peterhofile (1722-1723) ja Jekaterinburgile (1730. aastate algus) asus Altai südames 1787. aastal tööle Loktevi tehas (alates 1802. aastast asendati see Kolyvanskaya-ga). Palee interjööri monumentaalsete ja dekoratiivsete teoste kaunistamisel ja kaunistamisel on värviliste kivide kasutamiseks palju võimalusi.
Materjali esteetiliste omaduste paljastamise oskus on vene käsitöölisi alati eristanud, kuid eriti ilmekalt väljendus see kivilõikekunstis. Arhitektide projektide kallal paljastavad kivilõikurid kunstiliselt kivi vapustav ilu, selle loodusliku mustri, erakordsed värvitoonid, säravad, suurendades neid suurepärase poleerimisega. Kullatud pronks käepidemete kujul, mis ainult täiendab ja rõhutab kuju. Antiikvormidel põhinevad kivilõikamistoodete, obeliskide, vaaside projektid lõid Quarenghi ja Voronikhin.
Vene 18. sajandi tarbekunsti õitseng oli seotud arhitektide Kazakovi, Starovi, Quarenghi, Cameroni, Voronihhini ja mitmete koolitatud rahvakunstnike loominguga. Kuid selle tõelise hiilguse lõid enamasti ülejäänud tundmatud pärisorjad - mööblitootjad, nikerdajad, kudujad, kivilõikurid, juveliirid, klaasivalmistajad, keraamikud.
Kunsti ja käsitöö arendamine aitas kaasa käsitöö ja manufaktuuride tootmise tehnika täiustamisele, kunstitööstuse tekkimisele (gobeläänide, kunstklaasi, fajanssi, kivilõikuse, siidi ja riide tootmine), moekaupade, luksuskaupade valmistamisele, vase, tina, hõbeda, värvilise kivi maardlate avastamisele ja arendamisele, kvaliteetsed savid.
Teaduste Akadeemia roll "vabade kunstide ja manufaktuuride õitsengus", mis kajastab uusi loodusteaduslikke ja tehnilisi huve kunsti ja käsitöö alal, on märkimisväärne. 18. sajandi esimesel poolel ilmusid kunsti manufaktuuridesse uued meistrite koolitus- ja koolitusvormid; Venemaal on käsitööliste käsitööorganisatsioone, mis ei eita välismaiste käsitööliste laialdast levikut erinevates kunsti- ja käsitöövaldkondades.
Dekoratiiv- ja tarbekunstis (sisustusesemed, mööbel, sisustus) dikteerib mood aktiivselt stiili. Selle tulemusena ilmuvad uut tüüpi objektid, kunsti ja käsitöö esteetilisi ideid täiendatakse. 18. sajandi keskpaiga dekoratiiv- ja tarbekunstis on tendents kunstide sünteesile, kus arhitektuur, skulptuur, maal ja rakenduskunst ühendatakse dekoratiivansambliks.
Selle tulemusel saab siseviimistluskunstist 18. sajandi arhitektide loomingus eriline kunstiline tegevus. Seda tüüpi kunstiline tegevus määrab uut tüüpi ruumide (kontorid, tseremooniad, magamistoad, elutoad, "pildiruumid") tekkimise ja nende sisu (Suvepalee, A. D. Menshikovi palee, Peterhofi suurpalee, Monplaisir).
Kõik see aitab kaasa mööbliäri arengule, ilmuvad uued mööblitüübid ja -vormid, materjalid ja selle kaunistamise meetodid. Inglise ja hollandi mööbli mõju on siin väga tugev. Euroopa mõju all kujuneb Venemaal isegi barokk- ja rokokoo stiil mööbliesemetes.
Klassitsismimööbel on iseloomuliku iseloomu ja kujuga. Suures osas on antiigimotiive võimalik jälgida mööbli vormides ja kaunistustes. 18. sajandi keskel olid arhitektid seotud uut tüüpi mööbli väljatöötamisega, Venemaal ilmus mööblikunst ja disainmööbel (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). 18. sajandi teisel poolel ilmusid esimesed mööblitöökojad (G. Gambsi ja I. Ott töökoda). Sel perioodil on mööblikunstile omane "jakobi" stiil. 18. sajandi teiseks pooleks olid mööblikunsti materjalid muutumas: siia ilmusid mahagon, kullatud puit, pappel, Karjala kask; mööbli valmistamisel kasutatakse üha rohkem kangast ja tikandeid.
Keraamika ja fajanss on kunsti ja käsitöös erilise koha. Selle põhjuseks on peamiselt savinõude impordi laienemine Inglismaalt ja Hollandist. Kuid varsti ilmus Moskvasse A. Grebenštšikovi esimene eramufaktuur, mis tootis Venemaa peent fajanssi. Hiljem kujunes välja matt graveeringuga tseremoniaalsete paleeroogade stiil ja levis kristalli kui sisustuseseme mood. See tähendab Maltsovi esimese privaatse klaasi- ja kristallivabriku avamist Mozhaiski rajoonis.
18. sajandil kasvas dekoratiiv- ja tarbekunsti, ruumidisaini kasvava populaarsuse tõttu klaasi tarbimine, mida kasutati mitmesuguste peeglite ja valgustusseadmete loomiseks.
Skulptuur ja maal 18. sajandi teisel poolel
18. sajandi maalikunsti arengus mängis olulist rolli looming Vladimir Lukitš Borovikovski. Hoolimata asjaolust, et kunstnikku ei kantud ametlikult Akadeemia tudengina, järgis ta kahtlemata selle õpetajate ja ennekõike Levitski nõuandeid. Noore kunstniku loomulik talent ja raudne visadus viisid peagi selleni, et Borovikovsky sai 18. sajandi lõpu üheks esimeseks meistriks. Ta lõi oma kaasaegsete, sealhulgas G. Derzhavini, V. Arsenjeva, M. Lopuhhina, O. Filippova ja paljude teiste suurepäraste portreede sarja. Pidev huvi inimese emotsionaalsete kogemuste vastu, rõhutatud lüürika ja mõtisklus, mis on kaetud ajastule nii omase sentimentaalsuse udususega, on iseloomulik enamikule Borovikovski teostest. Kunstnik ei käinud kunagi pildi välise, pealiskaudse iseloomustamise teed, püüdes pidevalt edasi anda kujutatavate isikute peenemaid tundeliigutusi.
Tema loomingus valitseb kamberportree. Borovikovsky püüab kinnitada inimese sisemist väärtust ja moraalset puhtust ("Lizynka ja Dašinka" portree, E. N. Arsenjeva portree jne). XVIII-XIX sajandi vahetusel köitsid Borovikovskit tugevad, energilised isiksused, ta keskendub portreteeritavate kodaniku vaimule, aadlile ja väärikusele. Tema mudelite välimus muudetakse vaoshoitumaks, maastiku taust asendatakse sisekujundiga (A.A. Dolgorukovi, M.I.Dolgoruka portreed jne).
Borovikovsky on ka tunnustatud kääbusportreede meister. Vene muuseumi kogu sisaldab tema pintsli juurde kuuluvaid teoseid - A.A.Menelase, V.V.Kapnisti, N.I.Lvova jt portreesid. Kunstnik kasutas oma miniatuuride aluseks sageli tinaplaati.
Vene 18. sajandi portreemaal saavutab loovuse tõelise tipu D.G. Levitsky . Juba ühes oma varases teoses - arhitekt A. Kokorinovi portree - näitas Levitsky maalikunstniku silmapaistvaid võimeid. Levitski Peterburis 1773. aastal maalitud suure prantsuse materialistliku filosoofi D. Dideroti portree ja kunstniku loodud seeria Smolnõi Instituudi üliõpilaste portreesid eristavad kõrgeid kunstilisi teenetemärke. Nende tüdrukute pilte tähistatakse siiruse ja soojusega, nende igaühe originaalsus on meisterlikult edasi antud.
Järgnevate aastate portreed - kunstniku isa Lvova, Bakuninite, Anna Davia ja paljude teiste Levitski meistriteostega - on ilmekas tõend tema säravast andest.
