XVII storočia ukázal svetu dva umelecké školy - holandské a flámske... Obaja boli dedičmi umeleckých tradícií Holandska, európskej krajiny, na ktorej území sa v tom čase formovalo katolícke Flámsko, pomenované podľa najvýznamnejšej provincie (dnes je to územie Belgicka a Francúzska). Ostatné provincie, ktoré obhajovali svoje dodržiavanie myšlienok reformácie, sa zjednotili a začali sa nazývať Holandská republika alebo jednoducho Holandsko. V 17. storočí boli v Holandsku asi tri štvrtiny obyvateľov mestské, pričom za hlavnú vrstvu sa považovala stredná trieda. Reformovaná cirkev upustila od nádhery výzdoby, neexistovali žiadni korunovaní zákazníci a klanová aristokracia, čo znamená, že zástupcovia buržoázie sa stali hlavnými konzumentmi umenia. Priestor vyhradený na maľovanie bol obmedzený na meštianske domy a verejné budovy.
Rozmery obrazov spravidla neboli veľké (v porovnaní s palácovými maľbami alebo oltárnymi kompozíciami pre kostoly) a pozemky mali komorný charakter a zobrazovali výjavy zo súkromného každodenného života. Hlavný úspech holandského umenia v 17. storočí. - pri maľovaní na stojan. Človek a príroda boli predmetom pozorovania a zobrazenia holandskými umelcami. Pracovitosť, pracovitosť, láska k poriadku a čistota sa odrážajú v obrazoch zobrazujúcich holandský život. Preto boli povolaní holandskí majstri 17. storočia (s výnimkou Rembrandta a Halsa) „Malá holandčina“ (obrovský okruh holandských maliarov 17. storočia. vznikli v súvislosti s komornou povahou ich tvorby, malou veľkosťou ich obrazov (krajina, interiér, predmety dennej potreby). Malá holandská maľba sa vyznačuje jemnosťou písania, výraznosťou malých detailov, krásou svetla a farebných odtieňov, všeobecným pocitom pohodlia, blízkosti a jednoty postáv v prostredí krajiny alebo interiéru. Medzi najvýznamnejších predstaviteľov patria Jan Wermer, bratia Ostadeovci (Adrian van O. a Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).
Väčšina umelcov našla motívy svojich obrazov v rámci svojej rodnej krajiny podľa Rembrandtovej rady: „Naučte sa v prvom rade sledovať bohatú prírodu a vystavovať predovšetkým to, čo v nej nájdete. Nebo, zem, more, zvieratá, dobrí i zlí ľudia - to všetko slúži na naše cvičenie. Roviny, kopce, potoky a stromy poskytujú umelcovi dostatok práce. Mestá, trhy, kostoly a tisíce prírodných zdrojov k nám volajú a hovoria: túžite po vedomostiach, rozjímajte o nás a rozmnožujte nás. ““ Produktivita umelcov dosiahla neuveriteľné rozmery, vďaka čomu vznikla konkurencia medzi maliarmi, čo zase viedlo k špecializácii majstrov. A možno aj z tohto dôvodu došlo k rozmanitej diferenciácii podľa žánru. Boli umelci, ktorí pracovali iba v žánri prímorskej krajiny alebo v žánri mestských pohľadov, alebo zobrazovali interiéry priestorov (miestnosti, chrámy). V dejinách maľby sa vyskytli príklady zátišia a krajiny, ale nikdy predtým tieto žánre nedosiahli taký masový charakter a sebestačnosť ako v Holandsku v 17. storočí.
Holanďania chceli na svojich maľbách vidieť celý rozmanitý svet. Odtiaľ pochádza široká paleta maľby tohto storočia, „úzka špecializácia“ na určité typy predmetov: portrét a krajina, zátišie a živočíšny žáner. V Holandsku neexistovali nijaké spojenia s Talianskom a klasické umenie nehralo rovnakú úlohu ako vo Flámsku. Zvládnutie realistických tendencií, doplnenie určitej škály tém a rozdelenie žánrov ako jednotný proces završujú 20. roky 17. storočia.
Dejiny holandského maliarstva 17. storočia. dokonale demonštruje vývoj diela jedného z najväčších portrétistov v Holandsku Frans Hals (1580-1666) Jeho činnosť bola takmer celá v Harleme. Tu bol už okolo roku 1616 povýšený na popredného významného maliara portrétov a svoju úlohu v tejto oblasti si udržal až do konca svojho života. Vzhľadom Halsa dospieva striktne realistický a uštipačne individuálny holandský portrét. Prekonané je všetko plaché, malicherné, naturalistické, čo odlišuje jeho predchodcov.
Počiatočná fáza Halsovho umenia nie je objasnená. Hneď vidíme majstra riešiť najťažší problém skupinového portrétu. Maľuje jeden za druhým zo strelcov St. Hadrián a sv. Georga (Haarlem, Múzeum Fransa Halsa), kde je živosť preplneného stretnutia a jasnosť typov každého z prítomných sprostredkovaná s nenapodobiteľnou ľahkosťou. Obrazová zručnosť a kompozičná vynaliezavosť zoskupení idú ruka v ruke na týchto portrétoch s mimoriadnou ostrosťou charakteristík. Hals nie je psychológ: duševný život jeho modelov pre neho zvyčajne plynie. A píše pre väčšinu ľudí, ktorých celý život prechádza v podmienkach intenzívnej, energickej činnosti, ale ktorí nejdú príliš hlboko do otázok psychologickej povahy. Ale Hals, ako nikto iný, nezachytáva vzhľad týchto ľudí, je schopný uchopiť najprchavejšie, ale zároveň najcharakteristickejšie vyjadrenie tváre, pózu, gestá. Veselý od prírody sa snaží zachytiť každý obrázok v okamihu animácie, radosti a nikto neprenáša smiech s takou jemnosťou a rozmanitosťou ako on. Portrét dôstojníka (1624, Londýn, Wallaceova zbierka), hojdajúceho sa na stoličke „Gaitgeisen“ (koniec 30. rokov 16. storočia, Brusel, umelecká galéria), „Gypsy“ (koniec 20. rokov 20. storočia, Louvre), alebo tzv. „Harlem Witch“ - „Malle Bobbé“ (Berlín) možno uviesť ako typické príklady jeho uštipačného a často energického umenia. Mužov, ženy, deti vykresľuje s rovnakým pocitom živého obrazu („ Portrét mladého muža s rukavicou“, OK. 1650, Ermitáž). Dojem živosti uľahčuje aj samotná Halsova technika, neobvykle voľná a s pribúdajúcimi rokmi rastie. Dekoratívna brilancia raných diel je následne temperovaná, farba striebristá, sloboda používať čiernobiele tóny hovorí o zručnosti, ktorá si môže dovoliť najodvážnejšie maliarske odváženie.
Na portrétoch neskorého obdobia (50. - 60. roky) mizne bezstarostná zdatnosť, energia a tlak. Na mužskom portréte Hermitage možno u všetkých impozantných postáv vysledovať únavu a smútok. Tieto črty ešte vylepšuje vynikajúco namaľovaný portrét muža v klobúku so širokým okrajom (múzeum v Kasseli). Khals v týchto rokoch prestáva byť populárny, pretože mu to nikdy nelichotí a ukazuje sa, že je cudzie degenerovaným vkusom bohatých zákazníkov, ktorí stratili svojho demokratického ducha. Ale práve v neskorom období jeho tvorivosti dosiahol Hals vrchol zručnosti a vytvoril najhlbšie dielo. V niektorých dielach sú načrtnuté impresionistické metódy farebných riešení. Hals maľoval nespočetné množstvo individuálnych portrétov až do posledných rokov svojho života, opäť sa však vrátil k skupinovým portrétom. Maľuje 2 portréty - vladárov a vladárov útulku pre seniorov, v jednom z nich našiel útulok na sklonku života. Na portréte vladárov niet kamarátstva s predchádzajúcimi kompozíciami, modelky sú nejednotné, bezmocné, majú zamračené pohľady, na tvárach je napísané devastácia. Ružovo-červená škvrna na kolene jedného z vladárov vnáša do ponurého sfarbenia (čierne, sivé a biele) zvláštne napätie. Takže vo veku 9 rokov vytvára chorý, osamelý a zbedačený umelec svoje najdramatickejšie a najvyberanejšie umelecké diela.
Umenie Hals malo pre svoju dobu veľký význam, ovplyvňovalo vývoj nielen portrétu, ale aj žánru žánru, krajiny, zátišia.
Žáner krajiny Holandsko 17. storočie obzvlášť zaujímavé. Toto nie je všeobecne príroda, akýsi všeobecný obraz vesmíru, ale národná, konkrétne holandská krajina, ktorú poznáme v modernom Holandsku: slávne veterné mlyny, púštne duny. Šedé nebo zaujíma v kompozíciách veľké miesto. Takto je zobrazený Holland Jan Van Goyen (1596-1656) a Salomon Van Ruisdael (1600-1670).
Úsvit krajinomaľby v holandskej škole patrí do stredu. 17 storočie Najväčším majstrom realistickej krajiny bol Jacob van Ruisdael (1628-1682), umelec nevyčerpateľnej fantázie. Jeho diela sú zvyčajne plné hlbokej drámy, či už sú to lesné húštiny („Forest Swamp“), krajina s vodopádmi („Waterfall“) alebo romantická krajina s cintorínom („židovský cintorín“). Ruisdaelova povaha sa objavuje v dynamike, vo večnej obnove. Aj tie najkomplexnejšie motívy prírody nadobúdajú pod umelcovým štetcom monumentálny charakter. Ruisdael má tendenciu kombinovať opatrné písanie s veľkou integritou a syntetickým obrázkom.
Narodil sa v Haarleme v roku 1628 alebo 1629. Jeho úplne prvé dochované dielo z roku 1646 vyzerá ako dielo zrelého majstra - a mal vtedy iba 18 rokov. S úplnou istotou možno povedať, že v roku 1648 sa Ruisdael stal členom Haarlem Artists Guild.
V mladosti Ruisdael veľa cestoval pri hľadaní prírody - bez odchodu však viac ako sto míľ od rodného Haarlemu. V polovici 50. rokov 16. storočia sa umelec presťahoval z Haarlemu do Amsterdamu, kde žil až do konca svojich dní.
Metropolitný Amsterdam sa v čase Ruisdaela nápadne odlišoval od provinčného Haarlemu (aj keď vzdialenosť medzi týmito mestami, aj vtedy, bola prekonaná za dve hodiny). Ruisdael nemaľoval svoje obrazy pre súkromné \u200b\u200bobjednávky, ale pre voľný predaj. Okolo roku 1670 sa presťahoval do samého centra mesta na námestie Dam, kde si prenajal byt priamo nad obchodom obchodníka s obrazmi a knihami Hieronyma Sveertsa.
Meindert Hobbema (1638, Amsterdam - 7. decembra 1709) - najvýznamnejší majster holandskej krajiny po svojom mentorovi Jacobovi van Ruisdaelovi.
Je známe, že Hobbema a Ruisdael cestovali spolu a vyrábali náčrty z prírody. V novembri 1668 sa Hobbema vydala za kuchára amsterdamského burgomastra a prostredníctvom nej získala miesto kontroly kvality dovážaných vín. Dlho sa verilo, že tým sa jeho maľba skončila.
Možno by sa musel maľovaniu venovať menej ako predtým, ale jeho najlepšie dielo The Alley at Middelharnis je datované rokom 1689 a ďalšia londýnska maľba Zrúcanina hradu Brederode je z roku 1671. Tieto neskoršie práce patria k najúspešnejším úspechom holandskej krajinomaľby a v skutočnosti tvoria čiaru v jej vývoji.
Umelec zomrel v chudobe, ale už v 18. storočí ho veľa napodobňovali a jeho diela sa stali predmetom zberateľskej rivality. Na rozdiel od Ruisdaela, ktorý najradšej zachytával divočinu, Hobbemu lákali pokojné vidiecke scény s výhľadmi na slnkom zaliate dediny, ktoré sa sem-tam miešali so stromovými zhlukami. Na týchto vidieckych idylkách je všetko napísané veľmi opatrne, najmä lístie.
Úzko súvisí s holandskou krajinou živočíšny žáner... Mnoho predstaviteľov krajinomaľby má záujem o prenos zvierat. Posledné uvedené sa veľmi často ukážu ako rovnocenné s čisto krajinnými prvkami a niekedy pre nich krajina neslúži viac ako na pozadí. Schopnosť identifikovať plemeno zvieraťa, jeho štruktúru, farbu, charakteristické pohyby je jednou z pozoruhodných vlastností Holanďanov. V kombinácii s touto zručnosťou dosahuje jemnosť sprostredkovania atmosféry a svetla medzi niektorými živočíchmi výnimočnú dokonalosť. Svedčia o tom početné diela Paulus Potter (1625-1654) a Albert Cape (1620-1691). Obaja spolu s maľbami zobrazujúcimi zvieratá pasúce sa alebo odpočívajúce pod holým nebom (Potterova farma, Ermitáž, 1649) namaľovali aj niektoré svoje kópie zblízka. Okrem všeobecných plánov Potter rád zobrazuje jedno alebo viac zvierat zblízka na pozadí krajiny („Pes na reťazi“). Obľúbeným motívom mysu Cape sú kravy pri napájadle („Západ slnka na rieke“, „Kravy na brehu potoka“). Maľba „Krajina so stádom, jazdcom a roľníkmi.“
Pokojná vidiecka scéna sa kúpe v zlatej žiare západu slnka. Teplé svetlo preniká do všetkých detailov kompozície a vytvára žiarivý efekt. To nápadne odlišuje Cape farbu od studených modrých a zelených farieb jeho súčasníkov, ako sú napr Meindert Hobbema... Zdanlivá náhodnosť umiestnenia zvierat je v skutočnosti starostlivo premyslená, aby sa ukázala hra svetla a tieňa.
Okrem toho patrí Cape na jedno z prvých miest medzi predstaviteľmi čistej krajiny. Jeho obrazy sa vyznačujú mimoriadnou zručnosťou prenášať zlato, slnečné svetlo, sú motívy mimoriadne rozmanité a zahŕňajú veľa prístavov (výhľady na more).
