XVII kettőt mutatott a világnak művészeti iskolák - holland és flamand... Mindkettő Hollandia művészeti hagyományainak örököse volt, egy európai ország, amelynek területén addigra a katolikus Flandria kialakult, nevét a legjelentősebb tartományról (ma Belgium és Franciaország területe) kapta. Más tartományok, miután megvédték a reformáció eszméinek betartását, egyesültek, és kezdték őket Holland Köztársaságnak vagy egyszerűen Hollandiának nevezni. A 17. században Hollandiában a lakosság mintegy háromnegyede városi volt, a középosztályt tartották főosztálynak. A református egyház felhagyott a dekoráció pompájával, nem voltak megkoronázott vásárlók és nemzetségi arisztokrácia, ami azt jelenti, hogy a polgárság képviselői lettek a művészet fő fogyasztói. A festésre fenntartott hely csak polgári házakra és középületekre korlátozódott.
A festmények méretei általában nem voltak nagyok (összehasonlítva a palota festményével vagy a templomok oltárkompozícióival), és a cselekmények kamarai jellegűek voltak, a magánélet, a mindennapi élet jeleneteit ábrázolva. A holland művészet legfőbb eredménye a 17. században. - festőállvány festésnél. Az embert és a természetet holland művészek figyelték meg és ábrázolták. A szorgalom, a szorgalom, a rend iránti szeretet és a tisztaság tükröződik a holland életet ábrázoló festményeken. Ezért hívták meg a 17. századi holland mestereket (Rembrandt és Hals kivételével) "Kis holland" (századi holland festők hatalmas köre. munkájuk kamarás jellege, festményeik kis mérete (táj, belső, mindennapi tárgyak) kapcsán merült fel. A kis holland festészetet az írás finomsága, az apró részletek expresszivitása, a fény- és színárnyalatok szépsége, a karakterek általános kényelmi érzése, közelsége és egysége jellemzi tájban vagy belső környezetben. A legkiemelkedőbb képviselők között van Jan Wermer, az Ostade testvérek (Adrian van O. és Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu.
A művészek többsége szülőföldjén talált témákat festményeikhez, Rembrandt tanácsait követve: „Tanulja meg elsősorban a gazdag természetet, és mindenekelőtt azt jelenítse meg, amit benne talál. Ég, föld, tenger, állatok, jó és rossz emberek - mind-mind a testmozgásunkra szolgálnak. A síkságok, dombok, patakok és fák elegendő munkát biztosítanak a művész számára. A városok, a piacok, az egyházak és a természeti erőforrások ezrei hozzánk kiáltanak és azt mondják: szomjazz a tudásra, szemlélődj és szaporíts minket. " A művészek termelékenysége hihetetlen méreteket öltött, ennek eredményeként verseny alakult ki a festők között, ami viszont a mesterek specializálódásához vezetett. És talán emiatt műfaj szerint sokszínű megkülönböztetés volt. Voltak művészek, akik csak a tengeri tájkép vagy a városi nézetek műfajában dolgoztak, vagy a helyiségek (helyiségek, templomok) belső terét ábrázolták. A festészet történetében volt már csendéletre és tájképre példa, de ezek a műfajok még soha nem értek el olyan tömeges jelleget és önellátást, mint a 17. századi Hollandia.
A hollandok az egész sokszínű világot szerették volna látni festményeiken. Ezért a század festészetének széles skálája, "szűk specializáció" bizonyos típusú témákban: portré és táj, csendélet és állatias műfaj. Hollandiában nem voltak kapcsolatok Olaszországgal, és a klasszikus művészet nem játszotta ugyanazt a szerepet, mint Flandria. A reális tendenciák elsajátítása, egy bizonyos témakör hozzáadása és a műfajok megosztása egyetlen folyamatként a 17. század 20-as éveire fejeződik be.
A 17. századi holland festészet története. tökéletesen bemutatja Hollandia egyik legnagyobb portréfestőjének munkájának alakulását Frans Hals (1580-1666) Tevékenysége szinte teljes egészében Harlemben zajlott. Itt, már 1616 körül, előléptették a legjelentősebb portréfestőként, és élete végéig megőrizte ezen a területen betöltött szerepét. Hals megjelenésével a szigorúan reális és megrendítően egyéni holland portré eléri az érettséget. Minden félénk, kicsinyes, naturalista, ami megkülönbözteti elődeit, legyőzhető.
A Hals művészet kezdeti szakaszát nem tisztázták. Rögtön látjuk, hogy a mester megoldja a csoportkép legnehezebb problémáját. Egymás után festi a lövészeket a St. Hadrianus és St. George (Haarlem, Frans Hals Múzeum), ahol a zsúfolt találkozó élénkségét és a jelenlévők mindegyikének fényességét utánozhatatlan könnyedséggel közvetítik. A csoportosulások képi készsége és kompozíciós leleményessége együtt jár ezekben a portrékban, a jellemzők rendkívüli élességével. Hals nem pszichológus: modelljeinek mentális élete általában elmúlik számára. És olyan emberek nagy részének ír, akiknek egész élete intenzív, erőteljes tevékenység körülményei között telik, de akik nem mélyednek el mélyen pszichológiai természetű kérdésekben. De Hals, mint senki, megragadja ezeknek az embereknek a megjelenését, képes megragadni a legröpkebb, ugyanakkor a legjellemzőbbet az arc kifejezésében, a pózban, a gesztusokban. Jellegéből adódóan vidám, minden képet az újjáéledés, az öröm pillanatában igyekszik megörökíteni, és senki sem közvetíti a nevetést olyan finomsággal és változatossággal, mint ő. Tiszti portré (1624, London, Wallace-gyűjtemény), a „Gaitgeisen” (1630-as évek vége, Brüsszel, művészeti galéria), „Cigány” (1620-as évek vége, Louvre) székre lengve, vagy az ún. "Harlem Witch" - "Malle Bobbé" (Berlin) a megrendítő és gyakran hetyke művészetének tipikus példaként említhető. A férfiakat, nőket, gyerekeket ugyanolyan élő kép érzéssel ábrázolja („ Kesztyűs fiatalember portréja", RENDBEN. 1650, Hermitage). Maga a Hals technika hozzájárul az elevenség benyomásához, szokatlanul szabad és az évek során egyre szélesebb. A korai művek dekoratív ragyogása ezt követően enyhül, a szín ezüstössé válik, a fekete-fehér tónusok használatának szabadsága olyan készségről szól, amely megengedheti magának a legmerészebb festői merészséget.
