Francisco de Goya - geniálny Španiel maliar V modernej dobe, majster žánrov portrétu a kritického realizmu, vytvoril v záverečnej fáze svojej tvorivej kariéry celú zbierku mystických a desivých obrazov s názvom „Black Pictures“.
Po absolvovaní školy neďaleko Zaragozy odchádza 17-ročný Francisco do Madridu, aby vstúpil na Akadémiu výtvarných umení. Treba poznamenať, že ako dieťa Francisco nedosiahol veľký pokrok v osvojovaní školských osnov a učenie sa mu dostávalo ťažko, ale vidiecky učiteľ umenia si okamžite všimol neobyčajné schopnosti mladého Francisca. Mladý umelec, inšpirovaný uznaním, sníval o kapitálovej akadémii, dvakrát sa mu tam však nepodarilo vstúpiť.
Goya sa ale stal jedným zo študentov slávneho majstra Francisca Bayeu. Goyov menovec maľoval obrazy žánru „neoklasicizmu“ populárneho v tých rokoch, pre ktorý je typický záujem o klasické starožitné diela maľby a architektúru. Mimochodom, Bayeuova sestra Josefa sa neskôr stala manželkou Francisca Goyu. V roku 1779 majster namaľoval slávny portrét svojej manželky Josefa.
Portréty raného obdobia umelcovej tvorby sú fotograficky presné a jeho pozornosť k detailom je zarážajúca. Farby na Goyových obrazoch z tohto obdobia sú veľmi jemné a prirodzené - všimnite si, ako realisticky vyzerá jemná tvárenka Josefa na tvári.
V roku 1774 vytvoril Goya celú sériu diel s náčrtmi epizód v živote obyčajných ľudí. Hlavnými hrdinami týchto obrazov boli „mahi“ - krásni a ľahkomyseľní ľudia a „maho“ - mladí páni. Stojí za zmienku, že Francisco dostal objednávku na túto sériu diel od samotného kráľa Karola III. Vysvetľuje to nielen rastúca popularita mladého umelca, ale aj kariérny rast jeho učiteľa Francisca Bayeu. Mimochodom, hojdačky sa často objavovali na Goyových obrazoch, napríklad obraz „Hojdačky na balkóne“ bol namaľovaný v rokoch 1805-1812.
Keď sa sám Goya stal dvorným maliarom kráľa Karola IV., K jeho menu bola pridaná aristokratická predpona „de“. V roku 1800 vytvoril Francisco skupinový portrét kráľovskej rodiny s názvom „Rodina kráľa Karola IV.“
Napriek vysokej technike maľby vyzeral portrét kráľovskej rodiny veľmi nelichotivo - jeden z Goyových súčasníkov, umelecký kritik, nazval ľudí zobrazených na plátne „rodinou pekára, ktorý vyhral v lotérii“. Venujte pozornosť kompozícii - v strede obrázka je manželka panovníka Maria Luisa a na boku je sám Karl. Nie je to vôbec náhoda, pretože Karl bol infantilnou slabou vôľou a mal pod palcom prefíkanú a vypočítavú manželku, ktorá sa čoskoro stala de facto hlavou krajiny.
„Caprichos“
Milovníci realizmu si môžu vychutnať vynikajúce portrétyTento umelec, ktorý vytvoril Francisco, bol však veľmi mnohostranný a jeho tvorivá genialita sa v tomto žánri zmenšila. Ešte pred maľbou skupinového portrétu kráľovskej rodiny v rokoch 1797 - 1799 vytvoril Goya sériu leptov s názvom Caprichos (Whims), ktorá je venovaná zosmiešňovaniu a prejavovaniu ľudských nerestí a nespravodlivosti feudálno-kancelárskej spoločnosti.
Na centrálnom leptaní série, ktorá sa volá „The Sleep of Reason Begins Monsters“, môžeme vidieť spiaceho muža, za ktorého chrbtom sa prebúdzajú a aktivujú rôzne zvieratá a príšery, z ktorých niektoré naznačujú iba hrozivé tiene.
Názov tejto práce sa stal úlovkovým slovným spojením - ak človek neposlúcha hlas rozumu, jeho myšlienky a fantázie sa zmenia na nechutné príšery generované zlými a základnými inštinktmi. Toto leptanie možno interpretovať symbolicky - človek, ktorý zaspal, znamená myseľ, ktorá prestala všetko ovládať a zaspala, čím dala týmto strašným zvieratám slobodu.
Na leptoch sú hriechy a neresti, ktoré sú vlastné ľuďom, prezentované v groteskno-surrealistickej podobe. Napríklad tu môžeme vidieť ženu, ktorá sa nemôže pozerať na obeseného muža, ale môže si z jeho úst vziať mincu, ktorá sa podľa starého zvyku vkladala do úst mŕtveho.