Iba pri prímorskej krajine (Marina) bola zasnúbená Ian Porsellis (1584-1632). Marina hrala v holandskom umení 17. storočia veľmi dôležitú úlohu a vychovala množstvo prvotriednych odborníkov. Zdá sa, že celkový vývoj prístavu je rovnaký ako vývoj, ktorý sa všeobecne pozoruje v histórii holandskej krajiny. Na začiatku sú kompozície jednoduché. Umelec vidí svoj cieľ dosiahnutý, ak sprostredkuje šírku mora, hojdajúce sa lode a vodu s najväčšou pravdepodobnosťou. Takže píše Jan Porcellis. V nasledujúcej generácii sa povaha prenosu morských druhov mení smerom k väčšej dynamike. Stále je pravda, že sa vytvárajú obrázky znázorňujúce pokoj vodného živlu, ale to teraz nestačí; búrky začnú hádzať lode na skaly, obrovské vlny sa im vyhrážajú smrťou a zaháňajú námorníkov, aby sa uchýlili do prístavu. V obidvoch prípadoch nie sú pre Bakgeisena žiadne ťažkosti (1631 - 1709). Jeho štetec s rovnakou virtuozitou sprostredkuje vyrovnanosť oblohy, cyklónov, postreku, skál a stôp po vrakoch.
Zátišie dosahuje vynikajúci vývoj. Holandské zátišie je, na rozdiel od flámskeho, skromné \u200b\u200bsvojou veľkosťou a motívmi obrazov intímnej povahy. Peter Klass (1597-1661), Willem Head (1594-1680) najčastejšie zobrazoval tzv. raňajky: jedlá so šunkou alebo koláčom na pomerne skromne podávanom stole. V šikovnom usporiadaní sú objekty zobrazené tak, že človek má pocit, akoby to bol vnútorný život vecí (nie nadarmo Holanďania nazývali zátišie „still leven“ - „tichý život“, a nie „nature morte“ - „mŕtva príroda“). Farba je zdržanlivá a rafinovaná (Kheda „Raňajky s homárom“, 1658; trieda „Zátišie so sviečkami“, 1627)
Willem Heda pracoval v Haarleme a ovplyvnil ho Peter Klas. Skromné \u200b\u200bzátišia - „raňajky“ od Kheda, ktoré zvyčajne zobrazovali malú sadu domácich potrieb a jedál, sa vyznačujú vynikajúcimi zručnosťami v sprostredkovaní textúry vecí, zdržanlivou striebristo zelenou alebo striebristo hnedou farbou („Raňajky s ostružinovým koláčom“, 1631, Galéria umenia , Drážďany; „Ham and Silverware“, 1649, Štátne múzeum výtvarného umenia, Moskva).
So zmenou v živote holandskej komunity v 2. pol. V 17. storočí sa s postupným zvyšovaním túžby buržoázie po aristokratizácii a stratou bývalej demokracie zmenila aj povaha zátiší. „Raňajky“ Hlavy sú nahradené luxusnými „zákuskami“ Willem Kalf (1619-1693). Jednoduché náradie nahrádzajú mramorové stoly, kobercové obrusy, strieborné poháre, nádoby z perleťových mušlí a krištáľové poháre. Kalf dosahuje úžasnú virtuozitu v sprostredkovaní textúry broskýň, hrozna, krištáľových povrchov. Jednotný tón zátiší predchádzajúceho obdobia vystrieda bohatá gradácia tých najvyberanejších farebných odtieňov.
Holandský maliar. V rokoch 1640-1645 pracoval vo Francúzsku, od roku 1653 - v Amsterdame. Neskôr Willem Kalf žil a pracoval hlavne v Amsterdame. Tento maliar zátiší mohol vďačiť hlbokým, sýtym farbám svojich obrazov za vplyv diela svojho súčasníka Jana Vermeera. Jeden z najväčších majstrov holandskej školy zátiší, Kalf namaľoval obidve skromné \u200b\u200bobrazy znázorňujúce chudobné kuchyne a záhrady („Nádvorie roľníckeho domu“, Štátna pustovňa, Petrohrad) a veľkolepé kompozície so vzácnym riadom a exotickým južným ovocím („Raňajky“). “, Štátne múzeum, Amsterdam;„ Zátišie “, Štátna pustovňa, Petrohrad). Virtuozita maliara zátišia v Kalfe sa prejavila v klasickom zušľachťovaní priestorových konštrukcií, v jemnom pocite originality a vnútornej hodnoty každej veci, v prepracovanosti a bohatosti čiernobielych a farebných vzťahov, vo veľkolepom kontraste rôznych textúr a materiálov.
"Zátišie s morským rakom, rohom na víno a pohármi". Kolekcia exotických a luxusných predmetov rozložených na stole, vymaľovaná brilantným remeselným spracovaním a hlbokým farebným vynímaním. Homár, vínny roh so šumivým filigránovým strieborným nastavením, priehľadné poháre, citrón a turecký koberec sú vykreslené s tak úžasnou starostlivosťou, že človek nadobudne ilúziu, že sú skutočné a dá sa ich dotknúť rukou. Miesto pre každú položku bolo vybrané s takou starostlivosťou, aby skupina ako celok vytvára harmóniu farieb, tvarov a textúr. Teplé svetlo obklopujúce predmety im dodáva dôstojnosť vzácnych šperkov a ich vzácnosť, nádhera a rozmarnosť odrážajú vycibrené chute holandských zberateľov v 17. storočí, v čase, keď boli zátišia mimoriadne populárne.
Holandské zátišie - jedna z umeleckých realizácií najdôležitejšej témy holandského umenia - téma súkromného života obyčajného človeka. Táto téma je plne zakomponovaná do žánrovej maľby. V 20.-30. 17 storočie Holanďania vytvorili špeciálny typ malej malomiestnej maľby. 40. - 60. roky - rozkvet maľby, ktorá oslavuje pokojný meštiansky život v Holandsku, meria každodennú existenciu. Aj v kruhu Hals, kde sa formoval aj flámsky maliar Adrian Browver, sa formoval zreteľný záujem o témy z roľníckeho života. Adrian van Ostade (1610-1685) - bol najväčší z hľadiska svojich obrazových zásluh v zobrazení roľníckeho života. Zvyčajne vykresľuje jej tieňové stránky („Boj“) Rovnako ako jej ďalší predstavitelia, aj on väčšinou pristupuje k svojim témam úplne v duchu ideológie vládnucej triedy a buď idealizuje realitu, alebo vidí v roľníkoch iba zábavné tvory, ktorých morálka vyvoláva smiech a vtipy ... („V dedinskej krčme“ 1660).
V neskoršom období jeho umenie získalo rysy lyriky a doterajšie zápletky vystriedali obrazy pokojného relaxu na prahu chaty alebo na nádvorí dedinskej krčmy, ako aj interiéry s výjavmi pokojnej rodinnej pohody (Village Concert, 1655, Ermitáž). Okrem takýchto maloformátových obrazov Ostade často namaľoval vo väčšom pôdoryse aj prísne realistické polofigúry zástupcov rôznych remesiel. Správne je Ostadeho vrcholné maliarske dielo považované za jeho „Maliara v ateliéri“ (1663), v ktorom umelec oslavuje ľudskú prácu bez toho, aby sa uchýlil k deklarácii alebo pátosu.
Hlavnou témou „malých Holanďanov“ však stále nebol roľnícky, ale meštiansky spôsob života. Spravidla ide o obrázky bez fascinujúceho deja. Na obrázkoch tohto žánru sa akoby nič nestalo. Žena číta list, páni a pani hrajú hudbu. Alebo sa práve stretli a zrodil sa im prvý pocit, ale ten sa iba načrtne, divák má právo špekulovať o sebe. Najzábavnejším rozprávačom tohto druhu obrazov bol Jan Stan (1626-1679). Pre Stena, na rozdiel od väčšiny jeho súčasníkov, stránka deja nie je ľahostajná. Na svojich obrazoch prisudzuje príbehu významnú úlohu a rád zobrazuje rôzne zábavné scény z každodenného života malomeštiactva. Majster v nich odhalí bystrý postreh, trefne charakterizuje typy a jemným veselým humorom rozpráva epizódy, ktoré si vybral. Orientačná je pre neho maľba „Chorý a lekár“ (okolo 1660, Ermitáž). V neskoršom období Stenovej činnosti tieto rysy strácajú na ostrosti a po všeobecnom trende vstupuje na cestu umenia, elegantnejšiu a oddanú problémom čisto vizuálneho vnímania skutočného sveta.
Dosiahnutá veľká zručnosť Gerard Terborch (1617-1681). Začal najdemokratickejšími príbehmi („The Grinder“). Vyznačoval sa najvyššou zručnosťou v obraze hodvábu a saténu, priehľadnosťou sklenených pohárov, povrchom akejkoľvek veci. Postavy sa veľmi často vyznačujú dobre známym Terborchovým aristokratickým vzhľadom, čo sa vysvetľuje jeho výberom modelov spomedzi šľachty. Sofistikovanosť Terborchovho umenia je do veľkej miery spôsobená jeho farbou, ktorej dominujú vynikajúce strieborné tóny. Medzi umelcove najlepšie obrazy patria napríklad „Pohár limonády“ (Ermitáž) a „Koncert“ (Berlín, Dahlem).
Interiér získava medzi malými Holanďanmi zvláštnu poéziu. Život Holanďanov sa odohrával hlavne v dome. Skutočný spevák tejto témy bol Peter de Hooch (1629-1689). Iluzívna povaha prenosu vecí ustupuje tomuto pánovi do pozadia a záujem sa zameriava na rozvoj priestorových vzťahov, najmä na vykreslenie interiérov, ako aj dvorov a ulíc, ktoré sa za nimi otvárajú („Hosteska so slúžkou“, Ermitáž, okolo roku 1660). jeho izby s pootvoreným oknom s nechtiac pohodenými topánkami alebo ponechanou metlou spravidla sú zobrazené bez ľudskej postavy, ale ľudia sú tu neviditeľne prítomní, vždy existuje prepojenie medzi interiérom a ľuďmi. Keď zobrazuje ľudí, zámerne zdôrazňuje zamrznutý rytmus, zobrazuje akoby život, zamrznutý, rovnako nehybný ako samotné veci („Yard“).
Spomalený rytmus života, prispôsobenie denného režimu, istá jednotvárnosť existencie dokonale sprostredkuje Gabriel Metsu (1629-1667; „Raňajky“). Všeobecným charakterom svojich žánrových obrazov je blízky Terborchovi, ale farebne živší.
Nová etapa v žánrovom maliarstve začína v 50. rokoch a spája sa s tzv. delftská škola, s menom umelcov ako napr Karel Fabricius, Emmanuel de Witte a Jan Wermer(1632-1675), známy v dejinách umenia ako Vermeer z Delftu (pomenovaný podľa miesta svojho pôsobenia). Umenie Vermeera Delfta patrí do neskorého obdobia vývoja Holandska. Generácia hrdinských, ale hrubých bojovníkov za nezávislosť a triezvych podnikateľov - organizátorov kapitalistickej ekonomiky - patrila do minulosti. Do historickej arény vstúpili ich vnuci, ktorí mohli bezpečne využívať získané výhody. Za týchto podmienok sa formuje živé, radostné umenie poslednej etapy rozkvetu holandskej republiky.
Toto obdobie zahŕňa zrelé, srdečné a zároveň jasné a jednoduché, napriek všetkej prepracovanosti techniky, umenie Vermeera z Delftu. Existuje len málo originálnych diel od Vermeera, iba niekoľko múzeí vlastní malé a vždy vzácne obrazy od delftského majstra. Vermeerova téma je viac-menej tradičná; mladé ženy čítajúce listy, vyšívajúce, v sprievode kavalíra, maliara pred stojanom, dievča len snívajúce pri okne („Dievča s listom“, Drážďany; „Kavalier a dáma pri Spinete“ atď.) - skrátka všetko, čo bol holandskými maliarmi zobrazený viackrát. Pokiaľ ide o predmet úpravy, v užšom slova zmysle nemá Vermeer nič originálne. Len v ojedinelých prípadoch sa prikláňa k zábavným zápletkám a vnáša do kompozície prvok akcie (At the Pimp, 1656, Dresden). Všetky jeho obrazy majú napriek tomu úplne individuálny charakter. Vo všetkých postavách, ktoré zobrazuje, je určitý druh ľahkej a ľahkej poézie a spolu s touto poéziou a jemnosťou je do všetkých jeho diel vtlačený zvláštny pocit drsnej jednoduchosti, niečo skutočne klasického.
Vermeer je nepochybne jedným z najväčších koloristov v histórii západoeurópskeho umenia. Nielen jeho jemná chuť pri výbere farieb, ale aj schopnosť nájsť vzájomný vzťah robia z Vermeera jedného z najvychytenejších majstrov farieb. S maximálnym zmyslom pre proporcie a taktnosť kombinuje citrónovožltú, modrú, fialovú so širokou škálou odtieňov, šarlátové a bledozelené farby do jedného zvukového spektra. Práve v diele Vermeera Delfta dostal problém svetla, tradičný pre holandské umenie, svoje najdokonalejšie riešenie. Iridescentné perleťové svetlo je jednou z najcharakteristickejších čŕt obrazov majstra Delftu. Niet pochýb ani o tom, že Wermer z Delftu bol jedným z najuznávanejších technikov svojej doby. Jeho niekoľko obrazov je maľovaných bohatými a rozmanitými textúrami. Jeho metóda nanášania farby, predurčujúca neskoršiu techniku \u200b\u200bimpresionistov, umožnila samotnému Vermeerovi vykresliť objekty obklopujúce svetlo v celej jeho obrazovej konkrétnosti. Svetlo vo Vermeerových obrazoch nie je len priehľadným médiom, ale aj vzduchom bohatým na najjemnejšie prechody striebristých tónov.
Wermeer urobil to, čo v 17. storočí nikto iný: maľoval krajiny z prírody („Malá ulica“, „Pohľad na Delft“). Možno ich nazvať prvými príkladmi maľby plenérom. Zrelé, klasické umenie Vermeerovej jednoduchosti malo pre budúce epochy veľký význam.
Vrchol holandského realizmu, výsledok obrazových úspechov holandskej kultúry v 17. storočí. bolo dielom Rembrandta. Ale význam R., ako každého geniálneho umelca, presahuje hranice iba holandského umenia a holandskej školy. Rembrandt zaujíma ústredné miesto v holandskej škole svojho rozkvetu a dodnes stojí medzi mnohými umelcami svojej domoviny. Šírka rozsahu Rembrandtových umeleckých záujmov a hlboký psychologizmus jeho tvorby im zostali cudzie.