A késői időszak (50-60-as évek) portréin a gondtalan képesség, az energia és a nyomás eltűnik. Az Ermitázs férfi portréján az összes impozáns alak ellenére nyomon követhető a fáradtság és a szomorúság. Ezeket a tulajdonságokat tovább fokozza a ragyogóan festett, széles karimájú kalapú férfi portré (kasszeli múzeum). Khals ezekben az években megszűnik népszerű lenni, mert soha nem hízeleg, és kiderül, hogy idegen a gazdag vásárlók elfajzott ízlésétől, akik elvesztették demokratikus szellemiségüket. De a kreativitás késői időszakában jutott el Hals a készség csúcsára és alkotta meg a legmélyebb munkát. Egyes művekben a színmegoldások impresszionista módszereit vázolják fel. Hals élete utolsó éveiig számtalan egyedi portrét festett, de ismét visszatért a csoportos portrékhoz. 2 portrét fest - regenseket és regenseket egy idősek számára kialakított menhelyről, amelyek közül az egyik élete végén menedéket talált. A régensek arcképében nincs a korábbi kompozíciók bajtársa, a modellek egységtelenek, tehetetlenek, tompa külsejűek, arcukra pusztítás íródott. Az egyik régens térdén egy rózsaszínű-vörös folt különleges feszültséget okoz a komor színezésben (fekete, szürke és fehér). Tehát 9 éves korában egy beteg, magányos és elszegényedett művész megalkotja legdrámaibb és legkifinomultabb műveit.
A Hals művészete korának szempontjából nagy jelentőségű volt, nemcsak a portré, hanem a műfaj, a táj, a csendélet műfajának fejlődését is befolyásolta.
Tájképi műfaj Holland 17. század különösen érdekes. Ez általában nem természet, az univerzum valamilyen általános képe, hanem nemzeti, mégpedig a holland táj, amelyet a modern Hollandiában ismerünk fel: a híres szélmalmok, sivatagi dűnék. A szürke ég nagy helyet foglal el a kompozíciókban. Így ábrázolják Hollandiát Jan Van Goyen (1596-1656) és Salomon Van Ruisdael (1600-1670).
A holland iskola tájfestésének hajnala a közepéhez tartozik. 17. század A reális táj legnagyobb mestere az volt Jacob van Ruisdael (1628–1682), a kimeríthetetlen fantázia művésze. Munkái általában tele vannak mély drámákkal, legyen az erdősűrűség ("Erdei mocsár"), vízeséses tája ("Vízesés") vagy romantikus táj temetővel ("zsidó temető"). Ruisdael természete dinamikában, az örök megújulásban jelenik meg. A természet legösszetettebb motívumai is monumentális jelleget szereznek a művész ecsete alatt. Ruisdael hajlamos a gondos írást nagy integritással, szintetikus képpel ötvözni.
Haarlemben született 1628-ban vagy 1629-ben. Első, 1646-ban fennmaradt munkája úgy néz ki, mint egy érett mester munkája - és akkor még csak 18 éves volt. Teljes bizalommal mondhatjuk, hogy Ruisdael 1648-ban a Haarlemi Művészek Céhének tagja lett.
Fiatalkorában Ruisdael elég sokat utazott a természet után kutatva - anélkül azonban, hogy több mint száz mérföldre lett volna szülőhazájától Haarlemtől. Az 1650-es évek közepén a művész Haarlemból Amszterdamba költözött, ahol napjainak végéig élt.
Amszterdam fővárosa Ruisdael idején feltűnően különbözött a tartományi Haarlem-től (bár e városok közötti távolság akkor is két óra alatt túllépett). Ruisdael nem magánrendelésre, hanem ingyenes eladásra festette festményeit. 1670 körül a város központjába, a Dam térre költözött, ahol közvetlenül festményekkel és könyvekkel foglalkozó Hieronymus Sveerts üzlete felett bérelt lakást.
Meindert Hobbema (1638, Amszterdam, - 1709. december 7.) - a holland táj legjelentősebb mestere mentora, Jacob van Ruisdael után.
Ismeretes, hogy Hobbema és Ruisdael együtt utaztak, és vázlatokat készítettek a természetből. 1668 novemberében Hobbema feleségül vette az amszterdami burgomaster szakácsát, és általa megkapta az import borok minőségének ellenőrzését. Sokáig azt hitték, hogy festményének ezzel vége.
Lehet, hogy kevesebb időt töltött festéssel, mint korábban, de legjobb alkotása, A sikátor a Middelharnis-ban 1689-ből származik, egy másik londoni festmény, a Brederode-vár romjai pedig 1671-ből származik. Ezek a későbbi darabok a holland tájképfestészet legsikeresebb eredményei közé tartoznak, és valójában vonalat húznak a fejlődésében.
A művész szegénységben halt meg, de már a 18. században sokat utánozták, művei a gyűjtők közötti versengés tárgyává váltak. Ruisdaellel ellentétben, aki előszeretettel ragadta meg a vadon élő állatokat, Hobbemut csendes vidéki jelenetek vonzották, napsütötte falvakra nyíló kilátással, itt-ott fahegyekkel keveredve. Ezekben a vidéki idillekben minden nagy gonddal meg van írva, különösen a lombozat.
A holland tájhoz szorosan kapcsolódik állatias műfaj... A tájfestés számos képviselője érdekelt az állatok átadásában. Ez utóbbiak nagyon gyakran kiderülnek, hogy tisztán tájképi elemekkel egyenértékűek, és néha a táj számukra legfeljebb háttérként szolgál. Az állat fajtájának, szerkezetének, színének, jellegzetes mozgásának azonosításának képessége a hollandok egyik feltűnő tulajdonsága. Ezzel a készséggel kombinálva a légkör és a fény közvetítésének finomsága kivételes tökéletességet ér el néhány állatkutató körében. Ezt számos mű bizonyítja Paulus Potter (1625-1654) és Albert-fok (1620-1691). Mindkettő, a szabadban legelő vagy pihenő állatokat ábrázoló festményekkel együtt (Potter's Farm, Hermitage, 1649), néhány példányát közelről is lefestette. Az általános tervek mellett Potter egy vagy több állatot szeret közelről ábrázolni egy táj hátterében ("Kutya egy láncon"). Cape kedvenc motívuma a tehenek egy öntözőlyuknál ("Naplemente a folyón", "Tehenek a patak partján"). Festmény "Táj csordával, lovassal és parasztokkal".