Je potrebné poznamenať, že usporiadanie figúrok pri každom leptaní nie je náhodné: mnohé zo škaredých tvorov sú karikatúrami ľudí z ľudu a ušľachtilých osôb madridského kráľovského dvora a u účastníkov sobôt a sviatkov zlých duchov sú viditeľné črty kráľa, kráľovnej a hlavných vodcov inkvizície.
V tomto leptaní vidíme príšery orezávať si pazúriky na nohách. Sám svoju prácu okomentoval takto: „Mať dlhé nechty je také odsúdeniahodné, že je to zakázané aj pre zlých duchov.“ “ Pravdepodobne mal pán na mysli potrebu „strihania nechtov“ (zjavne symbol pokrytectva), ktorá vznikla medzi dokonca najkrvavejšími katmi z inkvizície, ktorí kvôli veľkému množstvu spáchaných zverstiev stratili svoj ľudský vzhľad.
Nesmrteľné diela, ktoré sú klasikou satiry, by možno nikdy neboli zverejnené, pretože žiadnemu cenzorskému orgánu nemohlo chýbať také ostré posmešenie mocných sveta. „Caprichos“ bol zachránený osobným zásahom kráľa Karola IV. (Hovorilo sa, že šibalský panovník sa s potešením spoznal v niektorých leptoch).
Ako hovoria umeleckí kritici, hlavnou postavou diela každého majstra v sérii Caprichos je svedomie, nezaujato hodnotiace názory a nálady, ktoré v spoločnosti panujú. Z jej strany sa všetky ľudské neprávosti zdajú také škaredé.
„House of the Deaf“
Keď mal pán 46 rokov, náhle ochorel. Ochorenie bolo ťažké, hlavnými príznakmi boli ochrnutie, hluchota a dočasné zhoršenie zraku. Mimochodom, ani teraz nemôžu vedci dospieť k definitívnemu záveru, aký druh ochorenia umelec utrpel. Francisco sa z choroby vyliečil, ale v roku 1820, keď mal už 70 rokov, sa dostal do relapsu. Umelec, ktorý bol postihnutý chorobou, odišiel z kráľovského dvora (v tom čase bol dvorným maliarom Ferdinanda VII.) A usadil sa v malom vidieckom dome v blízkosti Madridu. Je to tento dom, ktorý bude neskôr na celom svete známy ako „Dom nepočujúcich“. Francisco de Goya opäť začal pracovať a vytvárať majstrovské diela, ktoré by sa neskôr volali „Čierne obrazy“.
Reč je o tmavých, neskutočných freskách, ktorými Francisco obložil steny domu. Sú ako nočné mory a znepokojujúce prchavé vízie, ktoré vytvára chorá predstavivosť.
Farebná schéma väčšiny diel je veľmi tmavá a ponurá, prevládajúcimi farbami sú čierna, sivá a rôzne odtiene hnedej. Občas sa vyskytnú postriekania červenou a bielou, ktoré však iba zvyšujú ponurú atmosféru a vytvárajú ťažkú \u200b\u200bdepresívnu atmosféru. Ako napríklad v najslávnejšom diele série - „Saturn požierajúci svojho syna“.
Saturn - najvyšší boh starorímskeho panteónu - je tu zobrazený ako šialené, neprimerané monštrum, ako dravý vták. V diele môžete vidieť stelesnenie iracionalizmu a nezmyselnej nenávisti, ktoré boli pre umelca také nechutné.
V hlavnej obývacej izbe „dolného poschodia - obdĺžnikového tvaru, ktorá sa tiahla od vchodu do zadnej časti miestnosti, bolo sedem štylisticky homogénnych kompozícií zoskupených do integrálneho súboru. Jedna (Iriarte to nazvala, dve staré ženy jediace zo spoločného jedla)“ bola umiestnená nad tou, ktorá sa urobila nakoniec na stene haly so vstupnými dverami v podobe desudeportu (z francúzskeho dessus de porte, doslova „nad dverami“) - dekoratívna kompozícia umiestnená nad dverami. Šesť ďalších vyplnilo všetky móla: na protiľahlej stene boli vertikálne kompozície oddelené oknom, Saturn požierajúci svoje deti „(vľavo od okna) a Judita odsekáva Holofernesovu hlavu“ (vpravo); na ľavej pozdĺžnej stene orámovanej dvoma oknami alebo dvoma krbmi - vlys, Sabbat čarodejníc “, a na druhej strane, na pravej stene orámovanej dvoma krbmi alebo skriňami - vlys Púť k svätému Izidorovi“, obraz ľudového festivalu, ktorý sa každoročne koná v Madride 15. mája; nakoniec je na stene pri vstupe napravo od dverí (vedľa sabatu „a proti Saturnovi“) opäť vertikálna maľba Leocadia “, inými slovami portrét Leocadie Weissovej, ktorá sa stala milenkou Domu nepočujúcich, a naľavo (vedľa, Púť „a proti, Judith“) - tiež vertikálna maľba, Dvaja starci. V podobnej sieni na hornom poschodí bolo osem stien vhodných na vymaľovanie, tu boli pozdĺžne steny rozdelené na polovicu okennými a krbovými otvormi. Goya ich však namaľoval iba sedem. V zadnej časti sály boli na čelnej stene vľavo a vpravo od okna zvislé panely, ktoré štýlovo súviseli s maľbami dolného poschodia, Politici „a, Dve vysmiate ženy“; na ľavej pozdĺžnej stene -, Bull Shepherds "a, Atropos" a na pravej strane -, chodník inkvizície "a, Asmodeus". Tieto štyri horizontálne kompozície sa už štýlovo veľmi líšia od prvých dvoch. Líši sa od nich siedmy obraz (opäť zvislý) - záhadný, Pes, „napravo od predných dverí. Na rozdiel od spodného cyklu zostal horný nedokončený a netvoril jediný súbor.