Levitsky lõi ulatusliku galerii oma kaasaegsete portreedest, jäädvustades laialdaselt ja täielikult, nagu mitte ükski teine, ajastu inimeste elavaid pilte. Levitski kunst täiendab vene portreemaali arengulugu 18. sajandil. Siiski tuleb märkida, et mõned tema loomingu ajalooliselt kindlaksmääratud piirangud: nagu teisedki tema aja tähelepanuväärsed kunstnikud, ei suutnud Levitski kajastada tegelikkuse sotsiaalseid vastuolusid. Kunstniku kujutatud inimesed poseerivad vastavalt valitsevatele esteetilistele ideedele alati mõnevõrra, nad näivad üritavat end vaatajale näidata "kõige meeldivamas" valguses. Kuid mitmes oma teoses saavutab kunstnik hämmastava lihtsuse ja elujõu.
Levitsky pärand on tohutu ja tekitab publikus ikkagi otsese esteetilise naudingu tunnet. Tema teoste professionaalne tipptase ja nende realistlik suunitlus panevad kunstniku ühe auväärsema koha hulka kogu Vene kunsti ajaloos.
D.G. Levitsky kõige kuulsamate tööde hulka kuuluvad järgmised: "E.A. Vorontsova portree", "Arhitekt A.F.Kokorinovi portree", "N.A.Lvovi portree", "M.A.Dyakova portree", "Portree Ursula Mnishek "," Agasha tütre portree vene kostüümis "jne.
Portreemaali valdkonnas oli uus sõna ka 18. sajandi teise poole vene kunstnikel. Silmatorkav on psühholoogilise tunnuse teravus, mis tähistas paljusid selle aja portreesid - Venemaa parimate meistrite hari kaldub üha enam inimese kuvandi tõepärasele renderdamisele. On märkimisväärne, et juba praegu ei loodud portreesid mitte ainult aadlitest ja "selle maailma vägevatest", vaid ka mitmetest edumeelsetest avaliku elu tegelastest. Nendes portreedes pole absoluutselt hiilguse ja välise läike elemente; kunstnikud pööravad tähelepanu inimese sisemise sisu edasiandmisele, tema meele tugevuse, mõtete ja püüdluste õilsuse paljastamisele.
Venemaa portreefoto areng leidis oma väljenduse aastal f. Rokotovi teos.
Fjodor Stepanovitš Rokotov - üks parimaid vene portreemaalijaid. Olles saanud kunstihariduse L.-J. Le-Lorrain ja krahv Pietro Rotary töötasid viimase moodi, kuid ta süvenes loodusse rohkem kui ise ja oli hoolas esituses. Aastal 1762 võeti ta vastloodud SPB-s täiendusena vastu. Kunstiakadeemia talle kingitud maali “Veenus” ja keiser Peeter III portree eest.
Peen maalimisoskus eristab selle kunstniku portreesid. Kujutise intiimne vaimsus, eriti naisportreedes, toob Rokotov suure ilmekuse ja tugevuse. Kunstniku tööde ülimalt tehniline täiuslikkus - joonistamise olemuses ja pildioskuses saab temaga võrrelda vaid Levitskit. Rokotovi loodud portreesid eristavad joonise keerukus ja värvi graatsia.
Rokotovi kuulsaimate tööde hulka kuuluvad: "Tundmatu roosa kleidiga naise portree", "A.I. Vorontsovi portree", "G.G. Orlovi portree soomuses", "Katariina II kroonimisportree", "A.P. Struyskaja portree" , "Luuletaja V. I. Maikovi portree", "Surovtseva portree" jne.
18. sajandi teisel poolel. aastal hakkas vene maal arenema igapäevane žanr... Kunstiakadeemia juhtkond ja ühiskonna privilegeeritud kihistused pidasid žanrimaali siiski millekski aluseks, mis pole kunstniku pintslile väärt. Hoolimata sellest, pärast talurahvasõda E. Pugatšovi juhtimisel nii kirjanduses, teatris ja muusikas kui ka 1770. – 1780. hakkas huvi tundma talurahva, selle eluviisi, eluviisi vastu. Sageli olid need sentimentaalsed kujutised idüllilistest lambakoertest ja lambakoertest, millel polnud tegeliku talupojaeluga midagi pistmist. Siiski oli ka erandeid.
Üks esimesi vene maalikunstis arendas talupojateemat pärisorjaprints G.A.Potemkin Mihhail Šibanov ... Ta maalis pilte "Talupoegade õhtusöök", "Pulmade vandenõu tähistamine" jne. Šibanovi maalidel pole pärisorjusest taunimist, kuid ülaltoodud lõuendites pole talupoegade elu idealiseerimist. Kunstnikku eristab tema teadmised ja arusaam vene talupoja elust ja iseloomust.
Talupoegade teema kajastus maali "Puhkus maal" autori I. M. Tankovi (1739 - 1799) ja akvarelle "Talupoja õhtusöök", "Kerjuslauljad" ja I. A. Ermenevi (1746 - pärast 1792) loomingus. jne.). Esimest korda vene kunsti ajaloos andis kunstnik edasi rahvaelu varjukülgi, vaesuse orja.
18. sajandi teisel poolel. algab vene skulptuuri tõeline õitseng. See arenes aeglaselt, kuid vene valgustusmõte ja vene klassitsism olid suurimad stiimulid suurte kodanikuideede, suuremahuliste probleemide kunsti arenguks, mis viisid sel perioodil huvi skulptuuri vastu. Šubin, Gordejev, Kozlovski, Štšedrin, Prokofjev, Martos - igaüks ise oli eredaim indiviid, jättis jälje kunstile... Kuid neid kõiki ühendasid ühised loomepõhimõtted, mille nad õppisid professor Nicolas Gilletilt, kes aastatel 1758–1777 juhatas akadeemia skulptuuriklassi, kodaniku teadvuse ja patriotismi üldisi ideid ning antiikaja kõrgeid ideaale.
Üldistatud ilusa otsimine ei välista inimmärgi täielikku mõistmise sügavust, soovi edastada selle mitmekülgsust. See püüdlus on tajutav sajandi teise poole monumentaalses dekoratiivplastikas ja molbertskulptuuris, kuid eriti portreežanris.
Tema kõrgeimad saavutused on seotud eelkõige loovusega. Fedot Ivanovitš Šubin (1740-1805), Lomonosovi kaasmaalane, kes saabus Peterburi luunöörituse nõtkustest aru saanud kunstnikuna. Shubini esimene töö kodus on A.M. Golitsyn annab juba tunnistust meistri täielikust küpsusest. Kogu mudeli omaduste mitmekülgsus ilmneb selle ringkontrolli käigus, ehkki kahtlemata on skulptuuri peamine seisukoht.
Shubin töötas mitte ainult portreemaalijana, vaid ka dekoraatorina. Ta esitas 58 ovaalset marmorist ajaloolist portreed Chesme paleele (asub armees), skulptuure Marmorpalee jaoks ja Peterhofile, Katariina II - seadusandja (1789–1790) kuju. Pole kahtlust, et Šubin on 18. sajandi Vene kunstikultuuri suurim nähtus. Prantsuse skulptor Etienne-Maurice Falconet töötas Venemaal koos vene meistritega, kes Peterburis Senati väljakul Peeter I monumendis väljendasid oma arusaama Peetruse isiksusest ja selle ajaloolisest rollist Venemaa saatuses.
Fjodor Fjodorovitš Štšedrin (1751-1825). Ta läbis samad akadeemilise väljaõppe etapid ja pensionipõlve Itaalias ja Prantsusmaal kui Shubin. Marsyad, mille ta esitas 1776. aastal, on täis rahutut liikumist ja traagilist hoiakut. Nagu kõik klassitsismi ajastu skulptorid, on ka Shchedrin lummatud iidsetest kujunditest ("Uinuv Endymion"; "Veenus"), näidates samal ajal eriti poeetilist tungimist nende maailma.
Venemaa ajalugu 17. sajandi lõpus - 18. sajandi esimene veerand on lahutamatu Venemaa ühe suurima poliitilise tegelase - Peter I. nimest. Sel ajal tungivad olulised uuendused mitte ainult kultuuri ja kunsti valdkonda, vaid ka tööstusse - metallurgia, laevaehitus jne. 18. sajandi alguses ilmusid esimesed mehhanismid ja tööpingid metallide töötlemiseks. Selles valdkonnas on palju teinud vene mehaanikud Nartov, Surnin, Sobakin ja teised.
Samal ajal pannakse aluse riiklikule üld- ja erihariduse süsteemile. 1725. aastal asutati Teaduste Akadeemia, kus avati kunstilise käsitöö osakond.
A. Nartov.Treipink. Peetri ajastu. XVIII sajand.
18. sajandil kujunesid välja uued arhitektuuri ja linnaplaneerimise põhimõtted, seda perioodi iseloomustas Lääne-Euroopa barokile (Holland, Inglismaa) iseloomulike tunnuste toodete kujundamise kasv.