A békés vidéki jelenetet a naplemente aranyló fényében fürdik. Meleg fény hatol be a kompozíció minden részletébe, izzó hatást keltve. Ez feltűnően különbözteti meg a fok színét kortársainak hideg kékjétől és zöldjétől, mint pl Meindert Hobbema... Az állatok látszólagos véletlenszerűségét alaposan átgondolják annak érdekében, hogy megmutassák a fény és az árnyék játékát.
Ezenkívül a Fokföld az első helyek a tiszta táj képviselői között. Festményeit az arany, a napfény átadásának kivételes képessége különbözteti meg, motívumai rendkívül változatosak és számos kikötőt tartalmaznak (tengerre néző kilátás).
Csak a tengeri táj mellett (Marina) eljegyezték Ian Porsellis (1584-1632). Marina nagyon fontos szerepet játszott a 17. századi holland művészetben, és számos első osztályú szakembert hozott létre. Úgy tűnik, a kikötő általános fejlődése megegyezik a holland táj történetében megfigyelt fejlettséggel. Korán a kompozíciók egyszerűek. A művész akkor látja elért célját, ha a tenger szélességét, a rajta lengő hajókat és magát a vizet közvetíti a legnagyobb valószínűséggel. Így írja Jan Porcellis. A következő generációban a tengeri fajok terjedésének jellege a nagyobb dinamizmus felé változik. Mégis, igaz, olyan képek készülnek, amelyek a vízelem nyugalmát ábrázolják, de ez most nem elég; viharok hajókat kezdnek dobálni a sziklákra, óriási hullámok halállal fenyegetik őket, és a tengerészeket menedékre késztetik a kikötőben. Mindkét esetben nincsenek nehézségek Bakgeisen (1631-1709) számára. Ecsete ugyanolyan virtuozitással közvetíti az ég, a ciklonok, a permet, a sziklák és a roncsok nyomait.
A csendélet ragyogó fejlődést ér el. A holland csendélet a flamandokkal ellentétben szerény méretű és intim jellegű festmények motívuma. Klass Péter (1597-1661), Willem Head (1594-1680) leggyakrabban az ún. reggeli: sonkás vagy pités ételek egy viszonylag szerényen felszolgált asztalon. Ügyes elrendezésben a tárgyakat úgy mutatják be, hogy az ember úgy érzi, mintha a dolgok belső élete lenne (a hollandok nem hiába nevezték a csendéletet „még levennek” - „csendes életnek”, és nem „természet morte” -nak - „holt természetnek”). A szín visszafogott és kifinomult (Kheda "Reggeli homárral", 1658; "Csendélet gyertyákkal" osztály, 1627)
Willem Heda Haarlemben dolgozott, és Peter Klas befolyásolta. Szerény csendéletek - Khed "reggelijeire", amelyek általában a háztartási eszközök és ételek kis készletét ábrázolták, a dolgok textúrájának átadásában való kiváló készség, a visszafogott ezüst-zöld vagy ezüst-barna szín jellemzi ("Reggeli szeder pite" -vel, 1631, Műcsarnok , Drezda; "Sonka és ezüstáru", 1649, Állami Szépművészeti Múzeum, Moszkva).
A holland közösség életének változásával a 2. félidőben. A 17. század a burzsoázia arisztokratizálódási vágyának fokozatos növekedésével és korábbi demokráciájának elvesztésével a csendéletek jellege is megváltozott. "Reggeli" fejek helyett luxus "desszertek" Willem Kalf (1619-1693). Az egyszerű edényeket márványasztalok, szőnyegterítők, ezüst serlegek, gyöngyházhéjakból készült edények és kristálypoharak váltják fel. Kalf elképesztő virtuozitást ér el az őszibarack, a szőlő és a kristályfelületek textúrájának közvetítésében. Az előző időszak csendéletének egységes tónusát felváltja a legkiválóbb színes árnyalatok gazdag fokozata.
Holland festő. 1640-1645-ben Franciaországban, 1653-tól Amszterdamban dolgozott. Később Willem Kalf főleg Amszterdamban élt és dolgozott. Ez a csendélet festőművész kortársa, Jan Vermeer munkájának hatására köszönhette festményei mély, gazdag színeit. A holland csendélet iskola egyik legnagyobb mestere, Kalf mind a szerény festményeket festette, amelyek szegény konyhákat és udvarokat ábrázoltak ("Parasztház udvara", Állami Ermitázs, Szentpétervár), valamint látványos kompozíciókat értékes edényekkel és egzotikus déli gyümölcsökkel ("Reggeli ”, Állami Múzeum, Amszterdam;„ Csendélet ”, Állami Ermitázs, Szentpétervár). A kalfa-csendéletfestő virtuozitása a térkonstrukciók klasszikus finomításában, az egyes dolgok eredetiségének és belső értékének finom érzékelésében, a vágott-világos és színes kapcsolatok kifinomultságában és gazdagságában, a különböző textúrák és anyagok látványos kontrasztjában nyilvánul meg.
„Csendélet homárral, borszarvmal és pohárral”. Egzotikus és fényűző tárgyak gyűjteménye, amelyek terítékre vannak kitűnő kivitelezéssel és mély színérzékkel festve. A homár, egy szikrázó, filigrán ezüst színű borszarv, átlátszó poharak, citrom és egy török \u200b\u200bszőnyeg olyan csodálatos gondossággal készül, hogy az ember azt az illúziót kapja, hogy valódi és kézzel megérinthető. Az egyes termékek helyét gondosan megválasztották, hogy a csoport egésze a szín, az alak és a textúra harmóniáját hozza létre. A meleg fényt beborító tárgyak értékes drágakövek méltóságát adják számukra, ritkaságuk, pompájuk és szeszélyességük tükrözi a holland gyűjtők kifinomult ízlését a 17. században - abban az időben, amikor a csendéletek rendkívül népszerűek voltak.