Saturn požierajúci svoje deti. 1820-1823
Kombinovaná technika na plátne. Presunuté z opláštenia steny.
Veľkosti: 143,5-81,4 cm.
U Saturnu „je pozadím maľby uhľovočierna kozmická diera“, v hĺbke ktorej postava starodávneho božstva, zosobnenie všežravého prvku Času, vystrelila ako zahusťujúci sa oblak sopečného popola. Jeho zámerne rozptýlené obrysy vo vesmíre spája kŕč zúrivo zvíjajúceho sa pohybu. Zdá sa, že posúva okolitú temnotu, rozdeľuje hranice svojej priestorovej bunky, aby sa vymanila do priestoru haly. V nej viditeľne anorganicky a organicky, ľudsky a primitívne ľudsky jeho hrčovité formy pripomínajú zvláštne prepletenie hrubých konárov stromov; jeho hranatý, natiahnutý a akoby členité členy evokujú v našom vedomí obraz obrie tarantule, ktorá sa okamžite zmocní svojej koristi, a vypúlené oči Saturna sú ako oči ryby.
Judith odrezala Holofernesovu hlavu. 1820-1823.
Kombinovaná technika na plátne. Presunuté z opláštenia steny.
Veľkosti: 146-84 cm.
Daroval barón Émile d "Erlanger, 1881
, Judith „vzniká z iného druhu temnoty - nie kozmickej, ale skôr pozemskej alebo presnejšie podzemnej„ suterény “, osvetlenej takmer nepríjemnou kombináciou zamrznutého a studeného mesačného svetla prenikajúceho z ničoho nič a slabo žiariaceho blikania sviečky, v ktorom sa skrýva V jej náručí starý sluha sprevádzajúci biblického bojovníka. Tu vládne energia pozemských činov zachytených v jej okamihu. Hneď ako vyskočila z postele Holofernes (sotva viditeľná vpravo), bez toho, aby si upratala rozstrapkané oblečenie pokrčené láskavým pohladením, hodila hrdinka meč nad hlavu spiaceho asýrskeho veliteľa a teraz to usekne (tu prvá vizuálno-sémantická korešpondencia medzi ňou a Saturnatom začne jeho obeť zožierať z jeho hlavy) Juditin pohyb vpred, jej ostro odľahčená tvár, rameno, ruka s mečom - to všetko tiež vyčnieva z priestorového poľa maľby, keďže kolená, ruky a hlava Saturna.
Čarodejnica Sabbat. 1820-1823
Veľkosti: 140,5-435,7 cm.
Daroval barón Émile d "Erlanger, 1881
Pôvodná maľba Sabbat ", zobrazujúca zhromaždenie čarodejníc, ktoré masovo uctievajú kozu diabla, počúvajú jeho kázne a obdarúvajú ho mladým nováčikom, ešte neboli odrezané na okrajoch a natiahnuté takmer šesť metrov namiesto súčasných štyri a pol. Dav čarodejníc potom objal hlboký a rozšírený temný priestor, kde sa búrlivá nočná obloha zmiešala s pozemskou oblohou. Na ich okraji potom visel gigantický elipsoid zlepených a rojiacich sa tiel, ktorého pohyby ju nevyvážili a prinútili ju otáčať sa ako galaxia, tangenciálne zachytávajúcim aj skutočný priestor haly.
Púť k svätému Izidorovi. 1820-1823
Veľkosti: 127-266 cm.
Darované v roku 1881.
Táto nástenná maľba zobrazuje festival, ktorý sa oficiálne slávil v Madride 15. mája, v deň svätého Izidora, oráča, patróna mesta. Už to nie je extrémny triumf živlov a síl Zeme, ako na predchádzajúcej nástennej maľbe, ale skutočný život v Madride, scéna morálky, „ako čin Judith, ktorá sa nachádza neďaleko, nie je kozmogonickým mýtom, ale skutočným, aj keď sakralizovaným príbehom. Sú to ľudia, ktorí pri západe slnka alebo pred búrkou odštartovali a vyrazili na cestu. Vedie ich iba slepý muž s mohutným, takmer štvorcovým trupom. Iba vpredu (na protiľahlej stene sály, pred odstránením nástenných malieb) čaká jeho čertovská slávnosť.