Peeter I ettevõtmiste tagajärjel kaovad traditsiooniliste vene vormide tooted kuninglikust ja aristokraatlikust paleeelust kiiresti, jäädes endiselt maa- ja linnarahva masside eluruumidesse ning ka kiriku kasutusse. Just 18. sajandi esimesel veerandil visandati stiililise arengu oluline erinevus, mis püsis pikka aega erialasele loovusele ja rahvakunsti käsitööle. Viimases arendatakse otseselt ja orgaaniliselt igivanu vene, ukraina, eesti jms tarbekunsti traditsioone.
Õilsa elu normid nõuavad suveräänse inimese elus rikkuse, rafineerituse ja sära demonstreerimist. Vana eluviisi vormid, sealhulgas Peetruse vormid (ikka asjalikud, ranged), tõrjuti lõpuks välja 18. sajandi keskpaigaks. Vene kunstis on domineeriv positsioon nn rokokoo-stiilis, mis viis loogiliselt lõpule hilisbaroki suundumused. Selle aja pidulikud interjöörid, näiteks mõned Peterhofi ja Tsarskoje Selo palee ruumid, on peaaegu täielikult kaunistatud nikerdustega.
Rocaille ornamentika üldised jooned (joonte kõverus, stiliseeritud või looduslähedaste lillede, lehtede, kestade, silmade jms rikkalik ja asümmeetriline paigutus) on Vene tollases arhitektuuris ja mööblis, keraamikas, rõivastes, vagunites, pidulikes relvades jne. .. Kuid Vene tarbekunsti areng kulges ikkagi täiesti iseseisvat rada. Vaatamata meie oma toodete vormide tingimusteta sarnasusele Lääne-Euroopa toodetega, on nende vahelisi erinevusi lihtne märgata. Niisiis, kuid võrreldes prantsuse keelega on vene mööblitoodetel palju rohkem vabu vorme ja joonised on pehmemad. Käsitöölised säilitasid endiselt rahva nikerdamise oskused, suuremad ja üldistatumad kui läänes. Mitte vähem iseloomulik on Venemaa toodete polükroomia ja kullamise kombinatsioon maalimisega, mida Prantsusmaal leidub harva ja mis on Venemaal laialt aktsepteeritud.
Alates 18. sajandi 60-ndatest algas vene arhitektuuris üleminek klassitsismile oma lakooniliste ja rangete vormidega, pöördus antiikajast ning seda iseloomustas suur vaoshoitus ja armu. Sama protsess toimub ka tarbekunstis.
Selge sümmeetria, mis on proportsionaalne selgusega, ilmneb linnamõisate ja -paleede (arhitektid Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov jt) planeerimisel, varustuses ja sisekujunduses. Ruumide seinu (akende vahel või nende vastas) peidavad siidist damaskist, dekoratiivsest puuvillasest riidest ja riidest peeglid ja paneelid.
.
Diivan - rokokoo stiilis. Venemaa (fragment). 18. sajandi keskpaik
Klassitsismistiili tugitool. Venemaa. 18. sajandi teine \u200b\u200bpool
Põrandad on valmistatud erinevat tüüpi puidust ja mõnikord kaetud lõuendi või riidega; laed on värvitud (näiteks reljeefset vormimist jäljendav grisaille-tehnika). Inkrusteeritud parketi asemel kasutatakse "vaha all" põrandaplaate. Seinad ja laed on sageli riide või tapeediga kaetud. Kui tseremooniaruumides on korraldatud muljetavaldavad marmorkaminad, siis intiimsetesse kambritesse püstitatakse postamentidele või jalgadele traditsioonilisemad ahjud, mis on vooderdatud plaatidega. Lambide erinevus on sama märgatav: saalides on valmistatud ehteid ja kalleid lühtrid, küünlajalad, kambrid, kambrites palju tagasihoidlikumaid küünlajalgu ja lampe. Veelgi rohkem on kontrastsust tseremoniaalse ja majapidamismööbli vormides. Kõik see ei räägi mitte niivõrd paleede ja häärberite omanike soovist raha kokku hoida, vaid sellest, et nad arvestavad subjektikeskkonnaga kui olulise teguriga psühholoogiliselt sobivas õhkkonnas.
Enamikku 18. sajandi ja 19. sajandi lõpu mööblit ja mitmeid muid tooteid polnud pidevalt vaja; vajaduse korral eemaldati need või viidi mitteaktiivselt kasutatavatesse ruumiosadesse. Istmemööbel oli tingimata kaetud. Samas osas on suurt arengut saanud tööpinnaga ümberkujundatav mööbel - tee- ja kaardilauad, kokkuklapitav söögilaud, näputöölaud, erineva kõrgusega laudade süsteem, mis sobivad üksteise alla jne. Kõik see suurendas oluliselt elumugavust, selle funktsionaalse toe peene eristamise ja ruumide välimuse mitmekesisus erinevates igapäevastes olukordades. Samal ajal paistsid silma mitmed majapidamisprotsessid, mis toimusid soojal aastaajal väljaspool hoonet - terrassil ja pargis. Selle tulemusel levivad uut tüüpi tooted - aiamööbel, vihmavarikatused, pargilambid jne. 18. sajandil korraldati üksikute mõisate juures pärisorja töötubasid, kus toodeti üsna suuri partiisid mööblit, portselani, vaipu ja muid tooteid.
18. sajandi lõpus oli suurte paleede varustuses juba märgatavalt mõjutatud toodete (mööbel, lambid, kellad, seinavaibad ja muud riistad ning dekoratiivesemed) kui loomingulise eriala valdkonna tegeliku kujunduse eraldamine nende käsitööst. Enamik disaineritest on arhitektid ja professionaalsed kunstnikud. Massituru jaoks toodete tootmisel kasutatakse masinaid ja materjalide töötlemise mehaanilisi meetodeid, mis teevad insenerist tootmise juhtfiguuri. See toob kaasa tarbekaupadele omaste kõrgete esteetiliste omaduste moonutamise ja kadumise, tööstuse eraldamise kunstist. See suundumus oli ühiskonna kapitalistliku arengu tingimustes loomulik ja kogu 19. sajandi üks peamisi suundumusi.
Venemaa kapitalistlike suhete intensiivse arengu käigus 19. sajandil kasvas tööstustoodangu võimekus. 19. sajandi keskpaigaks oli juba olemas terav vajadus tootedisainerite ja käsitööliste kunstiliselt professionaalse personali järele. Nende ettevalmistamiseks avati spetsialiseeritud õppeasutused Moskvas (krahv Stroganov) ja Peterburis (parun Stieglitz). Nende nimi - "tehnilised joonistuskoolid" - räägib uut tüüpi kunstnike tekkimisest. Alates 1860. aastast on esinejate käsitöö eriharidus arenenud. Avaldatakse palju raamatuid mitmesuguste materjalide töötlemistehnoloogia kohta: puit, pronks, raud, kuld jne. Välja antakse kaubakatalooge, mis asendavad varem ilmunud ajakirja "Majanduskauplus". Alates 19. sajandi keskpaigast on kujunenud töötervishoiu ja majapidamistarvete kasutamisega seotud teadused. Kuid kogu 19. sajandi jooksul jäävad kõik kunstilises mõttes masstooted täielikult allutatud ilu kui toodete dekoratiivse ja dekoratiivse kujunduse jagamatult domineerivale kontseptsioonile. Selle tagajärjeks oli klassikaliste stiilielementide kasutuselevõtt enamiku toodete vormis: keerukad profiilviimistlused, lainelised sambad, rosetid, pärlid, antiikmotiividel põhinevad kaunistused jne. Mõnel juhul viidi need elemendid isegi tööstusseadmete - tööpinkide - vormidesse.
19. sajandi tarbekunsti ja kodutarvete stiililises arengus eristatakse kronoloogiliselt tavapäraselt kolme peamist perioodi: klassitsismi suundumuste jätkamine nn impeeriumi stiili peavoolus (sajandi esimene veerand); hilisklassitsism (umbes 1830–1860) ja eklektika (pärast 1860. aastaid).
19. sajandi esimest veerandit iseloomustas ideoloogia ja ehituse ulatuse üldine tõus Venemaa arhitektuuris, mis põhjustas tarbekunstis märkimisväärset elavnemist.