Holland csendélet - a holland művészet legfontosabb témájának egyik művészi megvalósítása - egy hétköznapi ember magánéletének témája. Ez a téma teljes mértékben testet öltött a műfaji festészetben. A 20-30-as években. 17. század a hollandok egy különleges típust hoztak létre a kis figurákból. 40-60-as évek - a festészet virágzása, Holland nyugodt polgári életének dicsőítése, a mindennapi lét mérése. Még a Hals-körben is, ahol Adrian Browver flamand festő is alakot öltött, kialakult a paraszti életből származó különös érdeklődés a témák iránt. Adrian van Ostade (1610-1685) - képi érdemeit tekintve a legnagyobb volt a paraszti élet ábrázolásában. Általában annak árnyoldalait ábrázolja ("Küzdelem"). A többi képviselőhöz hasonlóan témáit is teljes egészében az uralkodó osztály ideológiájának szellemében közelíti meg, és vagy idealizálja a valóságot, vagy a parasztokban csak olyan mulatságos lényeket lát, amelyek erkölcséből nevetés és poén indul ... ("Falusi kocsmában" 1660).
Egy későbbi időszakban művészete elsajátította a líra vonásait, és a korábbi cselekményeket felváltotta a békés kikapcsolódás képe a kunyhó küszöbén vagy egy falusi kocsma udvarán, valamint belső csendes családias kényelmi jelenetek (Village Concert, 1655, Hermitage). Az ilyen apró figurák mellett Ostade gyakran nagyobb léptékben festette a különféle mesterségek képviselőinek szigorúan reális félalakjait. Jog szerint Ostade festészet remekművét "Festőnek a műteremben" (1663) tekintik, amelyben a művész az emberi munkát dicsőíti, sem deklaráció, sem pedig pátosz nélkül.
De a "kis hollandok" fő témája továbbra sem a paraszti, hanem a polgári életmód volt. Általában ezek olyan képek, amelyek nem tartalmaznak érdekes vonalvezetést. Az ilyen műfaj képein mintha semmi sem történne. Az asszony elolvassa a levelet, az úr és a hölgy zenélnek. Vagy éppen most találkoztak, és az első érzés megszületik bennük, de ez csak körvonalazódik, a nézőnek joga van spekulálni. Az ilyen festmények legszórakoztatóbb mesemondója az volt Jan Stan (1626-1679). Sten számára a kortársak többségével ellentétben a cselekményoldal nem közömbös. Jelentős szerepet szán az elbeszélésnek festményein, és imád különféle szórakoztató jeleneteket ábrázolni a kispolgárság mindennapjaiból. Ezekben a mester éles megfigyelést tár fel, találóan jellemzi a típusokat és finom vidám humorral mondja el az általa választott epizódokat. A "Beteg és az orvos" című festmény (1660 körül, Ermitázs) tájékoztató jellegű számára. Sten tevékenységének későbbi időszakában ezek a vonások elveszítik élességüket, és az általános tendenciát követve, a művészet útjára lép, elegánsabban és a valós világ tisztán vizuális észlelésének problémáinak szentelve.
Nagy készségeket ért el Gerard Terborch (1617-1681). A legdemokratikusabb történetekkel kezdte ("A daráló"). A selyem és szatén képében, az üvegüvegek átlátszóságában és minden dolog felületében a legnagyobb hozzáértéssel volt megkülönböztetve. Az ábrákat nagyon gyakran Terborch jól ismert arisztokratikus megjelenése jellemzi, amelyet a nemesség közül választott modellek magyaráznak. Terborch művészetének kifinomultsága nagyrészt színének köszönhető, amelyet a gyönyörű ezüst tónusok uralnak. A művész legjobb festményei közé tartozik az "Egy pohár limonádé" (Hermitage) és a "Koncert" (Berlin, Dahlem).
A belső tér különleges költészetet szerez a kis hollandok körében. A hollandok élete főleg a házban zajlott. A téma igazi énekese az volt Peter de Hooch (1629-1689). A dolgok átadásának illuzórikus jellege háttérbe szorul e mester számára, és az érdeklődés a térbeli kapcsolatok fejlesztésére összpontosul, különös tekintettel a belső terek, valamint az udvarok és a mögöttük megnyíló utcák ábrázolására ("A szobalányos háziasszony", Hermitage, 1660 körül). félig nyitott ablakú szobáit véletlenül eldobott cipővel vagy seprűt hagyják, általában emberi alak nélkül vannak ábrázolva, de itt láthatatlanul jelen vannak az emberek, mindig van összefüggés a belső tér és az emberek között. Amikor embereket ábrázol, szándékosan fagyasztott ritmust hangsúlyoz, az életet mintha fagyottan ábrázolná, ugyanolyan mozdulatlanul, mint maguk a dolgok ("Udvar").
A lelassult életritmus, a napi rutin beállítása, a létezés némi monotonitása tökéletesen közvetíti Gabriel Metsu (1629-1667; "Reggeli"). Műfaji képeinek általános jellege szerint közel áll Terborch-hoz, de élénkebb a színe.
A műfajfestészet új szakasza az 50-es években kezdődik, és az ún. delfti iskola, olyan művészek nevével, mint Karel Fabricius, Emmanuel de Witte és Jan Wermer(1632-1675), a művészettörténetben a delfti Vermeer néven ismert (a munkahelyéről kapta a nevét). A Vermeer Delft művészete Hollandia fejlődésének késői időszakához tartozik. A hősies, de durva függetlenségharcosok és józan üzletemberek generációja - a tőkés gazdaság szervezői - a múlté volt. Unokáik léptek a történelmi színtérre, akik biztonságosan igénybe vehették a megszerzett juttatásokat. Ilyen körülmények között a holland köztársaság virágzásának utolsó szakaszának élénk, örömteli művészete formálódik.