Leocadia. 1820-1823.
Kombinovaná technika na plátne, prenesená z obkladu steny.
Veľkosti: 145,7-129,4 cm.
Darované v roku 1881.
Dvaja starí muži (staré ženy?), Ktorí jedli z toho istého jedla. 1820-1823.
Kombinovaná technika na plátne. Prenesené z opláštenia steny.
Veľkosti: 49,3-83,4 cm.
Darované v roku 1881.
Dvaja mnísi (starí muži). 1820-1823.
Kombinovaná technika na plátne, prenesená z obkladu steny.
Veľkosti: 142,5-65,6 cm.
Darované v roku 1881
Politici. 1821-1823.
Kombinovaná technika na plátne. Prenesené z obloženia steny.
Veľkosti: 126-66 cm.
Darované v roku 1881.
Procházka inkvizície. 1821-1823.
Kombinovaná technika na plátne. Prenesené z opláštenia steny.
Veľkosti: 127-266 cm.
Darované v roku 1881.
„Ponuré obrázky“
Poďme sa teda venovať určitému okamihu v životopise Goya - 1819. Umelec získava dvojpodlažný statok na brehu rieky Manzanares v blízkosti Madridu. V rovnakom období opäť vážne ochorie. Umelec bojuje s chorobou, ale hluchota ho preberá čoraz viac. Preto podivné meno, ktoré panstvu dal samotný Goya - „Dom nepočujúcich“ - „Quinto del Sordo“ - nie je vôbec náhodné. V nasledujúcich troch rokoch Goya natrel steny svojho domu technikou asecco na navlhčenú omietku. S istotou je známe, že „Gloomy Pictures“ boli namaľované na staršie obrázky, ktoré Goya použil ako základ.
V roku 1823 Goya odišiel do Bordeaux a prenechal svoje panstvo vnukovi Marianovi - možno preto, aby chránil majetok pred možnou konfiškáciou po obnovení absolútnej monarchie v Španielsku Ferdinandom Siedmym. Po celé polstoročie boli obrazy Domu nepočujúcich verejnosti neznáme, s výnimkou niekoľkých priateľov umelca a odborníkov. V roku 1874 začal umelec Salvador Martinez Cubells na žiadosť francúzskeho bankára Frederica Emile d „Erlangera prevádzať všetky obrazy zo stien na plátna. Trvalo to niekoľko rokov. D“ Erlanger chcel obrazy predať na svetovej výstave v Paríži, nebolo to však predurčené na uskutočnenie, a v roku 1881 daroval obrazy obrazom múzea Prado v Madride, kde sú dodnes.
Sám Goya svojim „Ponurým obrázkom“ meno nedal. Urobil to jeho priateľ, umelec Antonio Brugada, ktorý po Goyovej smrti v roku 1828 katalyzoval celý cyklus. Výsledkom bolo, že obrazy dostali tieto mená:
Prvé poschodie domu.
- "Festival v San Isidro"
- "Čarodejnica Sabbath"
- „Judith a Holofernes“
- "Saturn požierajúci svoje deti"
- „Doña Leocadia Zorilla“
- „Starec a mních“ alebo „Dvaja starci“.
Druhé poschodie domu.
- „Fantastické vízie“ alebo „Asmodeus“
- „Púť k prameňu San Isidro“
- „Atropos“ alebo „Fate“
- „Duel s klubmi“
- „Smejúce sa ženy“
- "Čítanie mužov"
- "Pes"
- „Dvaja starci jedia polievku“
Umiestnenie obrazov v dome je známe z fotografií, ktoré urobil fotograf Jean Laurent v roku 1874. Vďaka týmto fotografiám je známe, že maľby boli zarámované aj formovaním, rovnako ako okná a dvere na dome. Okrem toho si môžete všimnúť rozdiel v stave obrazov pred ich prenosom na plátna a pozrieť si chýbajúce fragmenty.
O procese samotného maľovania na stenu nie sú k dispozícii žiadne aktuálne informácie. V tejto súvislosti sa dokonca hovorilo o tom, že obrazy nenamaľoval Goya - existovala teória, že ich namaľoval Javier, jeho syn, po tom, čo Goya odišiel do Bordeaux. Kritici umenia však túto teóriu odmietajú - technika, ktorou sú fresky vyrobené, a ich štýl potvrdzuje autorstvo umelca.
Nie je známe, čo presne viedlo Goya k tomu, aby maľoval steny svojho domu práve týmito predmetmi. Je ale známe, že obrazy vznikli v nie najlepšom období umelcovho života. Jeho fyzický stav bol nestabilný a stav života v Španielsku bol všeobecne nestabilný. V krajine prebiehala občianska vojna, ktorá sa skončila obnovením absolútnej monarchie. Tri roky tejto vojny sa zhodovali s obdobím písania „Temných pláten“. Na obrazoch je ľahké vysledovať obdobu vtedajších situácií v sociálnej, politickej a náboženskej sfére krajiny. Poďme si rozobrať niektoré z diel.