Impeeriumi stiilis tugitool. 19. sajandi esimene veerand.
1812. aasta sõja võit teatud määral kiirendab ja viib lõpule üle-euroopalise tähenduse omandava vene rahvuskultuuri kujunemisprotsessi. Eelmise perioodi klassitsismiga tihedalt seotud Voronihhini, Quarenghi, Kazakovi arhitektide tegevus langeb ainult sajandi esimesele kümnendile. Neid asendab galaktika sellistest tähelepanuväärsetest meistritest nagu Rossi, Stasov, Grigorjev, Bove, kes tõid Vene kunstisse uusi ideid ja teistsuguse stiilivaimu.
Tagasihoidlikkus ja monumentaalsus on erinevate impeeriumi stiilis majapidamistarvete arhitektuurile ja vormidele iseloomulikud jooned. Viimases muutuvad dekoratiivsed motiivid märgatavalt, täpsemalt laieneb nende tüpoloogia Vana-Egiptuse ja Rooma dekoratiivsete sümbolite - grifoonide, sfinkside, fastsiate, sõjaväe atribuutide ("trofeede") abil, mis on põimitud pärgade pärgaga jne. Võrreldes varase klassitsismi näidetega üldiselt dekoratsiooni arv, selle "visuaalne kaal" toodete kompositsioonilahuses suureneb. Monumentaliseerimine, mõnikord justkui vormide jämedamaks muutumine, tuleneb klassikaliste dekoratiivmotiivide - okantide, pärgade, leeliste, soomuste jms - suuremast üldistamisest ja geomeetrilisest muutumisest, mis üha kaugenevad oma tegelikest prototüüpidest. Esemete maalimine (stseenid, maastikud, kimbud) kaob peaaegu täielikult. Ornament kipub määrima, kontuuri, rakendatavust. Enamik tooteid, eriti mööbel, muutuvad suureks, massiivseks, kuid üldise konfiguratsiooni ja silueti poolest erinevad. Ampiiri stiili raskus mööbliesemetes kadus peaaegu 1830. aastatel.
XIX sajandi keskpaigast algasid uued otsingud arhitektuuri, rakendusliku ja tööstusliku loovuse valdkonnas.
Sündis üle-euroopaline kunstiliikumine, mis sai nimeks "biedermeier" saksa kirjaniku L. Eichrodti ühe tegelase (teos ilmus 1870. aastatel) kodaniku nime järgi tema mugavuse ja läheduse ideaaliga.
Tehases valmistatud raud. Venemaa. X1X sajandi teine \u200b\u200bpool.
19. sajandi teisel poolel suruti füüsiline töö utilitaarsete majapidamistoodete tootmisest veelgi välja. Sajandite jooksul on nende kunstilise lahenduse arenevad meetodid ja tehnikad, kujundamispõhimõtted vastuolus uute majandussuundadega masstootmises ja turul olevate asjade tootmise tasuvuses. Reaktsioon muutuvale olukorrale on kahetine. Mõned meistrid - enamik neist - teevad kompromisse. Arvestades kõigi majapidamistarvete puutumatut traditsioonilist vaadet dekoratiiv- ja tarbekunsti objektina, hakkavad nad klassitsismi dekoratiivmotiive kohandama masina ja seeriatehnoloogia võimalustele. Toodete kaunistamiseks ja viimistlemiseks ilmuvad "tõhusad" tüübid. Juba 1830. aastatel Inglismaal esitas Henry Cooley väliselt reformistliku loosungi kaunistada tehasetooted elementidega "kaunite kunstiliikide maailmast". Paljud töösturid võtavad loosungi meeleldi vastu, püüdes maksimaalselt ära kasutada tarbija kiindumust majapidamisseadmete väliselt kaunistatud, kaunistustega rikastatud vormidesse.
Teised tarbekunsti teoreetikud ja praktikud (D. Ruskin, W. Morris) soovitavad vastupidi korraldada tööstuse boikoteerimist. Nende kreedo on keskaegsete käsitöötraditsioonide puhtus.
Lääne-Euroopa riikides ja Venemaal on esmakordselt teoreetikute ja professionaalsete kunstnike tähelepanu köitnud käsitöökunstnikud ja käsitöölised, kelle töös on säilinud sügavad rahvatraditsioonid. Venemaal näitavad 1870. – 1890. Aastate Nižni Novgorodi messid nende traditsioonide elujõulisust uutes tingimustes. Paljud professionaalsed kunstnikud - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich jt - on entusiastlikud dekoratiivkunsti rahvapärasest päritolust. Venemaa erinevates piirkondades ja provintsides, sellistes linnades nagu Pihkva, Voronež, Tambov, Moskva, Kamenets-Podolsk jt ilmuvad käsitööettevõtted, mille aluseks on füüsiline töö. Loomingulise, välja sureva käsitöö taaselustamiseks oli eriti oluline töökodade töö Moskva lähedal Abramtsovis, Smolenski lähedal Talashkino, Peterburi lähedal asuva P. Vaulini ettevõte, Moskva keraamiline artel "Murava".
Samovar. XIX sajand.
Venemaa. Teine poolaeg
Tööstuspump. XIX sajand.
Kõigi nende töökodade tooted moodustasid kogutarbimisest siiski nii tähtsusetu osa, et neil ei olnud masstoodangule mingit märgatavat mõju, ehkki nad tõestasid rahvatraditsioone säilitava dekoratiivkunsti olemasolu legitiimsust koos masstootmisega. Hiljem kinnitas seda masinatehnoloogia sissetung dekoratiiv- ja tarbekunsti sellistes valdkondades nagu ehted (ehted), vaibakudumine, rätsepatöö, mis viis nende kunstilise kvaliteedi järsu languseni.
19. sajandi teisel poolel valmistatud toodete põhiosa kujul ei arendata praktiliselt midagi uut. Kuid kõige üldisema olukorra uudsus aitab juba praegu kaasa innovaatiliste otsingute sisemiste eelduste lisamisele - teadlikkus stiiliotsingutest kui olulisest loomevajadusest kui kunstniku kunstilise individuaalsuse ilmingust. Kui seni on stiilisuundumused (gooti, \u200b\u200brenessanss, barokk, klassitsism jne) sündinud ja levinud, siis reeglina maailma esteetilise arengu üldiste, peaaegu "globaalsete", spontaanselt kristalliseerunud suundumuste tulemusena, siis alates 19. sajandi keskpaigast oli stiili originaalsus peetakse individuaalse kunstniku, arhitekti otseseks loovaks saavutuseks. Sellega seoses on teravalt aktiveeritud huvi kõigi aegade ja rahvaste kunstipärandi vastu. See rikkalik pärand saab jäljendamise, otsese laenamise allikaks või allutatakse kummalisele loometöötlusele.
Tugitooliga moodsas stiilis laud. 19. sajandi lõpupoole
Selle tulemusena on suurem osa esemetest ebatavaliselt kirju pilt, milles on nüüd selgeid, nüüd juba peeneid meenutusi antiigist, romaani ajastust, gooti, \u200b\u200bitaalia või prantsuse renessansist, Bütsantsi ja Vana-Venemaa kunstist, barokist jne., Mis segunevad sageli eklektiliselt. ühe toote, interjööri, hoone kujundus. Seetõttu nimetati seda perioodi arhitektuuri ja tarbekunsti ajaloos eklektiliseks. Sellegipoolest on tooted (lambid, metallist ämbrid, küna, nõud, taburetid jne) suhteliselt odavad, kuid valmistatud ilma igasuguse kunstilise eesmärgita, sageli inetu kuju ja halva kvaliteediga, inimeste ellu.
Uue stiili otsimisel võetakse arvesse tegelikku vajadust masinatootmise tingimustes, ühelt poolt põhimõtteliselt uut lähenemist toodete kujundamisele ja teiselt poolt mineviku dekoratiivsete traditsioonide säilitamist. Kodanlus, kes oli 19. sajandi lõpuks võtnud Venemaa majanduses tugevad positsioonid, püüdles arhitektuuris ja kujunduses omaenda kunstilise ideoloogia poole - üllase kultuuri arhaismide ratsionaalse, suhtelise vabaduse kultuse poole, julgustades kunstis kõike, mis võiks mineviku stiilidega vaielda. Selline oli 19. sajandi lõpus moodne stiil - "uus kunst" Belgias, Suurbritannias ja USA-s, "Jugendstil" Saksamaal, "Secessioni stiil" Austrias, "vaba stiil" Itaalias. Selle nimi - "kaasaegne" (prantsuse keelest. Moderne) tähendas "uus, kaasaegne" - lat. modo - "just hiljuti". Puhtal kujul, hääbudes ja segunedes teiste stiilisuundadega, kestis see suhteliselt lühikest aega, umbes umbes 1920. aastani, see tähendab umbes 20–25 aastat, nagu peaaegu kõik 17. – 20.