Harmenszoon van Rijn Rembrandt sa narodil v roku 1606 v Leidene a bol synom zámožného majiteľa múky. Skoro objavil vášeň pre maľovanie a po krátkom pobyte na univerzite v Leidene sa venoval výlučne umeniu. Na konci zvyčajného trojročného štúdia u nevýznamného miestneho umelca Jacoba Svannenburcha sa Rembrandt zdokonalil v Amsterdame, kde sa stal študentom Lastmanu. Lastman, zručný remeselník, ktorý študoval v Taliansku, predstavil Rembrandtovi efekt šerosvitu, ktorý sa používa na vyjadrenie objemu a odhalenie drámy akcie. Táto technika sa stane hlavnou v umelcovej tvorbe. V nasledujúcich rokoch pracoval Rembrandt v Leidene a získal si reputáciu majstra biblických a mytologických scén. Preto sa zvyčajne nazývajú roky 1625-1632. Leidenské obdobie jeho tvorby.
V roku 1632 sa presťahoval do Amsterdamu, kde si získal slávu a napísal „Lekciu anatómie Dr. Tulpu“. 30. roky - čas najvyššej slávy, cestu k k maliarovi otvoril tento obrázok, kt sa považuje za skupinový portrét a nazýva sa aj „Lekcia anatómie“. Na tomto plátne ľudí spája m / seba samých činom, všetci sú predstavení v prírodných pózach, ich pozornosť je upriamená na hlavnú postavu - doktora Tulpu, ktorý demonštruje štruktúru svalov v mŕtvole. Žije u obchodníka s umením Hendrika van Eilenborcha, ktorý ho sponzoruje, sprostredkúva provízie za portréty, vďaka čomu má mladý umelec povesť módneho a úspešného majstra. V roku 1634 sa Rembrandt úspešne oženil s Hendrikovou neterou Saskiou a do roku 1639 získal spolu s manželkou honosný dom v hlavnom meste. Až do začiatku 40. rokov 16. storočia. teší sa veľkým úspechom u zákazníkov, toto je doba jeho osobnej pohody. V slávnom majstrovskom diele z tohto obdobia - „Autoportrét so Saskiou na kolenách“ (asi 1635, Galéria umenia, Drážďany) sa Rembrandt zobrazil so svojou mladou manželkou pri slávnostnom stole. Jemná hra zlatých tónov, lúče svetla prenikajúce do obrazu vyjadrujú radostnú náladu mladého a úspešného umelca a jeho manželky, plnej nádejí a snov.
Celé toto obdobie je pokryté romantikou. Maliar akoby sa vo svojej tvorbe zámerne usiloval uniknúť z fádneho meštianskeho každodenného života. Píše seba a Saskiu v luxusných outfitoch, vo fantastických outfitoch a pokrývkach hlavy, vytvára veľkolepé kompozície, vo všetkom, v pózach, v pohyboch, prevláda všeobecná - radosť z bytia. (Saskia ako flóra). Barokový jazyk je najbližšie k prejavu tejto povznesenej nálady. Rembrandt bol v tomto období do veľkej miery ovplyvnený talianskym barokom.
Postavy maľby „Abrahámova obeta“ (1635) sa pred nami objavujú v zložitých uhloch. Obrázok sleduje stav mysle Abraháma, ktorý nemal čas pocítiť ani radosť zo zbavenia sa strašnej obety, ani vďačnosť, keď sa náhle objavil anjel, ale ktorý zatiaľ prežíva iba únavu a zmätok.
Rembrandt vždy venoval veľkú pozornosť leptaniu (gravírovaniu) a kresbe a čoskoro sa stal najväčším majstrom grafickej techniky v Európe. Portréty a krajiny, ktoré realizoval technikou leptania, ako aj každodenné a náboženské scény, sa vyznačovali novosťou umeleckých techník, hlbokým psychologickým obrazom, bohatým šerosvitom, expresivitou a lakonickými líniami. Asi dve tisíce Rembrandtových kresieb prišlo k nám. Medzi nimi sú prípravné náčrty, skice kresby pre maľby, náčrty scén každodenného života a nápady, ktoré sa rodia v jeho fantázii.
Na prelome raného obdobia tvorivosti sa objavuje jeden z jeho najslávnejších obrazov „Nočná hliadka“ - skupinový portrét streleckého cechu. Ale vrátnik pre skupinu je formálny názov diela, ktorý vyplýva z priania zákazníkov. V rámci Nočnej hliadky Rembrandt novým spôsobom rieši žáner skupinového portrétu, tradičný pre holandské umenie. Obraz (1642, Rijks Museum, Amsterdam) je skupinovým portrétom členov streleckého spolku kapitána Banninga Cocka a umelec ho vykresľuje ako skutočnú pouličnú scénu. Rembrandt upustil od statického usporiadania všetkých účastníkov, ktoré bolo v tom čase akceptované, čím vytvoril scénu plnú pohybu. Kontrasty svetla a tieňa, emocionalita maľby vyjadrujú emóciu udalosti. Obrázok nadobúda historický charakter a rozpráva o odvážnych ľuďoch, ktorí sú pripravení brániť slobodu a národnú nezávislosť svojej vlasti so zbraňami v rukách. Klienti nepochopili umelcov zámer a vychádzajúc z tohto obrázka sa konflikt s dominantným prostredím ešte zintenzívni, ale nezníži to energiu pána a Rembrandt bude pokračovať v tvorbe realistických pláten, pozoruhodných pre silu emocionálneho dopadu. Veľkolepá, nepochybne trochu divadelná, voľná kompozícia, ako už bolo spomenuté, nemala za cieľ predstaviť každého zo zákazníkov. Mnoho tvárí je v ostrom šerosvite jednoducho zle „čitateľných“, v kontrastoch hustých tieňov a jasného slnečného žiarenia vychádza kt odlúčenosť (v 19. storočí obraz natoľko stmavol, že sa to považovalo za vyobrazenie nočnej scény, odtiaľ pochádza nesprávny názov. kapitán na ľahkom oblečení poručíka, dokazuje, že to nie je noc, ale deň). Divákovi sa zdalo nepochopiteľné a smiešne, že sa na tejto scéne objavili cudzinci, najmä malé dievčatko v zlatožltých šatách. Všetko tu spôsobilo zmätok a podráždenie verejnosti a môžeme povedať, že s týmto obrazom začína konflikt medzi umelcom a spoločnosťou. So smrťou Saskie v tom istom roku sa Rembrandt prirodzene rozchádza s meštianskymi kruhmi, ktoré sú mu cudzie.
Rembrandtovo realistické umenie sa rokmi prehlbuje. Odmieta nepotrebné detaily a dekoratívne efekty v prospech väčšej hĺbky a emočnej intenzity umeleckého obrazu. Veľmi dôležitým miestom v umelcovej tvorbe začína byť komorný portrét. Rembrandt odhaľuje duchovný život človeka, akoby trval v čase a priestore. Toto je druh biografie portrétu. Sú to napríklad „Portrét starej ženy“, „Hendrickje pri okne“, „Čítanie Tita“, portréty umelcových priateľov N. Breininga, J. Sixa, početné autoportréty (vyše sto na oleji a uhlí).
40. - 50. roky - toto je čas na tvorivú zrelosť. Toto je čas pridania jeho kreatívneho systému, od kt pôjde veľa do minulosti a získajú sa nové neoceniteľné vlastnosti. V tomto období sa často obracia k predchádzajúcim dielam, aby ich mohol prerobiť novým spôsobom. Tak to bolo aj v prípade filmu „Danae“, ktorý napísal späť v roku 1636. S odvolaním sa na obrázok v 40. rokoch umelec zintenzívnil svoj emocionálny stav. Prepísal stredový kus s hrdinkou a slúžkou. Keď dal Danae nové gesto zdvihnutej ruky, informoval ju o veľkých emóciách, prejave radosti, nádeje, príťažlivosti. Svetlo hrá obrovskú rolu: svetelný tok akoby obopínal postavu Danae, všetko žiari láskou a šťastím, toto svetlo je vnímané ako vyjadrenie ľudských pocitov.
Na začiatku 50. rokov umelec vytvára jedno majstrovské dielo za druhým. Už to vyšlo z módy, ale zámožní zákazníci nepreložili.
Počas týchto rokov si na interpretáciu vyberá najlyrickejšie, najpoetickejšie aspekty ľudskej existencie, ľudské, ktoré sú večné a všeľudské: materinská láska, súcit. Najväčší materiál mu poskytujú Sväté písma a z neho - scény zo života svätej rodiny. Hermitský obraz Svätá rodina (1645), ktorý je svojou povahou náboženský, ale pri interpretácii deja čisto žánrový, je pre túto dobu mimoriadne charakteristický.
Spolu s biblickými žánrovými kompozíciami je toto obdobie plné nového typu zobrazenia reality pre Rembrandta - krajiny. Ako prejav úcty k jeho romantickým sklonom vytvára v niektorých prípadoch spolu s touto úchvatnou a striktnou realitou prístupu aj obrázky nedotknutej holandskej dediny. Malý „Winter View“ (1646, Kassel), zobrazujúci vo svetle jasného mrazivého dňa sedliacky dvor a niekoľko postáv na povrchu zamrznutého kanála, čo sa týka jemnosti citu a pravdivosti vizuálneho vnímania, slúži ako jeden z najdokonalejších príkladov realistickej krajiny v Holandsku.
Napriek rozsiahlosti a umeleckej hodnote toho, čo sa v tomto období vytvorilo, sa Rembrandtova finančná situácia do polovice 50. rokov 16. storočia ukázala ako mimoriadne zložitá. Z dôvodu poklesu počtu objednávok, zložitého predaja obrazov a najmä neopatrnosti pána pri vedení jeho záležitostí sa Rembrandt stretol s veľkými finančnými ťažkosťami. Dlh spojený s akvizíciou drahého domu počas života Saskie hrozil úplným krachom. Pokusy o vymanenie sa z dlhu mohli katastrofu iba oddialiť, stále však prepukla. V lete 1656 bol Rembrandt vyhlásený za insolventného a všetok jeho majetok bol predaný v dražbe. Bol zbavený svojho obvyklého útočiska a bol nútený presťahovať sa s rodinou do chudobnej židovskej štvrte obchodného hlavného mesta. Tu mu v akútnom pocite nedostatku uplynuli posledné dni.
Tieto nepriazne osudu, ako aj nešťastia, ktoré neskôr postihli Rembrandta - smrť Hendrikea, smrť jediného syna Tita - neboli schopné zastaviť ďalší rozmach jeho génia.
Konce 50. a 60. rokov 16. storočia sú najtragickejšími rokmi R. života, sú však plné Rembrandtovej grandióznej tvorivej činnosti. Predstavuje akoby syntézu všetkých jeho doterajších psychologických a obrazových hľadaní. Na týchto obrázkoch je všetko očistené od prechodného, \u200b\u200bnáhodného. Detaily sú obmedzené na minimum, gestá, držanie tela, sklon hlavy sú starostlivo premyslené a pochopené. Postavy sú zväčšené blízko prednej roviny plátna. Aj malé diela týchto rokov vytvárajú dojem mimoriadnej vznešenosti a skutočnej monumentality. Hlavnými výrazovými prostriedkami sú svetlo a čiary. Presnejšie by bolo povedať o zosnulom R., že jeho farba je „žiarivá“, pretože na jeho plátnach sú svetlo a farba jedno, zdá sa, že jeho farby vyžarujú svetlo. Táto zložitá interakcia farby a svetla nie je samoúčelná, vytvára určité emočné prostredie a psychologické vlastnosti obrazu.
Na portrétoch sa Rembrandt teraz ocitol slobodnejší pri výbere modelov a hlavne maľuje tváre s výraznou individualitou. Ide hlavne o staršie ženy a starých Židov. Ale s rovnakou naliehavosťou dokáže preniesť kúzlo tváre mladej ženy alebo kúzlo mladistvého vzhľadu. Všetko malicherné je na týchto portrétoch horšie ako zovšeobecnená, ale zároveň neobvykle ostrá prezentácia obrazu. Je to do značnej miery spôsobené zvyšujúcou sa šírkou spôsobu technického vykonávania.
Finále v histórii skupinového portrétu bol obraz Rembrandta starších obchodov s odevmi - tzv. „Sindiki“ (1662, Amsterdam). zaslúžene považovaný za jednu z výšin tvorivosti Rembrandt). Ostrá psychologická charakteristika, jednoduchosť konštrukcie, zatajovanie neomylnosti rytmu čiar a hmôt, ako aj priemerný počet farieb, ale intenzívna farba, sumarizujú celú doterajšiu cestu Rembrandta ako portrétistu.
V rokoch zrelosti (50. roky) vytvoril Rembrandt svoje najlepšie lepty. Rembrandtova výrazná hĺbka psychologickej analýzy, expresívny realizmus obrazov a zvládnutie umeleckej techniky sa odrážajú v dlhej sérii nádherných listov, tematicky ešte rozmanitejších ako maliarska maľba. Medzi najznámejšie patria „Kristus uzdravuje chorých“ (tzv. „List stovky florénov“, asi 1649), „Tri kríže“ (1653), portréty Lutmy (1656), Haringa (1655), Šesť (1647) ), ako aj krajiny známe ako „Tri stromy (1643) a„ Pozostatok zlatého vážiča “(1651).
Nemenej významné miesto v Rembrandtovom grafickom dedičstve zaujímajú kresby. Ostrosť a originalita Rembrandtovho vnímania okolitého sveta sa odráža v týchto početných a rozmanitých listoch so zvláštnou silou. Spôsob maľby, rovnako ako obrazový spôsob Rembrandta, sa zreteľne vyvíja v priebehu tvorivého vývoja majstra. Ak sú rané kresby Rembrandta prepracované do detailov a sú kompozične pomerne zložité, potom ich v zrelejšom období predviedol širokým obrazovým spôsobom, neobvykle lakonickým a jednoduchým. Rembrandt zvyčajne kreslil husacím alebo trstinovým perom a pomocou najjednoduchších techník dokázal dosiahnuť mimoriadnu silu expresivity. R. po sebe zanechal 2 000 kresieb. Jeho kresby, aj keď sú nepatrnými náčrtmi nejakého každodenného motívu, predstavujú úplný celok a v plnej miere vyjadrujú všetku rozmanitosť prírody.