„Saturn požierajúci svoje deti“ je skutočne strašidelné dielo, pri pohľade na ktoré človek prebudí strach, ale v každom prípade nechuť a úzkosť. Starodávne božstvo - Saturn - je zobrazené na pozadí čierno-čiernej tmy, jeho postava je zlomená a zdá sa, že bije v kŕčoch, rukami, podobne ako pri prelínaní konárov stromov, drží telo dieťaťa, ktorého hlava Saturn odhryzne. Na plátne vyniká krv v alarmujúcej červenej farbe. Dá sa povedať, že Goya to napísal v depresívnom stave, a možno s myšlienkou na vojnu v Španielsku môžeme Saturn porovnať s krajinou, ktorá ničí svoje vlastné deti.
Na maľbe „Judita a Holofernes“ kraľuje energia pozemských činov zachytená v jej okamžitosti. Hneď, ako skočila z Holofernesovej postele (mierne viditeľná vpravo), bez toho, aby upratala svoje rozstrapatené, pokrčené šaty na láskavé pohladenie, odhodila hrdinka meč cez hlavu spiaceho asýrskeho veliteľa a teraz ju odsekne (tu sa objaví prvá vizuálno-sémantická korešpondencia medzi ňou a Saturnom - začal ju zožierať jeho obeť z hlavy). Juditin pohyb vpred, jej ostro odľahčená tvár, rameno, ruka s mečom - to všetko trčí aj z priestorového poľa maľby, ako kolená, ruky a hlava Saturna.
Púť na San Isidro je odrazom Goyovej staršej práce, napísanej v roku 1788, Slávnosti v deň svätého Izidora. Obe diela zobrazujú jeden z obľúbených sviatkov obyvateľov Madridu. Každý rok 15. mája chodili na brehy rieky Manzanares, aby si urobili piknik, zatancovali si a napili sa liečivej vody z prameňa, ktorý podľa legendy našiel svätý Izidor. A ak maliar v roku 1788 predstavil túto scénu ako farebný a veselý štátny sviatok plný bezstarostnej zábavy, potom v neskoršej verzii z „Domu nepočujúcich“ dominujú tóny čiernej a vládne alarmujúci pocit hroziacej bezprostrednej katastrofy. Na suchom nerovnom teréne blúdi dav ľudí, schúlený tesne k sebe. Ich tváre skresľujú príšerné grimasy, ktoré vyjadrujú strach, bolesť, hrôzu, zlobu a beštiálnu zlobu.
Rovnaké motívy sa objavujú aj v Sabbate čarodejníc. Kompozičným stredom obrazu je tiež škaredý dav bez tváre, sústredený okolo postavy kozy v mníšskej sutane, počúvajúci každé slovo posla satana. Tváre ľudí sú škaredé grimasy, ktoré ani nevyzerajú ako tváre ľudí - Goya akoby chcel zdôrazniť, ako môže človek ľahko stratiť svoj ľudský vzhľad.
V sekcii „Duel v kluboch“ nájdete aj reakciu na vojenské udalosti, ktoré sa dejú po boku umelca - dvaja ľudia, ktorí sú si navzájom tak podobní, sa snažia navzájom zmrzačiť ťažkými klubmi v krutom slepom súboji. Nevidíte, ako sú ich nohy na zemi - zdá sa, že plávajú v priestore, rovnako ako postavy na obrazoch „Atropos alebo Destiny“ a „Asmodeus“.
Tieto obrazy sú plné mystiky, zdá sa, že zobrazujú úplne iný, neskutočný svet, nedá sa ani len povedať, kto sú postavy obrazov - ľudia alebo nejaké fantastické tvory. Dej maľby "Atropos" je interpretáciou obrazov starogréckych bohýň osudu - Moir alebo osud ako taký Homer, Hesiod, Virgil a ďalší antickí autori. Moiraovcov viedla Atrope, bezohľadná bohyňa, ktorá nožnicami prestrihla nitku života. Jej spolubojovníkmi boli Clotho a Lachesis, na plátne je však štvrtá postava, ktorá pripomína muža, ktorý má zviazané ruky - možno preto, že je bezmocný pred bohyňami, ktoré určujú jeho osud.
„Pes“ je namaľovaný svetlejšími farbami ako iné „ponuré plátna“, stále však v sebe nesie smútok a beznádej - na obrázku je hlava psa, ktorý sa topí buď vo vlnách mora, alebo v hromadách piesku - presný dej obrázka je nevysvetliteľný, je nemusí byť dokončená vôbec, možno len špekulovať. Papuľa psa smeruje nahor, smutné oči sa pozerajú niekam dopredu, akoby hľadali záchranu. Na fotografii Laurenta zhotovenej v roku 1874 je možné vidieť obrysy pripomínajúce útes a postavy vtákov, na ktoré sa pes môže pozerať.