Modernism on erinevates riikides ja üksikute kunstnike loomingus mitmekesine, mis raskendab nende lahendatavate ülesannete mõistmist. Kuid iseloomulikuks muutus kõigi varem kasutatud dekoratiivsete ja dekoratiivsete motiivide ja tehnikate peaaegu täielik väljajuurimine ja nende radikaalne uuendamine. Traditsioonilised karniisid, rosetid, kapiteelid, flöödid, "vastutulevate lainete" vööd jms asendatakse stiliseeritud kohalike taimedega (liiliad, iirised, nelgid jne), pikkade lokkis juustega naispeaga jne. Sageli pole kaunistust üldse , ja kunstiline efekt saavutatakse silueti väljendusvõime, vormi liigenduste, joonte reeglina õhukeselt jälgitava, justkui vabalt voolava, pulseeriva mõjuga. Juugendstiilis toodete vormides võib peaaegu alati tunda kunstniku mingit kapriisset tahet, tihedalt venitatud nööri pinget, liialdatud proportsioone. Äärmuslikes ilmingutes võimendub see kõik järsult, tõstetakse põhimõtteks. Mõnikord peetakse tähelepanuta konstruktiivset vormiloogikat, peaaegu võltsindu vaimustuses ülesande suurejoonelisest küljest, eriti interjööride lahendamisel, mis on sageli suurejooneliselt teatraalsed.
Kõigi nõrkuste juures - pretensioonikus, mõnikord vormide valjusus, on tekkinud uus lähenemine hoone, interjööri, keskkonna lahendusele koos funktsionaalse, konstruktiivse ja tehnoloogilise lahenduse järjepidevusega.
Kaasaegses stiilis küünlajalg. Kahekümnenda sajandi algus.
Nõude komplekt. 19. sajandi lõpp
Tualettlaud juugendiajast. XX sajandi algus
Kaasaegne enamikus oma proovides ei loobunud toodete kaunistamisest, vaid asendas vanad dekoratiivsed motiivid ja tehnikad uutega. Juba 20. sajandi alguses, uue stiili võidukäikude ajal, jällegi, algul arglikult, siis tuli vanade stiilide mood taas laialt tagasi, millel oli teada seos ettevalmistustega, mis olid alanud 1812. aasta Isamaasõja sajanda aastapäeva tähistamiseks. Peterburis 1903. aastal toimunud näitus "Kaasaegne kunst" näitas ilmekalt "klassiseeriva juugendi" sündi.
Modernsuse tulemused on keerulised. See on tarbekunsti puhastamine nii eklektikast kui ka käsitöö eestkõnelejate "antimasinismist" ja ebaõnnestunud katsetest taastada mineviku stiilid. Need on esimesed sümptomid arhitektuuri ja tarbekunsti tekkimisest funktsionalismi ja konstruktivismi teel, kaasaegse disaini rajal. Samal ajal avastas juugend peagi stiili natsionaliseerimise kalduvuse uue puhtalt dekoratiivsete otsingute laine. Paljud maalikunstnikud pöörduvad tarbekunsti ja sisekujunduse poole (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin jt), gravitatsioonis vene muinasjutu värvikuse, "piparkookide" jne poole. Järgneva ajaloolise protsessi perspektiivis , masstööstuse kiireloomuliste probleemide lahendamine, ei saanud sellistel katsetel olla tõsist ideoloogilist ja kunstilist väärtust, ehkki need andsid tõuke teise tarbekunsti haru - kunstilise käsitöö ning eriti teatri- ja dekoratiivkunsti arengule.
Modernsus justkui puhastas ja valmistas ette tee uute esteetiliste ja loominguliste põhimõtete kehtestamiseks igapäevaste asjade loomise kunstis, kiirendas uue kunstiameti - kunstilise disaini (kujunduse) - tekkimist.
Funktsionalismi ja konstruktivismi vormistamine erisuundadeks lääneriikide arhitektuuris ja kunstilises kujunduses toimus 1910. aastate lõpul seoses elu stabiliseerumise ja majanduse edukusega pärast Esimest maailmasõda. Kuid uue moodsa arhitektuuri põhialused määrati sõjaeelsel perioodil selliste arhitektide töös nagu T. Garnier ja O. Perret (Prantsusmaa), H. Berlaga (Holland), A. Loos (Austria), P. Behrens (Saksamaa), F. Wright (USA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Venemaa) jt. Kõik neist said omal moel modernsuse mõjust üle ja võitlesid.
1918. aastal moodustati hariduse rahvakomissariaadi kaunite kunstide osakonnas arhitektuuri ja kunstitööstuse eriosakonnad. Tõsist tähelepanu pööratakse spetsialistide koolitamisele. 1920. aastal allkirjastas VI Lenin dekreedi kõrgemate riiklike kunsti- ja tehnikatöökodade (VKHUTEMAS) loomise kohta. Lõpetajad lõid uued näidised kangast, mööblist, nõudest jne.
Õppimine töötubades (1927. aastal muudeti üleliiduline kunsti- ja tehnikainstituut VKHUTEINiks), viidi läbi teaduskondades: arhitektuuri-, keraamika-, tekstiili- jt. Puidu- ja metallitöötlemise teaduskonnas A. Rodchenko juhtimisel. . Lissitzky, V. Tatlin ja teised meistrid otsisid mitmesuguste esemete uusi vorme ja kujundusi. Kogu VKHUTEMASe tegevus oli suunatud õpilaste integreeritud lähenemise oskuste arendamisele igapäevaelu ja tootmise ainekeskkonna kujundamisel.
1920. aastatel kujunes välja "tootmiskunsti" suundumus, mis arendas funktsionalismi ja konstruktivismi põhimõtteid, püüdes kunstnike teadvuses kinnitada ratsionaalselt organiseeritud materjalitootmise esteetilist ideaali. Kõik varasemad kunstivormid kuulutati kodanlikeks "tootmistöölisteks", mis on proletariaadile vastuvõetamatud. Seetõttu eitasid nad mitte ainult "praktiliselt kasutut" kaunist kunsti, vaid ka kogu puhtalt dekoratiivset kunsti, näiteks ehteid. 1920. aastatel ei olnud tehnilised ja majanduslikud tingimused nende ideede elluviimiseks meie riigis veel küpsed.
VKHUTEMAS ja 1920. aastate "tootmistöölised" olid ideoloogiliselt ja esteetiliselt tihedalt seotud Bauhausiga ja esindasid sellega mitmel olulisel hetkel sisuliselt ühte suunda tolle aja kunstilises kujunduses. Selle uue liikumise raames kujundati moodsa disaini esteetika, ületades vastuolusid eelmise perioodi tarbekunstis. Disaini rajajate praktiline kunstiline tegevus oli ühtlasi ka asjade loomise kunsti kunstiliste ja väljenduslike vahendite arsenali arendamine. Nende teostes (mööbel, lambid, nõud, kangad jne) pöörati kõige suuremat tähelepanu materjalide ja vormide sellistele omadustele nagu tekstuur, värv, plastiline ekspressiivsus, rütmiline struktuur, siluett jne, mis omandasid otsustava tähtsuse kompositsioonis. tooted vastuolus konstruktiivse loogika ja vormi valmistatavuse nõuetega. Teine 1920. aastatel meie riigis edukalt arenenud valdkond on inseneridisain. 1925. aastal püstitati Moskvas silmapaistva inseneri V. Šuhhovi projekti järgi kuulus raadiotorn, mille ažuursest siluetist sai pikka aega Nõukogude raadio sümbol. Aasta varem lõi J. Gakkel uusimate tehnikasaavutuste põhjal esimese nõukogude diiselveduri, mille kuju näeb tänapäevalgi üsna moodne välja. 1920. aastatel mõisteti vajadust kunstlikult loodud objektikeskkonnas inimtegevuse seaduste teadusliku uurimise järele. Korraldatakse töö keskinstituudi, selle seinte vahel viiakse läbi uuringuid töö teadusliku korralduse ja tootmiskultuuri kohta. Teadlaste ja disainerite tähelepanu köidavad biomehaanika, organoleptiliste omaduste jms probleemid. Nende aastate tähelepanuväärsemate tööde hulgas on trammijuhi töökoha projekt (N. Bernstein).