Ez az időszak magában foglalja az érett, átható és egyben világos és egyszerű, a technológia minden kifinomultsága ellenére a delfti Vermeer művészetét. Kevés Vermeer eredeti műve van, csak néhány múzeum rendelkezik a Delft-mester kicsi és mindig értékes festményeivel. Vermeer témája többé-kevésbé hagyományos; fiatal nők betűket olvasnak, hímeznek egy lovas társaságában, egy festőállvány előtt egy festőállvány előtt, egy lány csak álmodozik az ablaknál ("Lány betűvel", Drezda; "Cavalier és egy hölgy a Spinetnél" stb.) - röviden, minden, ami holland festők nem egyszer ábrázolták. A témát tekintve a szó szoros értelmében Vermeernek nincs semmi eredeti. Csak ritka esetekben fordul szórakoztató cselekményekhez, és egy cselekvési elemet vezet be a kompozícióba (At the Pimp, 1656, Drezda). Ennek ellenére minden képének teljesen egyéni jellege van. Minden általa ábrázolt karakterben van valamiféle fény és könnyû költészet, és e költészettel és lágysággal együtt minden mûvében a kemény egyszerûség, valami igazán klasszikus érzés jelenik meg.
Vermeer kétségkívül az egyik legnagyobb színművész a nyugat-európai művészet történetében. Nemcsak a színválasztás finom íze, hanem az is, hogy képes megtalálni egymás közötti kapcsolatukat, teszi Vermeer-t a szín legfinomabb mestereivé. Az arányosság és a tapintat legteljesebb érzékével ötvözi a citromsárgát, a kéket, az árnyalatok legkülönbözőbb színű ibolyáját, a skarlátvörös és a halványzöld színt egy hangzatos hangtartományban. A holland művészet számára hagyományos fényprobléma Vermeer Delft munkájában kapta meg a legtökéletesebb megoldást. Az irizáló gyöngyházfény a Delft-mester festményeinek egyik legjellemzőbb vonása. Kétségtelen az is, hogy a delfti Wermer korának egyik legeredményesebb technikusa volt. Néhány festménye gazdag és változatos textúrákkal festett. Festék felhordási módszere, amely meghatározta az impresszionisták későbbi technikáját, lehetővé tette, hogy maga Vermeer a tárgyakat körülölelő fényt annak minden képi konkrétumában ábrázolja. A fény Vermeer festményein nem csupán átlátszó közeg, hanem az ezüstös tónusok legfinomabb átmeneteiben gazdag levegő.
Wermeer azt csinálta, amit senki más a 17. században: tájképeket festett a természetből ("A kis utca", "Delft-kilátás"). Nevezhetjük a plein air festészet első példáinak. Az érett, egyszerűségében klasszikus Vermeer-művészet nagy jelentőséggel bír a jövő korszakaiban.
A holland realizmus csúcsa, a holland kultúra 17. századi képi eredményeinek eredménye. Rembrandt műve volt. De R. jelentősége, mint minden zseniális művész, túlmutat csak a holland művészet és a holland iskola határain. A fénykorának holland iskolájában központi helyet elfoglaló Rembrandt továbbra is különáll hazája számos művésze közül. Rembrandt művészi érdeklődési körének szélessége és munkájának mély pszichológiája idegen maradt tőlük.
Harmenszoon van Rijn Rembrandt 1606-ban született Leidenben és egy jól menő lisztmalom tulajdonosának fia volt. Korán felfedezte a festészet iránti szenvedélyét, és rövid tartózkodás után a Leideni Egyetemen teljes egészében a művészetnek szentelte magát. A jelentéktelen helyi művész, Jacob Svannenburch mellett a szokásos hároméves tanulmányidő végén Rembrandt Amszterdamban fejlődött, ahol Lastman hallgatója lett. Lastman, egy ügyes iparművész, aki Olaszországban tanult, bevezette Rembrandt-t a chiaroscuro hatására, amelyet a cselekvés terjedelmének és drámájának közvetítésére használnak. Ez a technika lesz a fő a művész munkájában. A következő években Rembrandt Leidenben dolgozott, és hírnevet szerzett a bibliai és mitológiai jelenetek mestereként. Ezért általában az 1625-1632-es éveket hívják. Leiden munkájának ideje.
1632-ben Amszterdamba költözött, ahol azonnal hírnevet szerzett, és megírta "Dr. Tulpa anatómiai leckéjét". A 30-as évek - a legnagyobb dicsőség ideje, a kt-hez vezető utat ez a kép nyitotta meg a festő előtt, a kt csoportképnek számít, és "anatómiai leckének" is nevezik. Ezen a vásznon az embereket m / önmaguk egyesíti cselekvéssel, mindet természetes pózokban mutatják be, figyelmüket a főszereplőre hívják fel - Dr. Tulpa, aki egy holttestben mutatja be az izmok szerkezetét. Hendrik van Eilenborch műkereskedővel él, aki pártfogolja, megrendeléseket szervez portrékhoz, ami megteremti a fiatal művész hírnevét divatos és sikeres mesterként. 1634-ben Rembrandt sikeresen feleségül vette Hendrik unokahúgát, Saskia-t, és 1639-re feleségével együtt egy csodálatos házat szerzett a fővárosban. Az 1640-es évek elejéig. nagy sikert arat az ügyfelekkel, ez az ő személyes jólétének ideje. E korszak híres remekművében - "Önarckép térdre eső Saskia-val" (1635 körül, Drezdai Műcsarnok) Rembrandt fiatal feleségével együtt ünnepi asztalnál ábrázolta magát. Finom, aranyszínű hangok, a képbe behatoló fényáramok reményekkel és álmokkal teli, fiatal és sikeres művész és felesége örömteli hangulatát közvetítik.
Ezt az egész időszakot romantika borítja. A festő, mintegy, munkája során szándékosan igyekszik elmenekülni a tompa polgári mindennapok elől. Fényűző ruhákban, fantasztikus ruhákban és fejdíszekben írja magát és Saskia-t, látványos kompozíciókat készít, mindenben, pózokban, mozdulatokban a tábornok érvényesül - a lét öröme. (Saskia mint Flóra). A barokk nyelv áll a legközelebb ennek az emelkedett hangulatnak a kifejezéséhez. Rembrandtot ebben az időszakban nagyrészt az olasz barokk befolyásolta.
Az "Ábrahám áldozata" (1635) című festmény szereplői összetett szögekben jelennek meg előttünk. A kép Ábrahám lelkiállapotát követi nyomon, akinek nem volt ideje érezni sem a szörnyű áldozattól való megszabadulás örömét, sem a hálát, amikor az angyal hirtelen megjelent, de csak fáradtságot és zavartságot élt át.