Rozsah všetkých štrnástich pláten je čierny, hnedý, piesčitý, tmavé odtiene, na obrazoch nie sú prakticky žiadne jasné, šťavnaté farby, okrem toho, že v „Duel“ vyniká kúsok modrej oblohy a v „Saturn“ je jasne červená krv. Vďaka takýmto tónom sa emócie, ktoré nesú zápletky samotných obrazov, mnohonásobne umocňujú. Nie je náhoda, že sa tieto plátna nazývajú „Ponuré“.
Ale treba povedať, že všetky názvy a interpretácie obrazov sú výsledkom aktivít iných ľudí, iných generácií. Nedáva sa nám zistiť, čo v umelcovi skutočne bolo, keď maľoval steny svojho domu, za akým účelom to urobil, komu chcel tieto obrazy nechať a čo s nimi povedať. Dá sa iba analogizovať so známymi životopisnými faktami o Goyi, s udalosťami, ktoré sa odohrali v 20. rokoch 20. storočia v Španielsku. Tieto udalosti sa nemohli odraziť v Goyovej práci, pozornej a citlivej, znepokojenej zmenami v živote jeho krajiny, všímajúc si ľudské neresti a slabosti a odhaľujú ich, ako to robil v sérii Caprichos.
Niet pochýb o tom, že nástenné maľby „Dom nepočujúcich“ sú jedinečným dedičstvom španielskeho a svetového umenia, maľby sú skutočne nezvyčajné a vynikajúce v období, keď boli maľované. V nich vidíme „skutočného“ Goya - umelec ich nakoniec namaľoval na steny svojho domu, a nie preto, aby ich dal na verejný súd alebo predať - čo znamená, že mohol presne preniesť svoje myšlienky a stavy na tieto plátna.
A „Two Old Men Eating Soup“ má veľmi podobnú atmosféru, výraz ako „The Potato Eaters“ od Van Gogha.
Pre úžasné obrazy ste získali veľmi dobré citáty. Mám ich veľmi rád.
Písanie priamo na stenu je fantastické. Mal som taký zážitok, neskutočný pocit.
Julia Ria:
22. novembra 2011 o 12:20
V porovnaní s Van Goghom. Áno, rovnaké pochmúrne farby, rovnaká atmosféra dusenia a bezmocnosti alebo čo ... Mne sa najviac páči „Pes“ z týchto obrazov, túto zvláštnu atmosféru vytvoril Goya.
Nepamätám si, čítali ste túto knihu o Goyovi Feuchtwangerovi? Končí sa presne na mieste, kde sa umelec rozhodol namaľovať steny svojho domu. Mala tu byť druhá časť, ale ... spisovateľkin život bol prerušený - taký nespravodlivý.
:
22. novembra 2011 o 13:47
Pes má taký žalostný vzhľad, toľko samoty, zášti v ňom a pred ním je sotva rozoznateľný tieň (ale možno sú to výčnelky steny), na ktorý vyzerá s otázkou: „Prečo si ma opustil?“ ...
Nepamätám si, či som čítal Goya Feuchtwangera, ale to mi nebude brániť prečítať túto knihu, keď bude mať správna nálada.
Tieto neskoršie Goyove diela sú čistým expresionizmom. Veľmi predbehol svoju dobu.
:
24. novembra 2011 o 18:07
:
25. novembra 2011 o 11:30
Dlho som neprijímal a odmietal konceptuálne umenie, rôzne divoké odpudivé vystúpenia, akcie, happeningy a podobne. V Rusku je tento pojem prijatý - súčasné umenie, vo zvyšku sveta o ňom nevedia.))
Ako príklad možno uviesť škandalózne huncútstva najslávnejšieho ruského umelca, psieho muža Olega Kulika. Veľmi sa mi páči jedno z jeho starých diel „Russian Eclipse“, kde je nahý s červeným transparentom v ruke.))
Trvalo mi dlho, kým som si prečítal príslušnú literatúru a články o súčasnom umení, kým som sa začal presviedčať, že v umení má všetko svoje miesto. A nemožno poprieť nič.
Nechápal som lepšie, ale aj tak si občas hovorím, čo sa deje v konceptuálnom (intelektuálnom) umení. Prečítajte si vyjadrenia Olega Kulika, zaslúžia si to. Napríklad, tu je jedna z jeho myšlienok:
"Všetci sú dobrí, ale klamú a umelec neklame, ale je chamtivý a arogantný egoista." Všetky tieto vlastnosti sú aj v človeku na ulici, ale v modernom svete je neslušné ich demonštrovať. Najhoršia vec na svete pre laikov nie je atómová bomba, ani chudoba, ale to, čo o vás povedia susedia. Umelec sa toho nebojí. ““
A tu je ďalší, veľmi sa mi páčil:
„Umenie z dôvodu predaja už nie je umením.“
Moje odmietnutie a odmietnutie teda vyplýva z komerčného umenia, obrazov na predaj. Ale bojujem už dlho a s týmto „spravodlivým hnevom“ celkom úspešne.))
Yul, a čo vo tebe spôsobuje odmietnutie?