J. Gakkel.Vedur. 1930. aastate algus
|
Pulmakell. Itaalia. 17. sajand |
 |
|
Skulptuurigrupp "Talv". Sarjast "Neli aastaaega". Saksamaa. Meissen |
 |
 |
|
Teenuse esemed. Prantsusmaa. Sevres. 1780-1784. Pehme portselan, maal. Sügavkülmik |
 |
|
18.-19. Sajandi Prantsuse kunsti saal |
 |
|
Kapp. Augsburg. 17. sajand. Puit, nikerdatud, valge metall, kullamine, 196x135x61 |
 |
|
Büroo silinder. Venemaa. 18. sajandi lõpp. |
 |
|
Vaas. Venemaa. 19. sajandi esimene veerand. Klaas, värvitud kullaga. Kõrgus 35,5 |
 |
 |
|
Sügavkülmik. Venemaa. Keiserlik portselanivabrik. 19. sajandi esimene veerand. Portselan, maal. Kõrgus 40 |
Dekoratiiv- ja tarbekunsti kollektsioonid on seotud ka A.P.Bogolyubovi nimega, kes annetas muuseumi avamisel 40 tükki vana portselani, peamiselt Saksi. Erinevaid riistu ja mööblit oli 92 tükki. 1897. aastal, pärast Bogolyubovi surma, saadi tema tahte kohaselt veel üks rühm asju, sealhulgas mööbel, klaas, pronks ja hõbe.
Bogolyubovi kollektsioone, eriti portselani, täiendati esimestel revolutsioonijärgsetel aastatel oluliselt riiklikust muuseumifondist, kuhu kogunesid kõik natsionaliseeritud kunstiteosed. 1970. aastal sai muuseum kätte Venemaa ja Lääne-Euroopa portselani (üle 300 eseme) näidised, mis pärandati kuulsale Saratovi silmaarstile O. A. Gordejevale.
Selle õrna ja viimistletud kunsti ajalugu ulatub sajanditesse. Portselan sai alguse 7. – 8. Sajandi vahetusel Hiinast. Euroopas said nad temast teada XIII sajandil. Kuulus Veneetsia rändur Marco Polo tõi idast mitu portselanist anumat. Euroopat haaras "portselanipalavik", kõik tahtsid saada sellest läikivast valgest materjalist tooteid, mis oleksid maalitud heledate, kustumatute värvidega. On teavet, et kui portselanist asjad purunesid, jätkasid nad nende hoidmist; killud olid sageli väärismetallidest ja neid kanti ehetena. Portselanis hinnati mitte ainult ilu, vaid ka enneolematuid omadusi. Portselani klaasitud pind ei puutunud kokku keemilise rünnakuga ja oli mitteläbilaskev. Portselanist olid legendid. Selle tootmise saladuse sai lahendada alles 18. sajandi alguses. Kuid sel teel avastati palju uusi materjale, mis olid välimuselt sarnased Hiina meistrite toodetega. Nii ilmus Veneetsias piimjas klaas, Hispaania-mauride keraamika, fajanss Inglismaal ja Hollandis.
Esimesena sai portselani Euroopas I. F. Betger, kes leidis Saksimaalt Meisseni lähedalt valge savi (kaoliini) hoiuseid. Avastati portselanitootmise saladus, millega Euroopas oli sajandeid võideldud. Peagi sai Meisseni manufaktuuri portselan tuntuks kogu Euroopas. Ja nüüd on selle taime tooted populaarne kunstihuviliste seas.
Meie muuseumi kogus on Meisseni portselan väga hästi ja täielikult välja toodud. Siia kuuluvad Bogolyubovi pärandatud esemed, portselanist esemed O. A. Gordeeva kogust ja muud eksponaadid.
Suurimat huvi pakub 18. sajandi Meisseni portselan. Seda ajastut peetakse Euroopa portselani arengus klassikaliseks perioodiks. Sel ajal püüab kapten rõhutada portselani valget ja peent, esitab materjali, võttes arvesse selle looduslikke omadusi.
Meissen - esimene Euroopa portselanitoodang - on eriti kuulus väikese plasti poolest. Daamide, härrade, allegooriliste kompositsioonide ja pastoraalide piltidel avaldus rokokoo stiili üks omadusi erilise jõuga - illusioon joone pidevast sujuvast voolamisest. Johann Joachim Kendleri ja Peter Reinike nimed on seotud Meisseni plasti moodustumisega. Nende tööd ühendasid skulptuuri ning dekoratiiv- ja tarbekunsti elemente. Kontuuride kapriissus ja värvi ilu - see iseloomustab nende mudelite järgi valmistatud skulptuure.
Johann Joachim Kendleri eeskujude järgi valmistatud sarjast "Neli aastaaega" kaks allegoorilist kuju - "Talv" ja "Kevad" - ilmutavad portselanis rokokoo stiilile iseloomulikke jooni. Aastaajad on kujutatud pilvedel istuvate iidsete jumalate kujundites. Talve kehastavad Saturn ja Hebe, kevadet Mars ja Flora. Skulptuurigruppe ehivad peen krohv ja erksalt maalitud lilled, mille poolest Meisseni tehas 18. sajandil kuulus oli.
Berliini tehase väikeses tootekollektsioonis eristuvad kõrged kunstilised omadused. Need on peamiselt lauakatmise esemed ja sisekujundus. Kõige õrn lilla, mis oli selle lavastuse au, on maalitud A. Watteau "vankritopsi" põhjal. Teekannude, kohvipottide ja dekoratiivvaaside korpused on kaunistatud 18. sajandil populaarsete pastoraalide ja lillekujundustega.
Rühma Viini vabriku esemeid esitletakse 18. - 19. sajandi alguses, kui Euroopa portselanis olid kujunemas uue stiili - impeeriumi stiili jooned. Hoolitsedes suurenenud dekoratiivsuse eest, andsid Viini meistrid maalist oma versiooni. Plaatide peeglisse, ornamenti rikkalikus kuldraamis, asetati kõige sagedamini koopiad renessansi meistrite maalidest.
Iga riik läks portselani juurde oma teed, arendades nii eritehnikat kui ka ornamentika eripära, mõnikord sama stiili raames. Kogu Euroopas olid kuulsad värvilise taustaga prantsuse toidud: türkiissinine, roosa, sinine, värvitud kullatud kaunistustega raamitud medaljonidesse. Sellist portselani valmistati Sevresi manufaktuuris, mis on peamine portselanitootmine Prantsusmaal.
Nii värvitakse sinine jäätisetootja, salv ja vürtsialus, mis oli osa vürst Yusupovile kuulunud teenistusest. Seda teenust on toodetud rohkem kui ühe aasta jooksul ja seda kaunistasid suurimad portselanimaalijad. Jäätisetootja maalis Catherine II Sevresi tellitud kuulsa kateenistuse maali autor Vincent Noorem, keda hoitakse nüüd Ermitaažis. Jusupovi teenus oli valmistatud "pehmest portselanist". Ja selle materjali spetsiifilised omadused ei saaks olla rohkem kooskõlas rokokoo stiiliga oma tavapäraste pehmete kontuuride ja laineliste joontega. Sevresi massi iseärasused määrasid ka maali olemuse: ükski keraamiline materjal ei anna nii kõlavaid ja paljude varjunditega sügavaid toone.
Venemaal sai portselani esmakordselt 18. sajandi keskel Peterburi Imperial Portselanivabrikus (IPP) D.I. Vinogradov. Muuseumikogus on vene portselan esindatud paljude eraettevõtete toodetega. Muuseum võib uhke olla IPE suurepäraste proovide, Gardneri, Popovi, Kornilovi, Gulini, Safronovi tehaste üle, millel on oma ainulaadne võlu.
Vene meistrite saavutused 19. sajandi alguse klassitsismistiilis ehk impeeriumi stiilis on hästi teada. Selle stiili raames pakutav vene portselan, nagu ka muud tarbekunsti harud, pakub suurepäraseid näiteid.