Za epilóg tvorby R. možno považovať jeho grandiózny obraz Návrat márnotratného syna (cca 1668-1669, Ermitáž), v ktorom sa najplnšie prejavila umelcova estetická výška a maliarske schopnosti. Umelec plní podobenstvo o evanjeliu o mladom mužovi, ktorý odišiel z domu, premárnil svoje imanie a vrátil sa k otcovi s hlboko ľudským významom. Ušľachtilú myšlienku lásky k trpiacemu človeku tu odhaľujú obrazy, ktoré sú v jeho živote zarážajúce presvedčivé. Tvár starého poloslepého otca a gesto jeho rúk vyjadrujú nekonečnú láskavosť a postava syna v špinavých handrách, držiacich sa svojho otca - úprimná a hlboká ľútosť. Azda žiaden iný Rembrandtov obraz nevyvoláva toľko hlbokých a súcitných pocitov. Rembrandt učil svojich divákov o láske a odpustení. Neskôr, v posledných rokoch a mesiacoch, je Rembrandtov život navonok pokojný. Keď prežil Hendrickje a Tita, zomrel 4. októbra 1669.
R. mal obrovský vplyv na umenie. V Holandsku nebol žiadny maliar, ktorý by nezažil vplyv veľkého umelca, z ktorého najväčšiu slávu získali Ferdinand Bol (1616-1680), Herbrand van den Eckhout (1621-1674) a Art de Gelder (1645-1727). Po zvládnutí učiva, kompozičných techník a typov učiteľov neprekročili rámec svojej vonkajšej imitácie Rembrandtových techník v maľbe na figúru. Živý vplyv majstra, naopak, rozhodne ovplyvnil početných maliarov krajiny, ktorí s ním susedili - Phillipsa Koninka (1619-1688), Doomera (1622-1700) a ďalších. Väčšina ho však zradila, prešla na pozíciu akademizmu a napodobňovania vtedajších módnych Flámov a potom Francúzov.
Ako to v dejinách umenia často býva, napriek svojmu geniálnemu talentu Rembrandt zomrel v chudobe a osamelosti, zabudnutý, zbytočný pán. Ale čím ďalej čas plynie, tým cennejšie je v očiach ľudstva dedičstvo umelca. Dá sa bez preháňania povedať, že Rembrandt je jedným z najväčších umelcov v histórii svetového umenia. Mnohí by to označili za neprekonateľné. Rembrandtov hrob bol stratený, ale jeho diela budú žiť po celé storočia.
V poslednej štvrtine 17. storočia. začína úpadok holandského maliarstva, strata jeho národnej identity a to od počiatku. 18. storočie veľká éra holandského realizmu sa končí.
Holandskí umelci významne prispeli k dielu majstrov, ktorí začali svoju činnosť v 17. storočí a nezastavili sa až doteraz. Ovplyvnili však nielen svojich kolegov, ale aj literárnych odborníkov (Valentin Proust, Donna Tartt) a fotografiu (Ellen Coy, Bill Gekas a ďalší).
Začiatok vývoja
V roku 1648 získalo Holandsko nezávislosť, ale pre vznik nového štátu muselo Holandsko vydržať akt pomsty zo strany Španielska, ktoré vo flámskom meste Antverpy vtedy zabilo asi 10 tisíc ľudí. V dôsledku masakry obyvatelia Flámska emigrovali z území ovládaných španielskou vládou.
Na základe toho by bolo logické pripustiť, že impulz pre nezávislých holandských umelcov vyšiel práve z flámskej tvorivosti.
Od 17. storočia prebiehajú štátne aj umelecké odvetvia, čo vedie k formovaniu dvoch umelecky odlišených národnostných škôl. Mali spoločný pôvod, ale v postavách sa dosť odlišovali. Zatiaľ čo Flámsko zostalo pod krídlami katolicizmu, Holland zažil úplne nový rozkvet, ktorý sa začal v 17. storočí.
Holandská kultúra
V 17. storočí sa nový štát práve vydal na cestu svojho vývoja, čím úplne prerušil spojenie s umením minulej éry.
Boj so Španielskom postupne utíchal. Národný sentiment sa začal sledovať v populárnych kruhoch po odklone od katolíckeho náboženstva, ktoré predtým ukladali úrady.
Protestantská vláda mala rozporuplný pohľad na výzdobu, čo viedlo k redukcii diel s náboženskou tematikou, neskôr sa hralo iba do rúk svetského umenia.
Nikdy predtým tak často nezobrazovali skutočnú okolitú realitu na obrázkoch. Holandskí umelci chceli vo svojich dielach ukázať bežný každodenný život bez prikrášlenia, vycibreného vkusu a noblesy.
Svetská umelecká explózia vyvolala také početné trendy ako krajina, portrét, žáner a zátišie (ktorých existenciu nepoznali ani najrozvinutejšie centrá Talianska a Francúzska).
Vlastná vízia realizmu holandských umelcov, vyjadrená v portréte, krajine, interiéroch a maľbách zátiší, vyvolala záujem o túto oblasť zo všetkých oblastí života.
Holandské umenie 17. storočia tak dostalo prezývku „Zlatý vek holandského maliarstva“, čím si získalo štatút najvýznamnejšej éry holandského maliarstva.
Je dôležité vedieť: existuje mylná predstava, že holandská škola vykreslila iba priemernosť ľudskej existencie, ale majstri tých čias tento rámec bezostyšne zničili pomocou svojich fantastických diel (napríklad Bloomart „Krajina s Janom Krstiteľom“).
Holandskí maliari 17. storočia. Rembrandt
Rembrandt Harmenszoon van Rijn je považovaný za jednu z najväčších umeleckých postáv v Holandsku. Okrem toho, že bol umelcom, venoval sa aj gravírovaniu a bol právom považovaný za majstra šerosvitu.
Jeho odkaz je bohatý na individuálnu rozmanitosť: portréty, žánrové scény, zátišia, krajiny, ako aj maľby na témy histórie, náboženstva a mytológie.
Jeho schopnosť zvládnuť šerosvit umožnila zvýšiť emočnú expresivitu a duchovnosť človeka.
Pri práci na portrétoch pracoval na výrazoch tváre.
V súvislosti so srdcervúcimi tragickými udalosťami boli jeho neskoršie diela naplnené tlmeným svetlom, odhaľujúcim hlboké pocity ľudí, v dôsledku čoho sa o geniálne diela nikto nezaujímal.
V tom čase boli vonkajšie krásy v móde bez pokusov o ponorenie sa do hĺbky, rovnako ako naturalizmus, idúci mimo úprimného realizmu.
Každý ruský milovník výtvarného umenia môže osobne vidieť obraz „Návrat márnotratného syna“, pretože toto dielo je v Ermitáži v Petrohrade.
Frans Hals
Frans Hals je veľký holandský maliar a významný maliar portrétov, ktorý pomohol zaviesť žáner voľného písma do ruského umenia.
Dielom, ktoré mu prinieslo slávu, bol obraz s názvom „Banket dôstojníkov streleckej spoločnosti svätého Juraja“, namaľovaný v roku 1616.
Jeho portrétna tvorba bola na tú dobu príliš prirodzená, čo odišlo od súčasnosti. Vďaka tomu, že umelec zostal nepochopený, skončil rovnako ako veľký Rembrandt svoj život v chudobe. Gypsy Woman (1625-1630) je jedným z jeho najslávnejších diel.
Jan Steen
Jan Steen je na prvý pohľad jeden z najchytrejších a najsmiešnejších holandských umelcov. Keď si robil srandu zo sociálnych nerestí, rád sa uchýlil k šikovnosti spoločnosti. Ten, hoci diváka zabával neškodnými, vtipnými obrázkami nadšencov a dám ľahkej cnosti, v skutočnosti varoval pred takýmto životným štýlom.
Umelec mal k dispozícii aj pokojnejšie obrazy, napríklad dielo „Ranná toaleta“, ktoré sa na prvý pohľad javilo ako absolútne nevinný čin. Ale ak sa pozriete pozorne na podrobnosti, môžete byť dosť prekvapení ich odhaleniami: jedná sa o stopy po pančuchách, ktoré predtým stlačili nohy, a o hrniec naplnený niečím neslušným v noci, rovnako ako o psa, ktorý si dovolí byť priamo na vankúši milenky.
V najlepších svojich dielach umelec predbehol svojich kolegov v elegantne zručnej kombinácii farebných paliet a ovládaní tieňov.
Ďalší holandskí umelci
V tomto článku boli uvedené iba tri svetlé osoby z desiatok, ktoré si zaslúžia stáť rovnako ako v rovnakom zozname:
V tomto článku ste sa teda stretli s holandskými umelcami 17. storočia a ich dielami.
Buržoázne Holandsko, ktoré zvíťazilo v boji za nezávislosť Španielska, sa stalo ekonomicky najrozvinutejším štátom v západnej Európe. Hlavné holandské mesto Amsterdam bolo identifikované ako jedno z najväčších nákupných centier v Európe.
Spolu s ekonomikou sa vyvíja aj holandská maľba. Na rozdiel od iných západoeurópskych krajín neboli barokové maľby palácov a zámkov v Holandsku populárne - slabosť šľachty slúžila ako prekážka rozvoja dekoratívneho umenia. Kalvínsky kostol v Holandsku sa tiež nesnažil zdobiť svoje chrámy maľbami.
Napriek tomu v Holandsku maľba prekvitala: umelci dostávali početné objednávky od súkromných osôb. Dokonca aj holandskí roľníci mohli zavesiť malý obrázok vo svojom dome - tieto diela umelcov boli také lacné.
V XVII storočí. v malom Holandsku pracovalo viac ako dvetisíc umelcov. Produkciu obrazov nasadili do prúdu, vyrábali plátna v celých dávkach a odovzdávali ich predajcom. Takmer každý majster vystúpil s dvoma až piatimi skladbami týždenne.
Výroba obrazov často predstihla dopyt, a preto sa umelci museli živiť súčasne aj inými prácami. Takí slávni majstri ako J. Steen, M. Gobbema, J. van Goyen a mnohí ďalší boli súčasne zamestnancami, záhradníkmi a krčmármi.
Maliari sa zvyčajne špecializujú na jednu konkrétnu tému. Napríklad H. Averkamp maľoval zimné výhľady, E. van der Poole stvárňoval nočné požiare, G. Terborch a G. Metsu - každodenné scény, P. Claes a V.K.Kheda - raňajkové zátišia.
Veľmi často umelci kolektívne pracovali na jednom obrázku: jeden maľoval oblohu, druhý - trávu a stromy, tretí - ľudské postavy. Najúspešnejšie diela, ktoré boli úspešné u verejnosti, boli skopírované a slúžili ako model pre vytváranie nespočetných variácií.
Aj keď bolo umenie talentovaných maliarov podriadené komerčným účelom, majstrom sa zvyčajne podarilo vyhnúť sa falošnosti. Väčšina z týchto pláten sa vyznačuje realizmom, celistvosťou a jasnosťou kompozície, sviežosťou farieb a vynikajúcou technikou prevedenia.
V holandskej maľbe sa rozšíril žáner portrétov. Veľkú úlohu v živote krajiny zohrali rôzne organizácie (strelecká spoločnosť, skupiny zástupcov lekárskej spoločnosti a obchodné obchody), ktoré prispeli k vytvoreniu skupinového verejného portrétu.
Dlhodobý boj so španielskymi kolonialistami vyostril zmysel pre národnú identitu, preto v maľbe bolo okrem realizmu vítané najmä vykreslenie charakteristických národných znakov. Umelci maľovali more a lode, dobytok, kvety. Okrem portrétu sa rozvíjali také žánre ako krajina a zátišie. Existovala aj náboženská maľba, ale neobsahoval v nej žiadny prvok mystiky; boli predstavené biblické príbehy
skôr ako každodenné scény.
Frans Hals
Frans Hals sa narodil okolo roku 1581 v Antverpách v rodine tkáča. V mladosti prišiel do Haarlemu, kde žil takmer bez prestávky až do svojej smrti (v roku 1616 navštívil Antverpy a v polovici 30. rokov 16. storočia - Amsterdam). O živote Halsovej sa vie len málo. V roku 1610 vstúpil do cechu svätého Lukáša a v roku 1616 - do komory rétorov (ochotníckych hercov).
Hals sa rýchlo stal jedným z najslávnejších portrétistov v Haarleme. V XV-XVI storočia. na maľbe v Holandsku existovala tradícia maľovať portréty iba zástupcov vládnucich kruhov, slávnych ľudí a umelcov. Halsovo umenie je hlboko demokratické: na jeho portrétoch môžeme vidieť aristokrata, bohatého obyvateľa mesta, remeselníka a dokonca aj človeka od samého dna. Umelec sa nesnaží vyobrazenie idealizovať, hlavná je pre neho jeho prirodzenosť a originalita. Jeho šľachtici sa správajú rovnako uvoľnene ako predstavitelia nižších vrstiev spoločnosti, ktorí sú na Khalsových obrazoch vykreslení ako veselí ľudia, bez sebaúcty.
Skupinový portrét zaujíma v umelcovej tvorbe významné miesto. Najlepšie diela tohto žánru boli portréty dôstojníkov streleckej roty svätého Juraja (1627) a streleckej roty svätého Adriana (1633). Každá postava v obrazoch má svoju vlastnú jasnú osobnosť a tieto diela sa vyznačujú svojou celistvosťou.
Khals tiež namaľoval portréty na mieru, na ktorých boli do neformálnych póz umiestnené bohatí mešťania a ich rodiny (Portrét Isaaca Massu, 1626; Portrét Hetheisena, 1637). Hullove obrázky sú živé a dynamické, zdá sa, že ľudia na portrétoch hovoria s neviditeľným partnerom alebo oslovujú diváka.
Predstavitelia ľudového prostredia na portrétoch Halsa sa vyznačujú živou expresivitou a spontánnosťou. Na snímkach chlapcov z ulice, rybárov, hudobníkov, návštevníkov krčiem je cítiť sympatie a rešpekt autora. Jeho „Cigán“ je pozoruhodný. Usmievavá mladá žena, ktorej mazaný pohľad smeruje na účastníka, ktorý je pre divákov neviditeľný, vyzerá prekvapivo nažive. Hals neidealizuje svoj model, ale obraz veselej, strapatej cigánky poteší jej energickým šarmom.