Rembrandt mindig nagy figyelmet szentelt a rézkarcolásnak (metszetnek) és a rajzolásnak, és hamarosan Európa legnagyobb grafikai technikájának mestere lett. A rézkarc technikában készített portrékat és tájképeket, valamint a mindennapi és vallási jeleneteket a művészi technikák újszerűsége, a képek mélypszichológiája, a gazdag chiaroscuro, az expresszivitás és a lakonikus vonalak különböztették meg. Rembrandt mintegy kétezer rajza került le hozzánk. Ezek között vannak előkészítő vázlatok, festmények vázlatrajzai, a mindennapi élet jeleneteinek vázlatai és elképzeléseiben született ötletek.
A kreativitás korai szakaszának fordulóján megjelenik egyik leghíresebb festménye, az "Éjszakai őr" - egy puskacéh csoportos portréja. De a csoportos portás a munka hivatalos neve, amely a vásárlók kívánságaiból fakad. Az Éjjeli őrség című filmben Rembrandt új módon oldja meg a holland művészet számára hagyományos csoportkép műfajt. A festmény (1642, Rijks Museum, Amszterdam) a Banning Cock kapitány lövöldözős céh tagjainak csoportos portréja, amelyet a művész valóságos utcaképként jelenít meg. Rembrandt felhagyott az összes résztvevő statikus elrendezésével, amelyet abban az időben elfogadtak, mozgással teli jelenetet hozva létre. A fény és árnyék kontrasztjai, a festészet érzelmessége közvetíti az esemény érzelmét. A kép történelmi jelleget ölt, olyan bátor emberekről szól, akik készek fegyverekkel védeni hazájuk szabadságát és nemzeti függetlenségét. A megrendelők nem értették a művész szándékát, és ebből a festményből kiindulva fokozódik a konfliktus a domináns környezettel, de ez nem csökkenti a mester energiáját, és Rembrandt továbbra is reális vásznakat hoz létre, amelyek figyelemre méltóak az érzelmi hatás ereje szempontjából. A látványos, kétségtelenül kissé színházi, ingyenes kompozíció, amint már említettük, nem az volt a célja, hogy az egyes megrendelőket bemutassa. Sok arc egyszerűen rosszul "olvasható" éles chiaroscuro-ban, a vastag árnyékok és a ragyogó napfény ellentétében egy különítmény jön ki a kt-re (a 19. században a kép annyira elsötétült, hogy egy éjszakai jelenet ábrázolásának tekintették, ezért a helytelen név. kapitány a hadnagy könnyű ruháján, azt bizonyítja, hogy ez nem éjszaka, hanem nap). A néző számára érthetetlennek és nevetségesnek tűnt, hogy idegenek jelentek meg ebben a jelenetben, különösen egy aranysárga ruhás kislány. Minden itt értetlenséget és irritációt váltott ki a nyilvánosságból, és elmondhatjuk, hogy ezzel a képpel konfliktus kezdődik a művész és a társadalom között. Saskia ugyanabban az évben bekövetkezett halálával Rembrandt természetesen szakít a tőle idegen polgári körökkel.
Rembrandt reális készsége az évek során elmélyül. Elutasítja a felesleges részleteket és dekoratív hatásokat, a művészi kép nagyobb mélysége és érzelmi intenzitása mellett. A kamraportré nagyon fontos helyet foglal el a művész munkájában. Rembrandt feltárja az ember szellemi életét, mintha időben és térben tartana. Ez egyfajta portré-életrajz. Ilyenek például az "Öregasszony portréja", "Hendrickje az ablaknál", "Titust olvasva", a művész barátai N. Breining, J. Six arcképei, számos önarckép (több mint száz olajban és szénben).
40-50-es évek - itt a kreatív érettség ideje. Kreatív rendszerének hozzáadásának ideje ez, kt-ból sok a múltba megy, és új, felbecsülhetetlen tulajdonságokat szereznek. Ebben az időszakban gyakran rátér a korábbi művekre, hogy új módon átdolgozza őket. Így volt ez a "Danae" -vel is, amelyet még 1636-ban írt. A 40-es évek képére hivatkozva a művész fokozta érzelmi állapotát. Átírta a középpontot a hősnővel és a szobalánnyal. A felemelt kéz új intésével Danae-nak nagy érzelmeket, örömöt, reményt, vonzerejét fejezte ki. A fény óriási szerepet játszik: a fényáram úgy tűnik, hogy beborítja Danae alakját, ő mind szeretettel és boldogsággal ragyog, ezt a fényt az emberi érzések kifejezéseként érzékelik.
Az 50-es évek elején a művész egyik remekművet hozza létre a másik után. Már kiment a divatból, de a gazdag ügyfeleket nem fordították le.
Ezekben az években az emberi lét leglíraibb, költőibb aspektusait választja az emberiségnek, ami örök és minden ember: anyai szeretet, együttérzés. A legnagyobb anyagot a Szentírás adja, és abból - jelenetek a szent család életéből. Vallási jellegű, de a cselekmény értelmezésében pusztán műfajú, erre az időre rendkívül jellemző a Szent Család (1645) című Ermitázs-festmény.
A bibliai műfajú kompozíciók mellett ez az időszak tele van Rembrandt újfajta valóságábrázolásával - tájakkal. Bizonyos esetekben tisztelettel adózva romantikus hajlandóságainak, e lélegzetelállító, szigorú megközelítési realizmus mellett képeket készít egy dísztelen holland faluból. A kis "téli kilátás" (1646, Kassel), amely a tiszta fagyos nap fényében egy parasztudvart és egy fagyott csatorna felszínén található több alakot ábrázol, az érzés finomsága és a vizuális érzékelés igazságossága szempontjából a hollandok reális tájának egyik legtökéletesebb példája.
Az ebben az időszakban létrehozottak hatalmas volta és művészi értéke ellenére Rembrandt pénzügyi helyzete az 1650-es évek közepére rendkívül nehéznek bizonyult. Rembrandt a megrendelések számának csökkenése, a festmények nehéz eladása és különösen a mester gondatlansága miatt ügyeinek lebonyolításában nagy anyagi nehézségekkel küzdött. A drága ház megszerzésével járó adósság Saskia élete alatt teljes romlással fenyegetett. Az adósságoktól való kiszabadítási kísérletek csak elhalaszthatták a katasztrófát, de mégis kitört. 1656 nyarán Rembrandt fizetésképtelenné nyilvánították, és minden vagyonát eladták aukción. Megszokva a szokásos menedékhelyét, kénytelen volt családjával a kereskedelmi tőke szegény zsidó negyedébe költözni, és itt, élesen hiányérzetben, elmúltak utolsó napjai.