Impeeriumi stiil oli inspireeritud antiikajast. Dekooris domineerivad loorberpärjad, lõvid, grifoonid, sõjaväe atribuudid jne. Vormid paljastavad masside kindluse, nende staatilise iseloomu. Selle stiili seaduste järgi valmistasid IPZ käsitöölised lauavaasi kahe klassikalise kuju kujul, mis toetasid ovaalset kaussi. Biskviidist (glasuurimata portselanist) valmistatud kujundid on kontrastis sinise tooni valge värviga ja aluse kuldsusega. Mõjutab impeeriumi stiili armastust värvide heleduse ja kontrastsuse vastu. Teine vaas on ka skulptuurigrupp: Veenus paneb Amori külge nooltega värina. Sellised vaasid tehti suurte pidulike või juubelijumalateenistuste jaoks ja paigaldati pidulaua keskele.
Sama stiili tunnused eristuvad jäätisevalmistajal kolmel tumedat värvi käpal, vana pronksi all. Selle värv oli kaunilt ühendatud kuldamise säraga.
Eratehaste tooted on eristatavamad. Võite rääkida preestri portselanist, Gardneri või Safroni portselanist. Neid tehaseid esindavad objektid, mis pole vastupidiselt IPE-le ainulaadsed, vaid nn tavalised nõud, mis on seotud konkreetse klassi eluga. 1830-1850ndatel Popovi tehases loodud niinimetatud "kõrtsi" eredalt elegantsete, tagasihoidliku lillemaaliga kaunistatud teekannude sotsiaalset kuuluvust on lihtne arvata.
Allikas, millest käsitöölised nõude vorme ja maali motiive ammutasid, on vene traditsiooniline rahvakunst. See tee on eelseisva interstiili ajal kõige viljakam, see päästab suures osas Venemaa eratehased keraamika kadumisest keraamika kadumise eest ", mis on eklektika ajastul vältimatu. rohelised tassid, mille on valmistanud preestri vabriku meistrid, pole kadunud peamine asi: eseme vormi ja funktsionaalse eesmärgi tasakaal.
Nõukogude portselani kollektsioon on suhteliselt väike. Seda esindab propagandaportselan, mis 1920. aastatel oli üks revolutsioonilise propaganda vahendeid.
S. Tšehhonini ja N. Altmani joonistuste järgi maalitud roog ja tassid, N. Danko skulptuurid, A. Schekatikhina-Pototskaya plaadid revolutsiooniliste loosungite ja noore Nõukogude riigi embleemidega - see Nõukogude Liidu esimene portselan rääkis omaaegset keelt. Seda eksponeeriti spetsiaalsetes vitriinides Moskvas Kuznetsky Mostil ja Petrogradis Nevski ääres. "See portselan oli uudis imelisest tulevikust, mille nimel Nõukogude riik sõdis kohutavas lahingus nälja, laastuse ja sekkumisega," kirjutas oma mälestustes Lomonosovi tehase (endise keiserliku portselanivabriku) kunstnik ja historiograaf E.Ya.Danko.
A. N. Radishchevi muuseumis hoitavad klaasnõud tulid samamoodi nagu portselan: 1897. aastal A. P. Bogolyubovi testamendi kohaselt Riikliku Muuseumifondi kaudu erakogudest.
Väike, kuid huvitav Vene klaasikollektsioon 18. sajandi lõpust - 19. sajandi algusest pärandati E. P. Razumova muuseumile 1973. aastal.
Vene klaasivabrikud, riiklikud ja eraõiguslikud, ilmusid 18. sajandi alguses Moskvas ja Peterburis, Smolenski ja Kaluga lähedal. Nõudlus klaasist esemete järele kasvab. Samuti kasvab tehaste arv. Kuulus Maltsevi taim ilmub Gusi jõele Vladimiri lähedal, Bakhmetjevi tehas Penza lähedal Nikolskoje külas.
Meie kollektsiooni varaseimad 18. sajandi klaasitööstuse tükid on eratehaste tükid. Esiteks on see roheline klaasist damask, millel on pretensioonitu lilleornament ja kiri: "Valmistage see anum Gavrilovi tehases 726. aastal ..." See on varajane näide vene tavalistest roogadest, mida valmistati suures koguses, neid ei säästetud ega nende eest hoolitsetud. Kadunud ja katkise asemel ostsid nad uue. Seetõttu on selliseid roogasid vähe säilinud. Shtof on huvitav ka sellepärast, et see on allkirjastatud. See sisaldab valmistamise kuupäeva ja kohta. On teada, et 1724. aastal asutati Moskva rajoonis Gavrilovi ja Loginovi tehas. Selle lavastuse kohta pole rohkem teavet. Meie damask annab aimu vähetuntud ettevõtte toodete olemusest.
Venemaal klaasi praktiliselt ei märgistatud. Alles XIX sajandi 20. aastatest (Nikolai I ajastust) hakkas Imperial Klaasivabrik oma toodetele marke panema. Templi olemasolu pole muidugi ainus viis konkreetse eseme valmistamise koha ja aja määramiseks. Klaasivalmistamise tähelepanuväärsed mälestusmärgid on 18. sajandi kõrged koonilised, sageli kaantega tassid, mis on kaunistatud autoritasude või monogrammide nikerdatud vapidega. Benseleid raamistasid taimevõrsed ja lokid, mida nimetatakse "rocailles" -ks. Pokaalide ülaosas, servas, on muster graveeritud ja poleeritud kaarega "aukudest". Jalgadest riiulid tehti balustritena "õuntega", mis olid nöörile nöörile keeratud, mõnikord kuni viis tükki. Nende esemete graveering oli madal ja ulatuslik. Need omadused eristavad vene karikaid muuseumis hoitavatest Böömimaa ja Saksamaa tassidest.
Ilmselt valmistatakse eravabrikes arvukalt värvilisi klaase, dekantereid ja pudeleid. Värviline klaas oli Venemaal väga populaarne. Erinevalt Lääne-Euroopast valmistasid nad siin ühevärvilisest klaasist nõusid, mida ilmus rohkesti 18. sajandi keskel. Selle põhjuseks on M. Lomonosovi edukad katsed.
18. sajandi lõpus - 19. sajandi alguses ilmusid kõrgekujulised erineva kujuga korgiga karahvinid, õhukestele jalgadele tõstetud klaasid, sädelevate servadega graatsilised klaasid, dekoratiivnõud, mida kasutati pidulaudade ja tarnijate kaunistamiseks. Lihvitud nõud on valmistatud värvitust klaasist, millele on lisatud plii, mis annab sellele erilise sära. Seda nimetatakse kristalliks ja selle lõikab nn "teemantserv". Seda tehnikat kasutatakse siiani klaasi valmistamisel.
19. sajandi teine \u200b\u200bpool oli kõrgendatud huvi kunsti ja käsitöö vastu, eriti selle ajaloo vastu. Antiikesemete kogumine on laialt levinud. Pole juhus, et samal ajal määrati ka suurenenud huvi antiikmööbli vastu. Kollektsionäärid koguvad XVII sajandi nikerdatud kullatud mööblit, ladudes 17. sajandil Saksamaal kumme, kappe, Itaalia ja Saksa pulmakotte, tamme ja pähklit massiivseid riidekappe. Sarnased esemed olid Bogolyubovi kollektsioonis.
Kirg antiigimööbli vastu tekitab võltsinguid, mis antiigipoode üle ujutasid. Pariisis, Veneetsias, Peterburis luuakse üksteise järel töökodasid, mis muudavad antiikmööbli, mis mõnikord ei erine ehtsast - puit on nii sujuvalt poleeritud, selle struktuursete osade proportsioone järgitakse nii tõetruult.
Muuseumikogu varaseim mööbel pärineb 16.-17. Sajandist. Need on mööbel Saksamaalt, Prantsusmaalt, Itaaliast, Hollandist, kokku pannud A.P.Bogolyubov. Muidugi ei anna meie tollane mööblikollektsioon alust rääkida valitsevast interjöörist, kuid see võimaldab meil üsna laias kronoloogilises raamistikus esindada eri riikide mööbliesemete rahvuslikke omadusi.
Mööbel on lühiajaline, selle valmistamise materjalina kasutatakse puitu, mis puutub kergesti kokku mitmesuguste mõjudega. Suur osa temast suri nii loodusõnnetuste tõttu või sõdade tagajärjel kui ka moe mõjuga seotud põhjustel. Mööbel kuulub tarbekaupade hulka. See tähendab, et aja jooksul see kulub ja tuleb uuega asendada. Lihtrahva eluruumidest on säilinud vähe mööblit. Sellest hoolimata võib mõne Euroopa riigi mööblikunsti ajaloo peamisi etappe jälgida meie kollektsiooni objektidest.