Hulsove portréty veľmi často obsahujú prvky žánrovej scény. Sú to obrázky detí, ktoré spievajú alebo hrajú na hudobných nástrojoch (The Singing Boys, 1624-1625). V rovnakom duchu sa niesla aj slávna „Malle Babbe“ (začiatok 30. rokov 16. storočia), ktorá predstavila krčmára známeho v Haarleme, ktorého návštevníci za chrbtom nazývali harlemská čarodejnica. Umelec takmer groteskne stvárnil ženu s obrovským džbánom na pivo a sovou na pleci.
V 40. rokoch 16. storočia. krajina vykazuje známky zlomeniny. Od víťazstva revolúcie uplynulo iba niekoľko desaťročí a buržoázia prestala byť pokrokovou triedou založenou na demokratických tradíciách. Pravdivosť Halsovej maľby už neláka zámožných klientov, ktorí sa chcú vidieť na portrétoch lepšie, ako v skutočnosti sú. Hals ale neopustil realizmus a jeho popularita klesla. Na maľbe tohto obdobia sa objavujú poznámky smútku a sklamania („Portrét muža v klobúku so širokým okrajom“). Jeho paleta sa stáva prísnejšou a pokojnejšou.
Vo veku 84 rokov vytvoril Hals dve zo svojich majstrovských diel: skupinové portréty regentov (správcov) a regenta azylu pre starších ľudí (1664). Tieto najnovšie diela holandského majstra sa vyznačujú emotívnosťou a jasnou osobnosťou obrazov. Obrazy vladárov - starých mužov a žien - dýchajú smútkom a smrťou. Tento pocit zdôrazňuje aj farba udržiavaná v čiernych, sivých a bielych tónoch.
Hals zomrel v roku 1666 v hlbokej chudobe. Jeho skutočné, život potvrdzujúce umenie výrazne ovplyvnilo mnohých holandských umelcov.
Rembrandt
V 1640-1660s. Holandský obraz prekvital. Najvýznamnejším umelcom tejto doby bol Rembrandt.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn sa narodil v roku 1606 v Leidene. Jeho otec bol zámožný mlynár. Rodičia snívali o dobrom vzdelaní pre svojho syna a zaradili ho do latinskej školy, po ktorej Rembrandt nastúpil na univerzitu v Leidene. Mladíka ale lákalo umenie. Opustil univerzitu a začal študovať u maliara Jacoba Svannenburcha. O tri roky neskôr sa mladý umelec vydal do Amsterdamu, kde začal brať lekcie od Petra Lastmana.
V roku 1624 sa Rembrandt vrátil do Leidenu. Tu si spolu s maliarom Janom Lievensom prenajali ateliér. Umelec veľa pracuje od života, maľuje nielen v ateliéri, ale aj na ulici a v mestskom bazári.
Na konci 20. rokov 16. storočia. Rembrandt získal popularitu medzi ľuďmi v Leidene. Dostal veľa objednávok a prvého študenta - Gerarda Dowa, ktorý sa neskôr stal pomerne slávnym maliarom.
Rembrandtove rané maľby sa vyznačujú dôkladnosťou kompozície a svedomitosťou prevedenia. Zároveň sa vyznačujú určitým obmedzením („Umučenie svätého Šebestiána“, 1625).
V roku 1631 sa Rembrandt usadil v Amsterdame. Sláva o ňom sa veľmi rýchlo rozšírila po celom meste a na maliara padli rozkazy. Úspešný bol aj Rembrandtov osobný život: v roku 1634 sa oženil so Saskiou van Eulenburgovou, dievčaťom zo známej meštianskej rodiny. Manželstvo prinieslo umelcovi značné bohatstvo, ktoré mu poskytlo tvorivú samostatnosť a umožnilo mu venovať sa zbieraniu umeleckých diel a starožitností.
Rembrandt si užíval šťastie v spoločnosti svojej milovanej manželky, ktorú mnohokrát stvárnil. Saskia často slúžila ako predloha obrazov so širokým spektrom námetov („Flora“, 1634; „Autoportrét so Saskiou na kolenách“, asi 1639).
Rembrandtova tvorba v tomto období je rôznorodá, píše historické, mytologické a náboženské kompozície, portréty, každodenné scény, krajiny, zátišia, maľby s obrazmi zvierat. Ale hlavným predmetom jeho pozornosti je človek. Nielen v portrétoch, ale aj vo svojich ďalších dielach sa umelec snaží sprostredkovať charakter a vnútorný svet svojich hrdinov.
Pozoruhodný majster žánru portrétov, až v 30. rokoch 16. storočia. Rembrandt namaľoval viac ako šesťdesiat zadaných portrétov. Hlavná vec pre maliara nie je vonkajšia podobnosť s modelom, ale hĺbka vnútorného sveta, sila emocionálnych pohybov a skúseností. Skupinový portrét „Anatómia lekára Tulpu“ (1632) privítali jeho súčasníci s potešením. Umelec vykonal zmeny v tradičnej kompozícii klasického skupinového portrétu a postavy usporiadal nie za sebou, ako bolo zvykom, ale voľne. Táto konštrukcia dodávala obrazu živosť a prirodzenosť.
Na konci 30. rokov 16. storočia. Rembrandt sa stal najslávnejším remeselníkom v Holandsku. Do tohto obdobia patrí jeho majstrovské dielo, slávne „Danae“ (1636), ktorého majstrovstvo prevyšuje všetko, čo vytvorili jeho súčasníci.
umelec. Dokonalosť jeho zloženia a bohatosť farieb, udržiavaná v zlatých odtieňoch, udivuje. Zdá sa, že v tejto práci nie je nič nadbytočné, každý detail je autorom starostlivo premyslený. Pomocou voľného a živého ťahu štetcom sprostredkuje majster ľahkosť prehozu, záhyby ťažkých záclon a závesov. Pružný plast mladej ženy ležiacej na posteli je nápadný, bledé zlaté odtiene tela osvetlené jemným svetlom. Danae síce nežiari ideálnou krásou, ale jej obraz teší diváka živým šarmom a sviežosťou.
V 30. rokoch 16. storočia. umelec veľa pracuje aj pri leptaní. Lákajú ho každodenné motívy („Predajca jedu na potkany“, 1632). Žánrové prvky sú neodmysliteľné aj v dielach s biblickou tematikou (Návrat márnotratného syna, 1636). Jedným z najlepších leptov tohto obdobia je Smrť Márie (1639), emotívna a preniknutá pocitom hlbokého smútku. Pozoruhodné dielo „Kristus uzdravuje chorých“ (tzv. „Stovka guldenského listu“ - tento názov hovorí o hodnote diela) sa tiež vyznačuje zložitosťou kompozície a monumentálnou veľkoleposťou obrazov.
V 40. rokoch 16. storočia. Rembrandt sa stáva najslávnejším a najlepšie plateným maliarom v Amsterdame. Dostal zákazku za portréty a kompozície pre holandský palác Stadtholder v Haagu. Mnoho ctižiadostivých umelcov túži študovať v jeho dielni. Sláva Rembrandtovho umenia presahuje hranice Holandska. Niekoľko obrazov slávneho majstra je uložených v paláci anglického kráľa Karola I.
Rembrandtov talent sa prejavil v jeho realistických a výrazných zátišiach („Jatočné telo býka“) a krajine („Krajina s mlynom“, asi 1650). Nenáročná holandská krajina je vlastná jemnej lyrike, ktorá diváka zasiahne svojou takmer hmatateľnou realitou.
Smrť jeho milovanej manželky v roku 1642 Rembrandta odcudzila od jej vznešených príbuzných. Umelec prestal komunikovať so svojimi známymi z aristokratickej spoločnosti. Zmeny v živote majstra sa odrazili na jeho maľbe, ktorá sa stáva hlbšou a cielenejšou. Ak sa rané diela Rembrandta vyznačujú pokojnou a vyrovnanou náladou, teraz v jeho obrazoch začínajú znieť poznámky úzkosti a pochybností. Mení sa aj paleta, v ktorej dominujú červené a zlaté odtiene.
Plátno „David a Jonathan“ (1642, Ermitáž, Petrohrad), prevedené v zlato-ružových a zlato-modrých tónoch, sa vyznačuje jasnou expresivitou.
Všetky tieto nové rysy Rembrandtovho obrazu sa u jeho súčasníkov nestretli s pochopením. Nespokojnosť spôsobila veľká monumentálna skladba „Nočná hliadka“ (1642). Toto meno dostala maľba v 19. storočí. V skutočnosti sa akcia odohráva nie v noci, ale cez deň na slnečnom svetle, čo potvrdzuje povahu tieňov.
V priebehu času farby stmavli a až reštaurovanie vykonané v rokoch 1946 - 1947 ukázalo, že farebná schéma tejto práce bola kedysi oveľa svetlejšia.
Na maľbe sú šípky spoločnosti kapitána Banninga Koka. Zákazník očakával, že uvidí tradičný slávnostný portrét (scéna hodovania alebo predstavenie divákovi veliteľom jeho podriadených). Rembrandt vytvoril ge-
Roikohistorické plátno zobrazujúce výkon strelcov na príkaz kapitána. Postavy sú vzrušené a dynamické; veliteľ vydáva rozkazy, nositeľ normy zdvihne transparent, bubeník bije bubnom, šípy nakladajú zbraň. Tu nie je jasné, odkiaľ pochádza malé dievčatko s kohútom za opaskom.
V týchto rokoch sa v Rembrandtovom živote objavuje Hendrickje Stoffels, najskôr sluha, potom jeho manželka, ktorá sa stala jeho verným priateľom a pomocníkom. Umelec stále tvrdo pracuje. Tvorí svoju slávnu „Svätú rodinu“ (1645), v ktorej je náboženská téma považovaná za žánrovú. Spolu s biblickými kompozíciami vykonáva maliar realistické krajiny s obrazmi dediny („Winter View“, 1646). Jeho portréty z tohto obdobia sa vyznačujú túžbou ukázať jednotlivé vlastnosti modelov.
V 50. rokoch 16. storočia. počet objednávok je výrazne znížený. Rembrandt zažíva veľké finančné ťažkosti. Hrozí mu úplná skaza, pretože dlh spojený s kúpou domu za života prvej manželky Saskie ešte nebol uhradený. V roku 1656 bol umelec vyhlásený za insolventného a jeho umelecká zbierka a všetok jeho majetok boli predané na aukcii. Rodina Rembrandtovcov sa musela presťahovať do chudobnej židovskej štvrte Amsterdamu.
Napriek všetkým ťažkostiam talent veľkého maliara nevyschne. Teraz je však kritérium jeho zručnosti úplne iné. V neskorších Rembrandtových dielach sa na povrchu plátna výrazne objavujú farebné ťahy. Farby v jeho obrazoch teraz slúžia nielen na vyjadrenie vzhľadu hrdinov a obrazu interiéru - to je farba, ktorá preberá sémantické zaťaženie diela. Pocit intenzívnej drámy v obraze „Assur, Aman a Esther“ (1660) teda vytvára komplexný tónový rozsah a špeciálne svetelné efekty.
Rembrandt, zbavený objednávok, žijúci v hlbokej chudobe, neprestáva písať. Tvorí expresívne a duchovné portréty, ktorých modelmi sú príbuzní a priatelia („Portrét manželky brata umelca“, 1654; „Portrét starca v červenom“, 1652-1654; „Portrét čítania Títovho syna“, 1657; „Portrét Hendrickje Stoffelsovej o. okná “, asi 1659).
Syn Titus, ktorý nakoniec získal stav svojej zosnulej matky, sa snaží chrániť svojho otca pred hmotnými ťažkosťami a vytvoriť mu podmienky na tichú prácu. Ale umelca stále prenasledujú nešťastia: v roku 1663 Hendrickje zomiera a o niekoľko rokov ju nasledoval Titus.
V tejto tragickej dobe vytvoril starý osamelý umelec svoje majstrovské diela, ktoré sa vyznačovali monumentálnou majestátnosťou a duchovnosťou (David a Uriah, 1665 - 1666; Návrat márnotratného syna, asi 1668 - 1669).
Rembrandt zomrel v roku 1669, všetci na neho zabudli. Až v XVIII. jeho umenie bolo nakoniec pochopené a ocenené.
V 40. a 16. rokoch 16. storočia. žáner bol popredným žánrom v holandskej maľbe. Obrázky zobrazujúce najbežnejšie okamihy reality sú prekvapivo poetické a lyrické. Hlavným predmetom pozornosti maliarov je človek a svet okolo neho. Väčšina žánrových skladieb sa vyznačuje pokojným rozprávaním a nedostatkom drámy. Rozprávajú o domácich prácach hostesky v dome (nákup jedla, starostlivosť o deti, remeselné práce), o zábave holandského mešťana (hranie kariet, prijímanie hostí, koncerty). Umelci vykresľujú všetko, čo sa deje v dome bohatého obyvateľa mesta, ignorujú sociálnu stránku života človeka.
Žánroví maliari sa tešili veľkej obľube: G. Dow, ktorého obrazy sa predávali za veľmi vysokú cenu, A. van Ostade, ktorý maľoval scény roľníckeho života („Country Concert“), J. Sten, ktorého obľúbenými témami boli scény zábavy a dovoleniek („Merry Society“) ), G. Terborch, ktorého ladná maľba predstavovala život bohatej meštianskej rodiny („Pohár limonády“), G. Metsu s jeho vynaliezavým rozprávaním („Choré dieťa“), P. de Hooch, ktorý vytvoril kontemplatívne lyrické plátna („Pani a sluha“). „).
K. Fabritius, ktorý prežil krátky život (zomrel v Delfte pri výbuchu skladu prachu), sa usiloval rozšíriť rozsah žánrového žánru. Jedným z jeho najlepších diel je Vzkriesenie Lazára (asi 1643), ktoré je pozoruhodné svojou dramatickosťou a takmer monumentálnym rozsahom. Pozoruhodné sú aj jeho portréty a autoportréty, ktoré umelca postavili na roveň F. Halsovi a Rembrandtovi.
Osud E. de Fabriciusa, talentovaného majstra domácej scény a diel zobrazujúcich interiéry kostolov („Trh v prístave“, „Interiér so ženou na čembale“), je tragický. Umelec sa nesnažil prizerať sa vkusu meštianskej verejnosti, preto boli jeho diela, ktoré u súčasníkov nemali úspech, predané za mrzutosť. Fabricius bol často nútený splácať dlhy vlastníkom domu. V zimnú noc v roku 1692 sa sedemdesiatpäťročný umelec, ktorého majiteľ vyhodil z domu, obesil na zábradlí mosta. Podobný osud bol charakteristický pre mnohých holandských maliarov, ktorí nechceli opustiť realistické tradície, aby potešili verejnosť.