:
25. novembra 2011 o 16:16
A napriek tomu celkom nerozumiem, čo máte na mysli pod komerčným umením? Čo sa v zásade predáva alebo čo sa zámerne priťahuje na vkus verejnosti?
:
25. novembra 2011 o 17:37
Ako môžem byť proti všetkému, čo je na predaj? Ja sám som predal viac ako tucet obrazov. Navyše všetko nakoniec skôr či neskôr skončí na trhu s umením.
Samozrejme myslím tým, čo je nakreslené špeciálne na predaj. Teda vopred vedieť, čo kúpi verejnosť. Na jej vkus. Ale chápem to už dlho. Ľudia musia predsa z niečoho žiť. Prečo nie z obrázkov?
Ol, umelcov zámer je pre mňa dôležitý. Prvotné. To je rozdiel medzi pracovnými miestami. Preto nazývame jedno maliarske umenie a druhé nepomenujeme.
:
25. novembra 2011 o 18:13
Teraz chápem. Niekedy sa mi zdá, že ste všeobecne proti predaju
:
26. novembra 2011 o 12:57 hod
Samozrejme, že nie! Som za to. A som veľmi rád, keď sa umelcom podarí žiť zo svojho umenia. To je veľká vzácnosť.
V tejto veci je dôležité pochopiť, čo je cieľom a aké sú prostriedky.))
:
1. decembra 2011 o 13:57
Áno, áno, ak myslíte v prvom rade iba na peniaze, stratí sa duchovnosť a zmysluplnosť. Existencia zárobkov však nepopiera existenciu zmyslu. Nie vždy sú tieto veci každému jasné. Najmä u nás, v Rusku. Pán musí byť chudobný - sedí v mysliach mnohých, a ak je pán bohatý, potom to už nie je umenie. Ten istý Goya dostal za svoje portréty veľa peňazí a bol dvorným maliarom, na čo bol hrdý. Ale neprekročil sám seba.
Fráza: „Najstrašnejšia vec na svete pre človeka na ulici nie je atómová bomba, nie chudoba, ale to, čo o vás povedia susedia“ - úžasné! Jednoduché, ale presné. Čo na vás povedia ... susedia, kolegovia, len okoloidúci. Z toho všetkého nechutný (však, bohužiaľ, je to vo mne).
:
1. decembra 2011 o 15:20
Samozrejme nepopieram! Ľudia sú zmätení v pojmoch, to je pravda. A do akej miery mi to nesedí v hlave. Napríklad väčšina ľudí si myslí, že akýkoľvek obraz je umenie. Automaticky. Ak máte všetky atribúty: plátno pokryté farbami, rám, potom umenie. Čo ešte? Neprestáva ma to šokovať. Julia, prečo sa slovo umenie odvoláva na akýkoľvek obraz? Máte verziu?
Toto „to, čo o tebe hovoria“, mi je bolestne známe. Pretože mi to bolo vždy jedno, rodičia úplne zjedli následky mojej ľahostajnosti.))
Zvykli ste si na estetické potešenie a potešenie z umeleckých diel? Svet maľby vás však môže nielen prekvapiť, ale aj vystrašiť. V priebehu storočí veľkí umelci vytvorili vynikajúce plátna, vďaka ktorým sa vlasy publika zastavili.
Cítite sa nepríjemne, keď vidíte Krik? Alebo je tu iný nakreslený „hororový príbeh“, ktorý sa vám vtisol do pamäti? Artifex pre vás vybral 10 obrázkov, na ktoré by ste sa pred spaním určite nemali pozerať.
10. Caravaggio, Judith a Holofernes, 1599
Otvára sa toprealistické plátno talianskeho majstra podľa Starozákonnej knihy Judity. Legenda o dievčati, ktoré kvôli svojmu ľudu odišlo do tábora nepriateľa, získalo si dôveru veliteľa Holofernesa a v noci si usekávalo hlavu, dlho znepokojovalo umelcov v celej Európe. Zvyčajne bola zobrazovaná s odrezanou hlavou v ruke uprostred nepriateľského tábora, ale Caravaggio sa rozhodol zohľadniť samotný okamih vraždy. Vďaka tomuto rozhodnutiu umelec sprostredkoval nielen atmosféru krviprelievania, ale aj emócie vraha a obete.
9. Bouguereau, Dante a Virgil v pekle, 1850
Francúzsky umelec 19. storočia Adolphe William Bouguereau mal veľmi rád Danteho báseň Božská komédia. Umelec zobrazil scénu z piesne XXX tejto časti básne s názvom „Peklo“. V ôsmom kruhu podsvetia hlavní hrdinovia sledujú, ako dve zatratené duše zosmiešňujú podvodníka. Bouguereau dlho pracoval na farebnej palete maľby a študoval estetické hranice človeka. Obrázok mal podľa umelcovho plánu sprostredkovať strach a hrôzu z toho, čo sa deje v podsvetí. Na Salóne v roku 1850 táto práca znechutila verejnosť.