Ezek a nehézségek, valamint a Rembrandtot ért szerencsétlenségek - Hendrike halála, Titus egyetlen fia halála - erőtlenek voltak ahhoz, hogy megállítsák zsenialitásának további növekedését.
Az 1650-es évek vége és az 1660-as évek R. életének legtragikusabb évei, de tele vannak Rembrandt grandiózus alkotó tevékenységével. Mintegy összes korábbi pszichológiai és képi keresésének szintézise. Ezeken a képeken minden meg van tisztítva az átmenetitől, véletlenektől. A részletek a lehető legkisebbek, a mozdulatok, a testtartások, a fejtolás gondosan átgondolt és megértett. Az ábrák nagyítva vannak, közel a vászon elülső síkjához. Ezeknek az években még a kis méretű alkotások is rendkívüli nagyszerűség és igazi monumentalitás benyomását kelti. A kifejezés legfőbb eszköze a fény és a vonalak. Pontosabb lenne azt mondani a néhai R.-ről, hogy színe "sugárzó", mert vásznain a fény és a szín egy, festékei mintha fényt bocsátanának ki. A szín és a fény ezen összetett kölcsönhatása nem öncél, hanem a kép bizonyos érzelmi környezetét és pszichológiai jellemzőit teremti meg.
A portrékon Rembrandt most szabadabbnak találja magát a modellválasztásban, és többnyire kifejezett egyéniségű arcokat ír. Ezek elsősorban idős nők és idős zsidók. De ugyanolyan megrendítő képességgel képes átadni egy fiatal nő arcának varázsát vagy a fiatalos megjelenés varázsát. Minden apróság ezeknél a portréknál alacsonyabb rendű, mint a kép általánosított, ugyanakkor szokatlanul éles bemutatása. Ez nagyrészt annak köszönhető, hogy a technikai kivitelezés egyre szélesebb körű.
A csoportkép történetében végső volt Rembrandt képe a ruhabolt idősebbjeiről - az ún. "Szindiki" (1662, Amszterdam). megérdemelten tekinthető Rembrandt munkásságának egyik magasságának). Éles pszichológiai jellemző, az építés egyszerűsége, a vonalak és tömegek ritmusának tévedhetetlenségének elrejtése, valamint a színek átlagos száma, de az intenzív színezés Rembrandt mint portréfestő teljes korábbi útját foglalja össze.
Az érettség éveiben (50-es évek) Rembrandt megalkotta a legjobb rézkarcait. Rembrandt megkülönböztető mélységű pszichológiai elemzése, a képek expresszív realizmusa és a művészi technika elsajátítása csodálatos lapok hosszú sorozatában tükröződik, tematikusan még változatosabb, mint a mester festménye. A leghíresebbek közé tartozik a "Krisztus, aki meggyógyítja a betegeket" (az úgynevezett "száz virág levele", kb. 1649), "Három kereszt" (1653), Lutma portréi (1656), Haring (1655), Hat (1647) ), valamint a "Három fa (1643) és az" Aranymérleg birtoka "(1651) néven ismert tájak.
A rajzok Rembrandt grafikai örökségében nem kevésbé jelentős helyet foglalnak el. Rembrandt körülöttük lévő világfelfogásának élessége és eredetisége különös erővel tükröződik ezekben a számos és változatos lapokban. A rajzolás módja, akárcsak Rembrandt képi módja, észrevehetően fejlődik a mester kreatív fejlődése során. Ha Rembrandt korai rajzai részletesen kidolgozottak és összetettebbek, akkor egy érettebb periódusban széles képi módon, szokatlanul lakonikusan és egyszerűen hajtotta végre őket. Rembrandt általában liba- vagy nádtollal rajzolt, és a legegyszerűbb technikákat alkalmazva képes volt kifejező képességének kivételes erejét elérni. R. 2000 rajzot hagyott maga után. Rajzai, még akkor is, ha valamilyen mindennapi motívum apró vázlatai, teljes egészet képviselnek, teljes mértékben átadják a természet sokszínűségét.
R. művének epilógusa a tékozló fiú visszatérének (1668-1669 körül, Hermitage) grandiózus festményének tekinthető, amelyben a művész esztétikai magassága és festői készsége mutatkozott meg a legteljesebben. A művész kitölti az evangéliumi példázatot egy fiatalemberről, aki elhagyta otthonát, elherdálta vagyonát és mélyen emberi értelemben tért vissza édesapjához. A szenvedő ember iránti szeretet nemes gondolata itt olyan képeken tárul fel, amelyek életükben meggyőzőek. Az öreg félvak apja arca és a keze mozdulata végtelen kedvességet fejez ki, és egy fia alakja piszkos rongyokban ragaszkodik az apjához - őszinte és mély megbánás. Talán egyetlen másik Rembrandt-festmény sem vált ki ennyi mély és együttérző érzést. Rembrandt szeretetre és megbocsátásra tanította hallgatóságát. Később, az utóbbi években és hónapokban Rembrandt élete kifelé nyugodt. Miután túlélte Hendrickjét és Tituszt, 1669. október 4-én halt meg.
R. óriási hatással volt a művészetre. Nem volt olyan korú festő Hollandiában, aki ne tapasztalta volna meg a nagy művész befolyását, akik közül Ferdinand Bol (1616-1680), Herbrand van den Eckgout (1621-1674) és Art de Gelder (1645-1727) szerezte a legnagyobb hírnevet. A tantárgy, a kompozíciós technikák és a tanártípusok elsajátítása után alakfestésükben nem lépték túl Rembrandt technikáinak külső utánzását. A mester élő hatása éppen ellenkezőleg, határozottan érintette a vele szomszédos számos tájfestőt - Phillips Konink (1619-1688), Doomer (1622-1700) és másokat. De a többség elárulta, átállt az akadémia és az akkor divatos flamandok, majd a franciák utánzására.