16. sajandil Itaalias valmistati nikerdatud seljaga täispuidust tool, pulmakell, Veneetsia töö komplekt ja altar. Selle mööbli valmistamiseks kasutati Itaaliale iseloomulikku materjali pruuni pähklit, mis võimaldab kaptenil saavutada suurepärase kunstilise efekti. Nikerdamise motiivid pärinesid iidse kunsti pärandist. Ilmselt Firenze loomingust pärit pulmakirstis on üllatav haruldane vormi- ja ornamendiühtsus, mis eristas 16. - 17. sajandi alguse itaalia mööblitootjaid.
Selle ajastu mööbel sarnaneb oma konstruktiivse loogikaga arhitektuuriliste struktuuridega. Altar on kujundatud portaali kujul, mille sambad on põimitud viinamarjakasvatusega, kusjuures Jumalaema kuju jaoks on nišis poodium - need arhitektuurilised elemendid on äärmiselt iseloomulikud 16.-17. Sajandi mööblile. See kehtib eriti Lõuna-Saksamaal valmistatud kapimööbli kohta. Kapp muutub omamoodi kahekorruseliseks hooneks, mille iga aste on jagatud karniisiga. Tasandid on kaunistatud veergude või pilastritega. Kappide uksed sarnanevad portaalide või akendega, mis on kroonitud plaatide või frontonitega. Kõik need arhitektuursed detailid on tugevdatud liimiga ja on tegelikult dekoratsioon, mis peidab kahest rinnast koosneva kapi struktuuri. Seda muljet kinnitavad selle külgfassaadidel olevad kokkuklapitavad käepidemed. Nii kujundatakse riidekapiga kaunistatud riidekapp (puu kasv, puiduviga, mis annab rikkaliku ja ilusa tekstuuri). Riidekapid olid tingimata riiulitega varustatud ja riideid hoiti neis kokkuklapituna. Neid saaks kasutada ka mitmesuguste riistade hoidmiseks.
Kokkupandava tooli, nn curule tooli kuju võib pidada Saksamaa jaoks traditsiooniliseks ka 16.-17. Muistsete inimeste jaoks oli see võimu sümbol. Ainult sellisel tugitoolil istudes oli võimalik kohtuotsuseid ja kättemaksu korraldada. Sellist tooli kanti tavaliselt konsulite, kõrgemate väejuhtide ja diktaatorite jaoks. Mitmest kitsast liistust valmistatud sujuvalt kumerad jalad-püstikud ristuvad ja on tugevuse huvides ühendatud põiktaladega ning selja moodustab eemaldatava tahvli, mis on sisestatud tooli ülemisse osasse vahehoidjana.
Alates 16. sajandist ilmus Saksamaal omapärane tooli vorm, mis levis selle riigi mööblikunstis 17. sajandil - nn talupojatool. Meie muuseumis on ka terve rida sarnaseid esemeid, millel on sama ornamenti erinevad versioonid. Sellise tooli prototüüp oli algul vaid puu känd, millel olid okstest kooritud ja tugevdatud stabiilsus kolmel jalal. Ja mugavate linnaelamute jaoks valmistati nelja jalaga toolid - näited kõrgete oskuste kohta. Nendega on kaunistatud ainult seljatoena töötav laud. See võib olla mitte ainult pähkel, vaid tamm ja mänd. See sõltub eseme valmistamise kohast. Nikerdamisel kasutatakse reeglina groteskse ornamenti motiive, mis kapteni fantaasia järgi sageli muinasjutuliseks mustriks muutuvad.
17. sajand toob mööblikunsti juurde palju uut. See on peamiselt tingitud sotsiaalsetest muutustest Euroopas, mis viisid kolmanda kinnisvara positsiooni muutumiseni. Võimule jõudes kasvatab see perekolde tagasihoidlikkust, lihtsust ja pühadust. Hollandi mööbel on väga nõutud ja eksporditakse kõikidesse riikidesse. Teine äärmus on Prantsusmaa, mille kunstis triumfeerib uhke, pidulik stiil.
Meie mööblikollektsioonis on ainult üks tükk, mis on tüüpiline 17. sajandi palee piduliku sisustuse jaoks. See on nn kapp - paljude sahtlite, sektsioonide ja väljatõmmatava lauaga kapp. Selle valmistasid Augsburgi linna käsitöölised, fassaadil kaunistasid loomi kujutavad metallplaadid, keeratud kullatud postid. Laud on valmistatud peenest puidust.
Sellised kontorid ilmusid 16. sajandil. Nende kodumaa on Hispaania. Esimesed kontorid olid alusraamil olevad kastid. 17. sajandil olid need juba suured kapid, mis said osa ruumi kaunistusest, mis sai uuringu nime. Kappides hoiti medaleid, kirju, ehteid.
Suurem osa vene mööbli kollektsioonist, mis sisaldab 18.-19. Sajandi teoseid, valmistati kas väikestes eratöökodades või aadlike valduste mööblitootjate poolt. Käsitöölised tutvustasid oma töödes mitmesuguseid kunstimaitseid, kõiki teadmisi ja oskusi, mis nad olid kogunud, puidutöötlemise, kaunistamise ja kaunistamise meetodeid. Need kajastusid eeskätt tolleaegse majapidamismööbli vormides, mida rahvakunst suuresti mõjutas. See avaldus mitte ainult vormides ja kujunduses, vaid ka puidu valimisel ja töötlemisel. Karjala kask ja pappel said lemmikmaterjaliks juba 18. sajandi lõpus. Neid kasutatakse ainult Venemaal.
Iga mööblikunsti riik oli kas kindla stiili esivanem, näiteks Itaalia renessansiajal või kuulsa mööblitootja meister, näiteks T. Chippendale Inglismaal või J. Jacob Prantsusmaal.
Vene mööblit esindavad peamiselt 19. sajandi esimese kolmandiku ülla interjööri sisustus. See oli Venemaa dekoratiiv- ja tarbekunsti ning eriti mööbli ajaloo üks säravamaid ajastuid. 19. sajandi esimeste aastakümnete kunstis domineerib impeeriumi stiil, mis sai alguse Prantsusmaalt ja sai kogu Euroopa omandiks. Venemaa annab selle stiili kohta oma originaalse versiooni, milles temast sai kõrgete ja edumeelsete ideede esindaja. Impeeriumi stiilile omane dekoratiivsus, soov monumentaalsuse järele ja vormide üldistamine määrasid mööblis kindlaks materjali valiku ning selle koostoime vormi ja kujundusega. Vene mööblitootjate peamisteks materjalideks on mahagon ja Karjala kask, mida nad armastavad puidu kauni tekstuuri pärast.
Meie muuseumis hoitav mööbel on valmistatud peamiselt pärisorjameistrite kätega ja see esindab seda impeeriumi stiili versiooni, mis oli vene aadli ellu laialdaselt kaasatud. See on lihtsam kui palee mööbel. See mööbel tuli muuseumisse pärast suurt sotsialistlikku oktoobrirevolutsiooni ümbritsevatest mõisatest, linnamajadest ja sellel pole mitte ainult kunstilist, vaid ka ajaloolist väärtust.
Istmemööbel on eriti mitmekesine. Kaks kuldsete lüüridega kaunistatud avara nikerdatud seljatoega paaristatud tugitooli on näide 19. sajandi esimese veerandi vene kodumööblist. On vorme, millel puudub peaaegu kaunistus, mis on spoonitud mustade silmadega kuldse Karjala kasega.
Sel ajal ilmus aadlimõisa sisemusse veel üks tuba, nn diivaniruum, mille asendamatuks aksessuaariks oli diivan. Tavaliselt on need pehmed ristkülikukujulised diivanid, selja- ja küünarnukkide ülaosa on spoonitud nendel aastatel laialt levinud Karjala kase või mahagoniga. Interjööris oli diivan ühendatud tugitoolide ja esilauaga. Selliseid variatsioone leidub meie ekspositsioonis ja need annavad tunnistust impeeriumi ajastul juba väljakujunenud sisust. See mööbel erineb esiosast: kuldamist on vähem, pronksi asemel kasutatakse levkadel kullatud puitu, säilib üks traditsioonilistest vene käsitööliste poolt nii armastatud puidutöötlemisviisidest - nikerdamine.
Muuseumi kogumistegevus jätkub. Viimastel aastatel on dekoratiiv- ja tarbekunsti kollektsioone täiendatud huvitavate eksponaatidega, millest parimad on oma koha ekspositsioonis leidnud.