Slávny triptych je pre vedcov stále plný mnohých záhad. Žiadna z interpretácií práce, ktorá dnes existuje, sa nepovažuje za vyčerpávajúcu. Triptych ukázal plnosť umelcovej fantázie a zručnosti. Je zasvätený hriechu žiadostivosti a všetky tri časti do najmenších detailov odrážajú hlavnú myšlienku spoločnosti Bosch. Vonkajšie dvere triptychu zobrazujú pokojný obraz vesmíru, ale keď ich otvoríte, ponoríte sa do atmosféry šialeného chaosu.
7. Munch, smrť Marata, 1907
Nezamieňajte tento obrázok s majestátnym rovnomenným dielom, ktoré sa stalo akýmsi symbolom francúzskej revolúcie. Edvard Munch namaľoval svoje plátno 114 rokov po Davidovi a nesústredil sa na postavu revolučného publicistu, ale na okamih jeho vraždy. Autorka filmu „Výkrik“ svojim nenapodobiteľným spôsobom vykresľuje nahú Charlotte Cordayovú okamihy po tom, čo brutálne bodla Marata. Čerpanie ťahov a dostatok krvi prispievajú k strašidelnému efektu maľby.
6. Blake, Veľký červený drak a morská príšera, 1806 - 1809
Zaslúžene považovaný za jedného z najtajomnejších anglických maliarov a rytcov. Od detstva bol tento maliar trápený duchmi a víziami, neskôr ich zobrazoval vo svojich dielach. Blake venoval sériu obrazov Červenému drakovi zo Zjavenia Jána Evanjelistu. Na tomto obrázku drak zosobňuje Satana, týčiaci sa nad ďalším démonom - morským netvorom. Epický a podrobný dizajn príšer je nielen desivý, ale aj obdivuhodný.
5. Bacon, Study of the Portrait of Innocent X Velazquez, 1953
Dielo prehodnocuje „Portrét pápeža Inocenta X“. Klasika anglického expresionizmu napísala asi 40 takýchto pláten, ktoré sú zahrnuté v sérii „Screaming Popes“. Umelec zmenil farbu otcovho oblečenia z červenej na fialovú a celé plátno namaľoval do tmavých farieb. Vďaka majstrovskej technike dielo nevyvoláva asociácie s originálnym portrétom Velazqueza, ale pôsobí odstrašujúcim a depresívnym dojmom.
4. Dali, „Tvár vojny“, 1940
Táto maľba slávneho španielskeho umelca môže u diváka spôsobiť panický záchvat. Salvador Dali sa hrá nielen so symbolmi, ale aj s prenosom nálady. Konštrukcia hlavy obalenej hadmi, neustále sa zmenšujúce lebky v očných jamkách toho, čo bolo kedysi ľudské, symbolizuje nekonečný kolobeh smrti. V pravom dolnom rohu umelec „nechal“ svoju odtlačok ruky. A púšť typická pre Dalího prácu a žlté tóny dodávajú tomuto obrázku nádych paranoidného šialenstva.
3. Goya, „Saturn požierajúci svojho syna“, 1819-1823
Niektoré výtlačky môžu vydesiť aj dospelého človeka. Medzi nimi sa zdá byť najdesivejšou interpretácia zápletky zo starogréckej mytológie, kde titán Kronos požiera svoje deti v strachu, že by ich jedno z nich zvrhlo. Goya zobrazil šialenstvo na tvári už aj tak škaredého monštra, ktoré ešte viac umocňuje atmosféru hrôzy z toho, čo sa deje. Táto práca „zdobila“ múr v jeho „Dome nepočujúcich“, ťažko by však ktokoľvek iný chcel v noci prejsť okolo takého obrazu vo svojom dome.
2. Curry, Gallowgate Lard, 1995
Umelec Ken Curry sa narodil v Anglicku v roku 1960. Jeho pochmúrne plátna odrážajú procesy prebiehajúce v modernom svete. Curryho obrazy pôsobia na psychiku diváka, vytvárajú v ňom pocit beznádeje a strachu, ale zároveň ho tlačia k premýšľaniu. Strašidelný autoportrét umelca je ovocím jeho meditácií o metafyzických otázkach týkajúcich sa rozpadu modernej spoločnosti a ľudského vedomia.
1. Rapp, „Strata mysle nad vecou“, 1973
Aj keď sa pozriem na obraz rakúskeho umelca Otta Rappa, chcem okamžite odvrátiť zrak. Chátrajúca ľudská hlava na klietke pre vtáky, v nej nedotknutý jazyk - také „zátišie“ namáha nielen psychiku publika, ale spôsobuje aj čisto fyziologické nepohodlie. Môžete hádať, aký význam vložil umelec do diela, ale je to celkom zrejmé - toto je skutočne desivý obraz! A ak niekto sníva o podobnej zápletke v noci, potom „poďakovanie“ za nočnú moru potrebuje majstrovskú techniku \u200b\u200bRappa.