Jan Wermeer Delft
Výrazným predstaviteľom holandskej žánrovej maľby je Jan Wermer, prezývaný Delft po svojom rodisku a tvorbe. Maliar sa narodil v roku 1623 v rodine obchodníka s obrazmi a hodvábom. O Vermeerovom živote sa vie len málo. Možno bol jeho učiteľom K. Fabricius. V roku 1653 sa umelec stal členom Cechu svätého Lukáša a oženil sa s dcérou bohatého občana Katerinou Bolnesovou. V Delfte bol rešpektovaný a slávny, žil vo veľkom dome na námestí.
Vermeer pracoval na svojich obrazoch veľmi pomaly a dôkladne a starostlivo vypisoval každý detail. Maľba nemohla poskytnúť rodine umelca pohodlnú existenciu, hoci jeho plátna zaznamenali veľký úspech. Pravdepodobne preto Vermeer začal obchodovať s obrazmi a pokračoval v práci svojho otca.
Už v prvých Vermeerových dielach sa objavuje kombinácia realizmu a určitá miera idealizácie obrazov, charakteristická pre jeho tvorbu („Diana s vílami“, „Kristus s Martou a Máriou“ - obe do roku 1656). Nasledujúce dielo - veľkoplošné plátno „At the Pimp“ (1656), napísané na zápletke použitej mnohými maliarmi, sa vyznačuje svojou originalitou. Bežná každodenná scéna umelca nadobúda takmer monumentálny význam. Obraz vyniká medzi ostatnými dielami s podobnou tematikou svojou odvážnou farbou, vyzdobenou čisto žltou, červenou, čiernou a bielou farbou a jasnými expresívnymi obrázkami.
Neskôr sa Vermeer obrátil na komorné kompozície tradičné pre holandskú maľbu. Rovnako ako ďalší holandskí majstri, zobrazuje udalosti, ktoré sa konajú v bohatých meštianskych domoch. Najobľúbenejší obrázok umelca je dievča, ktoré číta list alebo skúša náhrdelník. Jeho plátna predstavujú vynaliezavé každodenné scény: slúžka dáva svojej milenke list, pán prináša dáme pohár vína. Ale tieto obrazy, jednoduchej kompozície, ohromujú svojou celistvosťou, harmóniou a lyrickosťou, ich obrazy lákajú svojou prirodzenosťou a pokojnou poéziou.
V druhej polovici 50. rokov 16. storočia. umelec vytvoril svoje najpozoruhodnejšie diela. Hlboko lyrické „Spiace dievča“, „Pohár vína“, „Dievča s listom“ boli poznačené hrejivým pocitom. Mnoho holandských maliarov tejto doby vo svojich obrazoch zobrazovalo zamestnancov zamestnaných prácou, ale iba vo Vermeerovom obraze ženy z ľudu má črty skutočnej krásy a vznešenosti („Slúžka s džbánom na mlieko“).
Vermeer je skutočným virtuózom v sprostredkovaní podstaty sveta vecí pomocou obrazových prostriedkov. Zátišie v jeho obrazoch sú prevedené s veľkou zručnosťou. Miska s jablkami a slivkami, stojaca na stole pokrytom vzorovaným obrusom v plátne „Dievča s listom“, vyzerá prekvapivo krásne a prirodzene.
Na obraze „Slúžka s džbánom na mlieko“ potešuje svojou čerstvosťou chlieb a mlieko, ktoré sa vylievajú z džbánu hustým prúdom.
Vo Vermeerových dielach hrá dôležitú úlohu svetlo. Vypĺňa priestor pláten a vytvára dojem mimoriadnej vzdušnosti; modeluje tvary a preniká do farieb, vďaka čomu žiaria zvnútra. Práve vďaka tomuto množstvu svetla a vzduchu sa vytvára špeciálne emočné povznesenie väčšiny Vermeerových diel.
Pozoruhodná zručnosť maliara sa prejavila v krajinomaľbe. Malý kútik mesta, zahalený vlhkou atmosférou zamračeného dňa, reprodukuje jasnú a jednoduchú kompozíciu „Ulica“ (asi 1658). Dážďami umyté mesto sa javí ako čisté a svieže vo vyhliadke Delft (medzi rokmi 1658 a 1660). Slnečné lúče si razia cestu cez jemné striebristé oblaky a vytvárajú veľa jasných odleskov na hladine vody. Zvukové sfarbenie s jemnými farebnými prechodmi dodáva obrazu expresivitu a harmóniu.
V 60. rokoch 16. storočia. Vermeerova maľba sa stáva rafinovanejšou a elegantnejšou. Mení sa aj paleta, ktorej teraz dominujú studené farebné odtiene („Dievča s perlou“). Hlavnými hrdinami obrazov sú bohaté dámy a páni obklopení luxusnými predmetmi („Ľúbostný list“, asi 1670).
Jan Wermeer Delft. Slúžka s džbánom mlieka. Medzi rokmi 1657 a 1660
Jan Wermeer Delft. Maliarska dielňa. Ok. 1665 g.
V poslednom období Vermeerovho života sa jeho diela stávajú povrchnými a trochu priťahovanými („Alegória viery“) a paleta stráca svoju bohatosť a zvučnosť. Ale aj v týchto rokoch ohromujú jednotlivé diela umelca svoju niekdajšiu vyjadrovaciu silu. Taká je jeho „Maliarska dielňa“ (1665), v ktorej sa Vermeer zobrazil pri práci, a obrazy „Astronóm“ a „Geograf“, ktoré zachytávajú vedcov.
Osud Vermeera, rovnako ako mnohých ďalších holandských majstrov, je tragický. Na konci života bol chorý umelec, ktorý stratil väčšinu svojich bývalých zákazníkov, nútený presťahovať svoju veľkú rodinu z bývalého domu do lacnejšieho domu. Za posledných päť rokov nenamaľoval jediný obrázok. Maliar zomrel v roku 1675. Na jeho umenie sa dlho zabúdalo, až v polovici 19. storočia. Wermeera ocenili a postavili na roveň s takými holandskými pánmi ako Rembrandt a F. Hals.
Holandská kultúra 17. storočia
Víťazstvo buržoáznej revolúcie v severnom Holandsku viedlo k vytvoreniu samostatného štátu - republiky siedmich zjednotených provincií - Holandska (pomenovanej po najvýznamnejšej z týchto provincií); po prvý raz v jednej z krajín Európy vznikol buržoázno-republikánsky systém. Hnacím motorom revolúcie boli roľníci a najchudobnejšie vrstvy mestského obyvateľstva, ale buržoázia využila jej výboje, ktoré sa dostali k moci.
Oslobodenie spod jarma španielskeho absolutizmu a katolíckej cirkvi, odstránenie množstva feudálnych obmedzení otvorilo cestu pre rýchly rast produktívnych síl republiky, ktorá bola podľa Marxa „„ príkladnou kapitalistickou krajinou 17. storočia “. Iba v tom čase v Holandsku prevládalo mestské obyvateľstvo nad vidieckym obyvateľstvom, ale hlavným zdrojom zisky nebol priemysel (aj keď sa tu rozvíjala textilná výroba a najmä stavba lodí), ale sprostredkovateľský obchod, ktorý sa rozširoval vďaka koloniálnej politike. Keď vládnuce triedy zbohatli, chudoba pracujúcich ľudí rástla, roľníci a remeselníci boli zruinovaní a do polovice 17. storočia sa triedne rozpory zosilňovali.
V prvých desaťročiach po vzniku republiky však boli demokratické tradície revolučného obdobia živé. Šírka národnooslobodzovacieho hnutia, nárast sebauvedomenia ľudí, radosť z oslobodenia od zahraničného jarma spojila najrozmanitejšie vrstvy obyvateľstva. V krajine sa vyvinuli podmienky pre rozvoj vied a umenia. Útočisko tu našli vtedajší pokrokoví myslitelia, najmä francúzsky filozof Descartes, formoval sa materialistický filozofický systém Spinoza. Najvyššie úspechy dosiahli holandskí umelci, ako napríklad maliari Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst a mnoho ďalších maliarskych majstrov. Holandskí umelci boli ako prví v Európe oslobodení od represívneho vplyvu dvorských kruhov a katolíckej cirkvi a vytvorili umenie, ktoré bolo demokratické a realistické a priamo odrážalo sociálnu realitu.
Holandská maľba 17. storočia
Výraznou črtou vývoja holandského umenia bola výrazná prevaha medzi všetkými jeho druhmi maľby. Obrázky zdobili domy nielen predstaviteľov vládnucej elity spoločnosti, ale aj chudobných mešťanov, remeselníkov, roľníkov; predávali sa na aukciách a veľtrhoch; niekedy ich umelci používali ako prostriedok na platenie účtov. Povolanie umelca nebolo zriedkavé, maliarov bolo veľa a navzájom si tvrdo konkurovali. Len málo z nich sa živilo maľovaním, mnohí sa zamestnali rôznymi prácami: Stan bol krčmár, Hobbema bol úradníkom spotrebnej dane, Jacob van Ruisdael lekár.
Prudký rozvoj holandského maliarstva v 17. storočí sa vysvetľoval nielen dopytom po obrazoch tým, ktorí si nimi chceli zdobiť svoje príbytky, ale aj pohľadom na ne ako na komoditu, ako na prostriedok zisku, ako zdroj špekulácií. Keď sa umelec zbavil priameho zákazníka - katolíckej cirkvi alebo vplyvného filantropa - feudála, ocitol sa úplne závislým od požiadaviek trhu. Chuť buržoáznej spoločnosti predurčila cestu vývoja holandského umenia a umelci, ktorí sa proti nim postavili, bránili svoju nezávislosť v otázkach tvorivosti, ocitli sa izolovaní, predčasne zomreli v chudobe a osamelosti. Navyše to boli spravidla najtalentovanejší majstri. Stačí spomenúť mená Halsa a Rembrandta.
Hlavným objektom obrazu pre holandských umelcov bola okolitá realita, ktorá sa nikdy predtým tak úplne neodrazila v dielach maliarov iných národných škôl. Apelov na najrozmanitejšie aspekty života viedol k posilneniu realistických tendencií v maľbe, v ktorej zaujal popredné miesto žáner a portrét, krajina a zátišie. Čím pravdivejšie je, že čím hlbšie umelci odrážali skutočný svet, ktorý sa pred nimi otváral, tým významnejšie boli ich diela.
Každý žáner mal svoje vlastné odnože. Takže napríklad medzi maliarmi krajiny boli maliari prímorskej krajiny (zobrazujúci more), maliari, ktorí uprednostňovali výhľady na obyčajné miesta alebo lesné húštiny, boli majstri, ktorí sa špecializovali na zimnú krajinu a krajinu s mesačným svitom: medzi žánrovými maliarmi boli umelci, ktorí zobrazovali roľníkov, mešťanov, scény sviatkov a domáci život, lovecké scény a trhy; boli tu majstri interiérov kostolov a rôzne druhy zátiší - „raňajky“, „dezerty“, „obchody“ atď. Ovplyvnené obmedzeniami holandskej maľby, ktorá zúžila počet úloh pre jej tvorcov. Ale zároveň koncentrácia každého z umelcov na určitý žáner prispela k zdokonaleniu maliarskej zručnosti. Iba najväčší holandskí umelci pôsobili v rôznych žánroch.
K formovaniu realistickej holandskej maľby došlo v boji proti talianizujúcemu trendu a manierizmu. Zástupcovia týchto trendov každý svojim spôsobom, ale čisto navonok, požičiavali techniky talianskych umelcov, hlboko cudzích tradíciám holandského národného maliarstva. V ranej fáze formovania holandskej maľby, pokrývajúcej roky 1609 - 1640, sa realistické tendencie zreteľnejšie prejavili v portréte a žánri.
Holandská krajina
Princípy holandskej realistickej krajiny sa formovali v priebehu prvej tretiny 17. storočia. Namiesto konvenčných kánonov a idealizovanej vymyslenej prírody v obrazoch majstrov talianskeho trendu sa tvorcovia realistickej krajiny obrátili k zobrazeniu skutočnej prírody Holandska s jeho dunami a kanálmi, domami a dedinami. Zachytili nielen charakter oblasti so všetkými znakmi, vytvorili typické motívy národnej krajiny, ale pokúsili sa sprostredkovať atmosféru sezóny, vlhký vzduch a priestor. To prispelo k rozvoju tónovej maľby, podriadeniu všetkých zložiek obrazu do jediného tónu.
Jedným z najväčších predstaviteľov holandskej realistickej krajiny bol Jan van Goyen (1596-1656). Pracoval v Leidene a Haagu. Obľúbené motívy umelca Jana van Goyena v jeho malých krajinách: údolia a vodná plocha širokých riek s mestami a dedinami na brehoch v sivých, zamračených dňoch. Jan van Goyen nechal veľa priestoru (asi dve tretiny obrázka) na oblohe s víriacimi mrakmi nasýtenými vlhkosťou. Taká je maľba „Pohľad na rieku Vaal v Nijmegene“ (1649, Moskva, Štátne múzeum výtvarného umenia pomenované po A. Puškinovi), vyobrazená v jemnej hnedo-šedej škále farieb.
Špeciálny typ krajiny zobrazujúci zvieratá, pastviny s kravami, ovcami vytvoril Paul Potter (1625-1654). Po perfektnom preštudovaní zvykov zvierat im umelec často dával detailné snímky, pričom starostlivo vypisoval textúru každého materiálu, mäkkú vlnu a najmenšie detaily. Sú to obrazy „Býk“ (1647, Haag, Mauritshuis), „Pes na reťazi“ (Petrohrad, Ermitáž).
Holandské zátišie
Spolu s krajinomaľbou sa v Holandsku 17. storočia rozšírilo aj zátišie, ktoré sa vyznačovalo intímnym charakterom. Holandskí umelci si pre svoje zátišia vybrali širokú škálu predmetov, dokázali ich perfektne usporiadať, odhaliť črty každého objektu a jeho vnútorný život, neoddeliteľne spojený s ľudským životom.
Holandskí maliari 17. storočia Peter Claes (asi 1597-1661) a Willem Heda (1594-1680 / 1682) napísali početné varianty „raňajok“, ktoré zobrazovali šunky, rezavé buchty, ostružinové koláče na stole, krehké sklenené poháre napoly naplnené vínom, s úžasnou zručne sprostredkovať farbu, objem, textúru každej položky. Nedávna prítomnosť človeka je citeľná v poruche, náhodnosti usporiadania vecí, ktoré mu práve slúžili. Ale táto porucha je iba zjavná, pretože zloženie každého zátišia je dôsledne premyslené a nájdené. Zdržanlivý šedo-zlatý, olivový tónový rozsah zjednocuje objekty a dodáva osobitnú zvučnosť tým čistým farbám, ktoré zdôrazňujú sviežosť čerstvo narezaného citrónu alebo jemný hodváb modrej stuhy.
„Raňajky“ majstrov zátišie, maliarov Klasa a Khedy, ustupujú časom „dezertom“ holandských umelcov Abrahama van Beyerena (1620 / 1621-1690) a Willema Kalfa (1622-1693). Beyerenove zátišia sú prísne zložené, emočne bohaté, pestré. Willem Kalf počas svojho života písal slobodným spôsobom a demokratickými „kuchyňami“ - hrnce, zeleninu a šľachtické zátišia pre výber vynikajúcich vzácnych predmetov, plných zdržanlivej šľachty, ako sú strieborné nádoby, poháre a mušle nasýtené vnútorným pálením farieb.
V ďalšom vývoji zátišie sleduje rovnaké cesty ako celé holandské umenie, ktoré stráca svoju demokraciu, svoju duchovnosť a poéziu, svoje čaro. Zátišie sa zmení na dekoráciu obydlia vysokopostavených zákazníkov. Napriek všetkej dekoratívnosti a zručnosti prevedenia neskoršie zátišie očakávajú úpadok holandského maliarstva.
Sociálna degenerácia, známa aristokratizácia holandskej buržoázie v poslednej tretine 17. storočia vedie k tendencii zbližovania s estetickými názormi francúzskej šľachty, vedie k idealizácii umeleckých obrazov, ich drveniu. Umenie stráca kontakt s demokratickou tradíciou, stráca realistický základ a vstupuje do obdobia dlhotrvajúceho úpadku. Holandsko, ktoré je vo vojnách s Anglickom veľmi vyčerpané, stráca pozíciu veľkej obchodnej sily a významného umeleckého centra.
Francúzske umenie 17. storočia
Vo francúzskom umení 17. storočia sa našiel najúplnejší odraz predstavy o človeku a jeho mieste v spoločnosti, ktorý vznikol formovaním centralizovaných monarchií v Európe. Klasická krajina absolutizmu, ktorá zabezpečovala rast buržoáznych vzťahov, zažila Francúzsko hospodársky rozmach a stala sa mocnou európskou mocnosťou. Boj za národné zjednotenie proti feudálnej svojvôle a anarchii prispel k posilneniu vysokej disciplíny rozumu, pocitu individuálnej zodpovednosti za svoje činy a záujmu o problémy štátu. Filozof Descartes vyvinul teóriu vôle a hlásal dominanciu ľudskej mysle. Vyzýval na sebapoznanie a dobývanie prírody, nazerajúc na svet ako na racionálne usporiadaný mechanizmus. Racionalizmus sa stal charakteristickou črtou francúzskej kultúry. Do polovice 17. storočia sa vyvinul národný spisovný jazyk - potvrdil zásady logickej jasnosti, presnosti a proporcionality. Francúzska klasická tragédia vyvrcholila v dielach Corneilla a Racina. Moliere vo svojich drámach stvárňuje „ľudskú komédiu“. Francúzsko zažilo rozkvet národnej kultúry, nie je náhodou, že Voltaire označil 17. storočie za „veľké“.
Francúzska kultúra 17. storočia sa formovala v podmienkach nastolenia absolutizmu. Jeho rozmanitosť a rozporuplnosť však určili široké smerovanie k národnému zjednoteniu. Nachádzala živé reakcie na akútne sociálne konflikty, ktoré sprevádzali zrod novej spoločnosti. Roľnícke a mestské povstania, veľké demokratické hnutie parlamentnej Fronde, otriasli základmi štátu v prvej polovici 17. storočia. Na tomto základe sa zrodili utópie, sny o ideálnej spoločnosti založenej na zákonoch rozumu a spravodlivosti a slobodomyseľná kritika absolutizmu. Vývoj francúzskeho umenia v 17. storočí prešiel dvoma etapami, ktoré sa zhodovali s prvou a druhou polovicou storočia.
Západoeurópske umenie 18. storočia
Osemnáste storočie v západnej Európe je poslednou etapou dlhého prechodu od feudalizmu ku kapitalizmu. V polovici storočia bol zavŕšený proces počiatočnej akumulácie kapitálu, vo všetkých sférach spoločenského vedomia sa viedol boj, dozrievala revolučná situácia. Neskôr to viedlo k dominancii klasických foriem rozvinutého kapitalizmu. V priebehu storočia došlo k gigantickému rozpadu všetkých sociálnych a štátnych nadácií, koncepcií a kritérií pre hodnotenie starej spoločnosti. Vznikla civilizovaná spoločnosť, vychádzali periodiká, vznikali politické strany a bojovalo sa o emancipáciu človeka z pút feudálno-náboženského pohľadu na svet.
Vo výtvarnom umení stúpal význam priamo realistického zobrazenia života. Rozšírila sa sféra umenia, stala sa aktívnym predstaviteľom oslobodzovacích myšlienok, bola naplnená aktuálnosťou, bojovnosťou, odhalila neresti a absurdity nielen feudálnej, ale aj nastupujúcej meštianskej spoločnosti. Taktiež predložila nový pozitívny ideál neviazanej ľudskej osobnosti, zbavenej hierarchických myšlienok, rozvíjajúcich individuálne schopnosti a zároveň obdarených ušľachtilým zmyslom pre občianske vedomie. Umenie sa stalo celonárodným a priťahovalo nielen okruh sofistikovaných znalcov, ale aj široké demokratické prostredie.
| Výtvarné umenie 18. storočia v najlepších dielach sa vyznačuje analýzou najjemnejších ľudských skúseností, reprodukciou nuancií pocitov a nálad. Intimita, lyrika obrazov, ale aj analytické pozorovanie (niekedy nemilosrdné) sú charakteristické znaky umenia 18. storočia. tak v žánri portrétov, ako aj v každodennej maľbe. Tieto črty umeleckého vnímania života sú prínosom 18. storočia k rozvoju svetovej umeleckej kultúry, aj keď treba uznať, že sa to dosiahlo za cenu straty univerzálnej úplnosti v zobrazení duchovného života, integrity v stelesnení estetických názorov spoločnosti, ktoré sú vlastné maľbe Rubens, Velazquez, Rembrandt, Poussin. | |
Hlavné trendy v sociálnom a ideovom vývoji západnej Európy v 18. storočí v rôznych krajinách sa prejavovali nerovnomerne. Ak v Anglicku priemyselná revolúcia, ktorá prebehla v polovici 18. storočia, upevnila kompromis medzi buržoáziou a šľachtou, vo Francúzsku bolo protifeudálne hnutie rozšírenejšie a pripravovalo buržoáznu revolúciu. Spoločná pre všetky krajiny bola kríza feudalizmu, jeho ideológia, formovanie širokého spoločenského hnutia - osvietenstva s kultom primárnej nedotknutej prírody a rozumu, ktorý ju chránil, s kritikou modernej skazenej civilizácie a snom o harmónii dobročinnej povahy a novej demokratickej civilizácie tiahnucej k prírodným. stav.
Osemnáste storočie je vekom rozumu, ničivej skepsy a irónie, vekom filozofov, sociológov, ekonómov; sa vyvinuli presné prírodné vedy, geografia, archeológia, história a materialistická filozofia spojená s technológiou. Napadnutím duševného každodenného života éry vytvorili vedecké poznatky základ umenia pre presné pozorovanie a analýzu reality. Osvietenci hlásali cieľ umenia napodobňovať prírodu, ale príroda je organizovaná, zdokonaľovaná (Diderot, A. Pop), očistená od škodlivých účinkov civilizácie spôsobenej človekom vyvolaných absolutistickým režimom, sociálnou nerovnosťou, nečinnosťou a luxusom. Racionalizmus filozofického a estetického myslenia 18. storočia však nepotlačil sviežosť a úprimnosť citov, ale vyvolal ašpiráciu na proporcionalitu, ladnosť, harmonickú úplnosť umeleckých javov umenia, počnúc architektonickými súbormi a končiac úžitkovým umením. Osvietenci pripisovali cíteniu veľký význam v živote a umení - zameranie na najušľachtilejšie ašpirácie ľudstva, pocit túžby po cieľavedomom konaní, ktorý obsahuje moc, ktorá spôsobí revolúciu v živote, pocit, ktorý môže oživiť prvotné cnosti „prirodzeného človeka“ (Defoe, Rousseau, Mercier) podľa prírodných zákonov príroda.
Rousseauov aforizmus „Človek je skvelý iba svojimi citmi“ vyjadril jeden z pozoruhodných aspektov spoločenského života 18. storočia, ktorý vyústil do hĺbkovej sofistikovanej psychologickej analýzy v realistickom portréte a žánri, pričom lyrická krajina (Gainsborough, Watteau, Berne, Robert) bola preniknutá poéziou pocitov „lyrický román“, “ básne v próze “(Russo, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson) dosahuje svoj najvyšší výraz v rozmachu hudby (Handel, Bach, Gluck, Haydn, Mozart, talianski operní skladatelia). Na jednej strane sa „malí ľudia“ stali hrdinami umeleckých diel, grafiky, literatúry a divadla 18. storočia - ľudia ako všetci ostatní sa stavajú do obvyklých podmienok doby, ktoré nepokazili bohatstvo a privilégiá, podliehali bežným prirodzeným pohybom duše a boli spokojní so skromným šťastím. Umelci a spisovatelia v nich boli potešení úprimnosťou, naivnou spontánnosťou duše, blízkou prírode. Na druhej strane sa pozornosť sústreďuje na ideál emancipovanej civilizovanej intelektuálnej osoby zrodenej z osvietenskej kultúry, rozbor jeho individuálnej psychológie, rozporuplné duševné stavy a pocity s ich jemnými odtieňmi, neočakávanými impulzmi a reflexnými náladami.
Ostré pozorovanie, vycibrená kultúra myslenia a cítenia sú charakteristické pre všetky umelecké žánre 18. storočia. Umelci sa snažili zachytiť každodenné životné situácie rôznych odtieňov, originálne individuálne obrazy, gravitované smerom k zábavným rozprávaniam a očarujúcim podívaným, akútne konfliktné akcie, dramatické intrigy a komicky postavené bájky, rafinovaná groteska, bifľovanie, ladné slávnosti.
Nové problémy nastali aj v architektúre. Dôležitosť budovania kostola sa zmenšila a úloha civilnej architektúry vzrástla, vynikajúco jednoduchá, aktualizovaná, zbavená nadmerného ukladania. V niektorých krajinách (Francúzsko, Rusko, čiastočne Nemecko) boli problémy plánovania miest budúcnosti vyriešené. Zrodili sa architektonické utópie (grafické architektonické krajiny - Giovanni Battista Piranesi a tzv. „Papierová architektúra“). Charakteristickým sa stal typ súkromnej, zvyčajne intímnej bytovej budovy a mestských súborov verejných budov. Zároveň sa v umení 18. storočia v porovnaní s predchádzajúcimi epochami znížilo syntetické vnímanie a plnosť pokrytia života. Doterajšie spojenie monumentálneho maliarstva a sochárstva s architektúrou sa prerušilo, zvýšili sa v nich rysy stojanového maliarstva a dekoratívnosti. Umenie každodenného života a dekoratívne formy sa stali predmetom osobitného kultu. Zároveň sa zvýšila interakcia a vzájomné obohacovanie rôznych druhov umenia, úspechy dosiahnuté jedným typom umenia slobodnejšie využívali ostatní. Vplyv divadla na maľbu a hudbu bol teda veľmi plodný.
Umenie 18. storočia prešlo dvoma etapami. Prvá trvala do roku 1740-1760. Vyznačuje sa transformáciou neskorobarokových foriem do dekoratívneho rokokového štýlu. Zvláštnosťou umenia prvej polovice 18. storočia je kombinácia vtipnej a posmešnej skepsy a sofistikovanosti. Toto umenie je na jednej strane rafinované, analyzuje nuansy pocitov a nálad, usiluje sa o ladnú intimitu, zdržanlivú lyriku, na druhej strane smeruje k „filozofii rozkoše“, k rozprávkovým obrazom Východu - Arabov, Číňanov, Peržanov. Súčasne s rokokom sa vyvinul realistický smer - medzi niektorými pánmi získal akútne usvedčujúci charakter (Hogarth, Swift). Otvorene sa prejavil boj umeleckých trendov v rámci národných škôl. Druhá etapa je spojená s prehlbovaním ideologických rozporov, rastom sebauvedomenia, politickou aktivitou buržoázie a más. Na prelome rokov 1760-1770. Kráľovská akadémia vo Francúzsku sa postavila proti rokokovému umeniu a pokúsila sa oživiť slávnostný, idealizujúci štýl akademického umenia z konca 17. storočia. Galantné a mytologické žánre ustúpili historickým a úklady si prevzali z rímskych dejín. Boli vyzvaní, aby zdôraznili veľkosť monarchie, ktorá stratila autoritu v súlade s reakčnou interpretáciou myšlienok „osvieteného absolutizmu“. Predstavitelia pokrokového myslenia sa obrátili k dedičstvu staroveku. Vo Francúzsku gróf de Keyluce otvoril vedeckú éru výskumu v tejto oblasti (Zbierka starožitností, 7 zväzkov, 1752-1767). V polovici 18. storočia nemecký archeológ a historik umenia Winckelmann (Dejiny umenia staroveku, 1764) vyzval umelcov, aby sa vrátili k „ušľachtilej jednoduchosti a pokojnej vznešenosti starodávneho umenia, odrážajúcemu slobodu republikánskej éry Grékov a Rimanov“. Francúzsky filozof Diderot našiel v dávnej histórii úklady, ktoré vypovedajú o tyranoch a požadujú povstanie proti nim. Vznikol klasicizmus, ktorý sa postavil proti dekoratívnosti rokoka proti prirodzenej jednoduchosti, proti subjektívnej svojvôli vášní - poznaniu zákonov skutočného sveta, zmyslu pre proporcionalitu, ušľachtilej myšlienke a skutkom. Umelci po prvýkrát študovali starogrécke umenie na novoobjavených miestach. Vyhlásenie o ideálnej, harmonickej spoločnosti, nadradenosť povinnosti nad citom, pátos rozumu sú spoločné znaky klasicizmu 17. a 18. storočia. Klasicizmus 17. storočia, ktorý vznikol na základe národného zjednotenia, sa však vyvinul v podmienkach rozkvetu šľachtickej spoločnosti. Klasicizmus 18. storočia sa vyznačoval protifeudálnou revolučnou orientáciou. Bol vyzvaný, aby spojil pokrokové sily národa v boji proti absolutizmu. Mimo Francúzska nemal klasicizmus revolučný charakter, ktorým sa vyznačoval v prvých rokoch Francúzskej revolúcie.
Súčasne s klasicizmom, ktorý zažíval svoj vplyv, realistický trend naďalej žil. Boli v ňom načrtnuté racionalistické tendencie: umelci sa usilovali zovšeobecniť životné javy.
V druhej polovici 18. storočia sa zrodil sentimentalizmus s kultom citu a vášne, obdivu ku všetkému jednoduchému, naivnému, úprimnému. Vznikol s ním preromantický smer umenia a vzbudil záujem o stredovek a ľudové umelecké formy. Predstavitelia týchto hnutí potvrdili hodnotu ušľachtilých a aktívnych pocitov človeka, odhalili dramatickosť jeho konfliktov s prostredím a podnietili ho k zásahu do skutočných vecí verejných v mene triumfu spravodlivosti. Vydláždili cestu „k poznaniu ľudského srdca a magickému umeniu predstaviť očiam zrod, vývoj a zrútenie veľkej vášne“ (Lessing) a vyjadrili naliehavú potrebu vzrušeného, \u200b\u200bpatetického umenia.
Umenie 19. storočia
V priebehu 19. storočia sa kapitalizmus stal dominantnou formáciou nielen v Európe, ale aj na iných kontinentoch. V tomto období sa prudko zintenzívnil boj medzi dvoma kultúrami - pokrokovou demokratickou a reakčnou buržoáziou. Realistické umenie 19. storočia, vyjadrujúce vtedajšie pokrokové myšlienky, presadzovalo estetické hodnoty reality, oslavovalo krásu skutočnej prírody a muža práce. Realizmus 19. storočia sa od predchádzajúcich storočí líšil tým, že v umení priamo odrážal hlavné rozpory éry, spoločenské podmienky života ľudí. Kritické pozície tvorili základ metódy realistického umenia 19. storočia. Jeho najkonzistentnejšou inkarnáciou bolo umenie kritického realizmu - najcennejší príspevok k umeleckej kultúre doby.
Rôzne oblasti kultúry 19. storočia sa vyvíjali nerovnomerne. Svetová literatúra (Victor Hugo, Honore Balzac, Henri Stendhal, Fjodor Dostojevskij, Lev Tolstoj), hudba (Johann Beethoven, Frederic Chopin, Richard Wagner) dosahujú najvyššie vrcholy. Pokiaľ ide o architektúru a úžitkové umenie, po vzostupe, ktorý určil empírový štýl, sú obe tieto umelecké formy v kríze. Dochádza k rozpadu monumentálnych foriem, štylistickej jednoty ako integrálneho umeleckého systému pokrývajúceho všetky druhy umenia. Najrozvinutejšie sú stojanové formy maľby, grafiky a čiastočne aj sochárstva, ktoré gravitujú vo svojich najlepších prejavoch smerom k monumentálnym formám.
S národnou jedinečnosťou v umení ktorejkoľvek kapitalistickej krajiny sa posilňujú spoločné črty: kritické hodnotenie životných javov, historizmus myslenia, to znamená hlbšie objektívne chápanie hybných síl spoločenského vývoja minulých historických etáp i súčasnosti. Jedným z hlavných úspechov umenia 19. storočia je vývoj historických tém, ktorý po prvýkrát odhaľuje úlohu nielen jednotlivých hrdinov, ale aj más, a konkrétnejšie obnovuje historické prostredie. Stále viac sa rozširujú všetky druhy portrétov, žánrové žánre, krajiny s výrazným národným charakterom. Satirická grafika prekvitá.
Víťazstvom kapitalizmu sa veľká buržoázia stáva hlavnou silou, ktorá zaujíma obmedzenie a potlačenie realistických a demokratických tendencií umenia. Výtvory vedúcich osobností európskej kultúry Constable, Goya, Gericault, Delacroix, Daumier, Courbet, Manet boli často prenasledované. Výstavy boli zaplnené rafinovanými prácami takzvaných salónnych umelcov, teda tých, ktorí zaujímali dominantné miesto v umeleckých salónoch. Aby uspokojili vkus a požiadavky buržoáznych zákazníkov, pestovali povrchný popis, erotické a zábavné motívy, ducha apologetiky buržoáznych nadácií a militarizmus.
Už v 60. rokoch 19. storočia Karl Marx poznamenal, že „kapitalistická výroba je nepriateľská voči niektorým odvetviam duchovnej výroby, ako sú umenie a poézia“. Umenie zaujíma buržoáziu hlavne ako výnosná investícia (zbieranie) alebo ako luxusný predmet. Zberatelia sa samozrejme stretli so skutočným pochopením umenia a jeho účelu, ale išlo o veľmi málo výnimiek z pravidla. Buržoázia vo všeobecnosti pôsobila ako tvorca trendov chutí a hlavný spotrebiteľ umenia, aby umelcom vnucovala obmedzené chápanie umenia. Rozvoj hromadnej výroby s jej neosobnosťou a spoliehaním sa na trh znamenal potlačenie tvorivosti. Deľba práce v kapitalistickej výrobe kultivuje jednostranný rozvoj jednotlivca a samotnú prácu oberá o tvorivú integritu. Marx a Engels, keď hovorili o nepriateľstve kapitalizmu k umeniu, vo všeobecnosti neznamenali nemožnosť umeleckého pokroku v 19. a 20. storočí. Zakladatelia vedeckého komunizmu vo svojich dielach ocenili úspechy, napríklad kritický realizmus 19. storočia.
Demokratická línia umenia, odhaľujúca úlohu ľudí ako hybnej sily dejín a potvrdzujúca estetické hodnoty demokratickej kultúry národa, prechádza mnohými vývojovými etapami. V prvej etape, od Veľkej francúzskej revolúcie v rokoch 1789-1794 do roku 1815 (čas národnooslobodzovacieho boja národov proti napoleonskej agresii), sa vykorisťovateľská podstata buržoáznej spoločnosti ešte úplne neuvedomila. Demokratické umenie sa formuje v boji proti zvyškom ušľachtilej umeleckej kultúry, ako aj proti prejavom obmedzení buržoáznej ideológie. Najvyššie úspechy umenia sa v tejto dobe spájali s revolučným pátosom más, ktoré verili vo víťazstvo ideálov slobody, rovnosti a bratstva. Je to vrchol rozkvetu revolučného klasicizmu a vzniku romantického a realistického umenia.
Druhá etapa, od roku 1815 do roku 1849, spadá do doby vytvorenia kapitalistického systému vo väčšine európskych krajín. V rozvinutom demokratickom umení tejto etapy nastáva prechod na rozhodnú kritiku vykorisťovateľskej podstaty buržoáznej spoločnosti. Toto je obdobie najvyššieho rozkvetu revolučného romantizmu a pridania umenia kritického realizmu.
S vyostrovaním triednych rozporov medzi buržoáziou a proletariátom, ktoré vyvrcholilo počas Parížskej komúny (1871), sa ešte viac posilnil antagonizmus medzi reakčnými buržoázami a demokratickými kultúrami. Na konci 19. storočia sa kritika kapitalistickej štruktúry, v literatúre aj v umeleckých dielach, uskutočňovala z hľadiska rastúceho svetonázoru revolučného proletariátu.
Podobné informácie.
Zatiaľ ide o špeciálnu oblasť európskej kultúry, ktorá si zaslúži podrobnejšie štúdium, ktorá odráža pôvodný život obyvateľov Holandska v tom čase.
História vzhľadu
V sedemnástom storočí sa v krajine začali objavovať vynikajúci predstavitelia umenia. Francúzski vedci v oblasti kultúry im dali spoločný názov - „Malí Holanďania“, ktorý nesúvisí s rozsahom talentov a označuje pripútanie k určitým témam z každodenného života, na rozdiel od „veľkého“ štýlu s veľkými plátnami na historické alebo mytologické témy. História vzniku holandskej maľby bola podrobne popísaná v devätnástom storočí a tento termín použili aj autori prác o nej. Malí Holanďania sa vyznačovali sekulárnym realizmom, oslovovali svet okolo seba i ľudí a používali maľbu bohatú na tóny.
Hlavné fázy vývoja
Dejiny vzniku holandského maliarstva možno rozdeliť do niekoľkých období. Prvá trvala asi od roku 1620 do roku 1630, keď došlo k nastoleniu realizmu v národnom umení. Holandské maliarstvo zažilo druhé obdobie v rokoch 1640-1660. To je doba, kedy miestna umelecká škola skutočne prekvitala. Konečne tretie obdobie, čas, keď holandská maľba začala upadať - od roku 1670 do začiatku osemnásteho storočia.
Stojí za zmienku, že počas tejto doby sa kultúrne centrá zmenili. V prvom období pôsobili poprední umelci v Haarleme, hlavným predstaviteľom bola Khalsa. Potom sa centrum presunulo do Amsterdamu, kde najvýznamnejšie práce vykonali Rembrandt a Vermeer.
Scény každodenného života
Pri vymenovaní najdôležitejších žánrov holandskej maľby je nevyhnutné začať s každodenným životom - najvýraznejším a najvýraznejším v histórii. Boli to Flámovia, ktorí otvorili svet scénam z každodenného života obyčajných ľudí, roľníkov a mešťanov či mešťanov. Priekopníkmi boli Ostade a jeho nasledovníci Oudenrogge, Bega a Dusart. V raných Ostadových plátnach ľudia hrajú karty, hádajú sa, ba dokonca bojujú v krčme. Každý obrázok sa vyznačuje dynamickým, trochu brutálnym charakterom. Holandská maľba tých čias hovorí aj o pokojných scénach: v niektorých dielach sa roľníci rozprávajú cez fajku a pohár piva, trávia čas na jarmoku alebo so svojimi rodinami. Rembrandtov vplyv viedol k rozšírenému používaniu mäkkej šerosvitovej zlatej farby. Mestské scény inšpirovali umelcov ako Hals, Leicester, Molenaire či Codde. V polovici sedemnásteho storočia majstri stvárňovali lekárov, vedcov v procese práce, vlastných dielní, prác okolo domu alebo Každá zápletka mala byť zábavná, niekedy didaktická až groteskná. Niektorí majstri inklinovali k poetizácii každodenného života, napríklad Terborch zobrazoval scény z hrania hudby alebo flirtovania. Spoločnosť Metsu použila svetlé farby, vďaka ktorým sa z každodenného života stala dovolenka, zatiaľ čo de Hooch sa inšpiroval jednoduchosťou rodinného života zaliaty rozptýleným denným svetlom. Neskorší predstavitelia žánru, medzi ktorých patria aj takí holandskí maliari ako Van der Werf a Van der Neer, často vytvárali pri hľadaní elegantného zobrazenia trochu domýšľavé predmety.
Príroda a krajina
Holandská maľba je navyše široko zastúpená v žánri krajiny. Prvýkrát sa objavila v dielach takých majstrov z Haarlemu ako van Goyen, de Molane a van Ruisdael. Práve oni začali vykresľovať vidiek v určitom striebristom svetle. V dielach sa do popredia dostávala hmotná jednota prírody. Samostatne stojí za zmienku morské scenérie. Námorní maliari boli v 17. storočí, napríklad Porcellis, de Vlieger a van de Capelle. Nesnažili sa toľko usilovať o sprostredkovanie určitých morských scén, ako sa pokúsili zobraziť samotnú vodu, hru svetla na nej a na oblohe.
Do druhej polovice sedemnásteho storočia sa v žánri objavili emotívnejšie diela s filozofickými myšlienkami. Krásu holandskej krajiny naplno odhalil Jan van Ruisdael, ktorý ju stvárnil v celej jej dramatickosti, dynamike a monumentálnosti. Pokračovateľom jeho tradícií bol Hobbem, ktorý uprednostňoval slnečné krajiny. Koninck maľoval panorámy, zatiaľ čo van der Neer sa zaoberal tvorbou nočnej krajiny a prenosom mesačného svitu, východu a západu slnka. Pre mnohých umelcov je charakteristické aj vyobrazenie zvierat v krajine, napríklad pasúcich sa kráv a koní, ako aj poľovníctvo a scény s jazdcami. Neskôr sa umelci začali zaujímať o zahraničnú prírodu - Bot, van Lar, Veniks, Berchem a Hackert zobrazovali Taliansko, ktoré sa kúpalo v lúčoch južného slnka. Priekopníkom žánru bol Sunredam, ktorého najlepšími nasledovníkmi sú bratia Berkheide a Jan van der Heyden.
Obrázok interiérov
Samostatným žánrom, ktorý v období rozkvetu odlišoval holandskú maľbu, boli scény s kostolnými, palácovými a domácimi miestnosťami. Interiéry sa na plátnach druhej polovice sedemnásteho storočia objavovali majstrami Delftu - Haukgestom, van der Vlietom a de Witteom, ktorí sa stali hlavným predstaviteľom trendu. Umelci pomocou Vermeerových techník zobrazovali scény zaliate slnečným žiarením, plné emócii a objemu.
Scénické jedlo a jedlá
A nakoniec, ďalším charakteristickým žánrom holandskej maľby je zátišie, najmä obraz raňajok. Prvýkrát sa o to postarali obyvatelia Harlemu Klas a Khedy, ktorí kreslili prestreté stoly luxusným riadom. Malebný neporiadok a špeciálne stvárnenie útulného interiéru sú vyplnené strieborno-šedým svetlom, ktoré je typické pre strieborné a cínové jedlá. Utrechtskí umelci maľovali svieže kvetinové zátišia a v Haagu boli majstri obzvlášť úspešní v zobrazení rýb a morských plazov. V Leidene nastal žánrový filozofický trend, v ktorom lebky a presýpacie hodiny susedia so symbolmi zmyselného potešenia alebo pozemskej slávy, ktoré majú pripomínať pominuteľnosť času. Demokratické zátišia v kuchyni sa stali charakteristickým znakom umeleckej školy v Rotterdame.