Mint a művészettörténetben gyakran előfordul, zseniális tehetsége ellenére Rembrandt szegénységben és magányban halt meg, elfeledett, haszontalan mester. De minél tovább telik az idő, annál értékesebb az emberiség szemében a művész öröksége. Túlzás nélkül elmondható, hogy Rembrandt az egyik legnagyobb művész a világművészet történetében. Sokan verhetetlennek neveznék. Rembrandt sírja elveszett, de művei évszázadokig élnek.
A 17. század utolsó negyedében. megkezdődik a holland festészet hanyatlása, nemzeti identitásának elvesztése és a kezdetektől fogva. 18. század a holland realizmus nagy korszaka a végéhez közeledik.
A holland művészek nagyban hozzájárultak a mesterek munkájához, akik a 17. században kezdték meg tevékenységüket, és mindeddig nem álltak le. Nemcsak kollégáikra, hanem az irodalmi szakemberekre (Valentin Proust, Donna Tartt) és a fényképészetre (Ellen Coy, Bill Gekas és mások) is hatással voltak.
A fejlődés kezdete
1648-ban Hollandia megszerezte a függetlenséget, de egy új állam megalakulásához Hollandiának bosszút kellett állnia Spanyolország részéről, amely mintegy 10 ezer ember halálát okozta az akkori flamand Antwerpen városában. A mészárlás következtében Flandria lakói kivándoroltak a spanyol kormány által ellenőrzött területekről.
Ennek alapján logikus lenne elismerni, hogy a független holland művészek lendületét éppen a flamand kreativitás adta.
A 17. század óta mind az állami, mind a művészeti ág folyt, ami két művészeti iskola nemzetiség szerint megkülönböztetéséhez vezet. Közös eredetük volt, de karakterükben egészen mások voltak. Míg Flandria a katolicizmus szárnyai alatt maradt, Hollandia a 17. századtól kezdve teljesen új fénykorot élt meg.
Holland kultúra
A 17. században az új állam csak elindult a fejlődése útján, teljesen megszakítva a kapcsolatot a múlt korszak művészetével.
A Spanyolországgal folytatott küzdelem fokozatosan alábbhagyott. A nemzeti érzelmeket népi körökben kezdték nyomon követni a hatóságok által korábban bevezetett katolikus vallástól való eltéréssel.
A protestáns uralom ellentmondásos volt a dekorációról, ami a vallási témájú művek csökkenéséhez vezetett, később pedig csak a világi művészet kezébe került.
Soha még soha nem ábrázolták a valós környező valóságot festményeken. Munkáikban a holland művészek díszítés, kifinomult ízlés és nemesség nélkül akarták megmutatni a hétköznapi mindennapokat.
A világi művészi robbanás olyan számtalan irányzatot váltott ki, mint a táj, a portré, a műfaj és a csendélet (amelynek létezéséről még Olaszország és Franciaország legfejlettebb központjai sem tudtak).
A holland művészek saját elképzelése a realizmusról, amelyet portrék, tájak, belső alkotások és csendélet festményei fejeznek ki, a társadalom minden szektorában érdeklődést váltott ki e képesség iránt.
Így a 17. századi holland művészetet becenevén "A holland festészet aranykora" kapta, ezzel biztosítva a holland festészet legkiemelkedőbb korszakának státusát.
Fontos tudni: van egy tévhit, miszerint a holland iskola csak az emberi lét középszerűségét ábrázolta, de az akkori idők mesterei fantasztikus műveikkel (például Bloomart "Táj Keresztelő Jánossal") szemtelenül megsemmisítették a keretet.
Századi holland festők. Rembrandt
Rembrandt Harmenszoon van Rijnt Hollandia egyik legnagyobb művészi figurájának tartják. Amellett, hogy művész volt, gravírozással is foglalkozott, és jogosan tekintették a chiaroscuro mesternek.
Öröksége gazdag egyéni sokszínűségben: portrék, műfaji jelenetek, csendéletek, tájak, valamint festmények a történelem, a vallás és a mitológia témáiról.
A chiaroscuro elsajátításának képessége lehetővé tette az ember érzelmi kifejezőkészségének és szellemiségének fokozását.
Portrékon dolgozott, arckifejezésekkel dolgozott.
A szívszorító tragikus események kapcsán későbbi műveit homályos fény töltötte meg, felfedve az emberek mély érzéseit, amelynek eredményeként a ragyogó művek senkit sem érdekeltek.
Abban az időben a külső szépségek divatban voltak, anélkül, hogy megpróbálták volna elmélyülni, valamint a naturalizmus, elkülönítve az őszinte realizmustól.
A "Tékozló fiú visszatér" című festményt minden orosz képzőművészet szerető saját szemével láthatja, mivel ez a mű a szentpétervári Ermitázsban található.
Frans Hals
Frans Hals nagyszerű holland festő és jelentős portréfestő, aki segített bevezetni a szabad írás műfaját az orosz művészetbe.
A hírnevet hozó munka egy 1616-ban festett festmény volt, amelynek címe: "A Szent György puskakompánia tisztjeinek lakomája".
Az akkori portré munkája túl természetes volt, amely elkülönült a mai naptól. Annak a ténynek köszönhetően, hogy a művészt félreértették, ő, akárcsak a nagy Rembrandt, szegénységben fejezte be életét. A Cigányasszony (1625-1630) az egyik leghíresebb műve.
Jan Steen
Jan Steen első pillantásra az egyik legszellemesebb és legviccesebb holland művész. Gúnyt űzve a társadalmi bajoktól, szeretett a társadalom szatírájának képességéhez folyamodni. Miközben a nézőket árulatlan, vicces képekkel szórakoztatta a mulatozókról és a könnyű erényű hölgyekről, valójában figyelmeztetett egy ilyen életmódra.
A művésznek csendesebb festményei is voltak, például a "Reggeli WC" című mű, amely első ránézésre abszolút ártatlan cselekedetnek tűnt. Ám ha alaposan szemügyre veszi a részleteket, meglepetést okoz a kinyilatkoztatásuk: ezek a harisnyák nyomai, amelyek korábban összeszorították a lábakat, és egy edény, amelyet valami illetlenséggel töltöttek meg éjszaka, valamint egy kutya, amely lehetővé teszi, hogy közvetlenül az úrnő párnáján legyen.
A művész saját legjobb alkotásaiban a színpaletta és az árnyékok elsajátításának elegánsan ügyes kombinációjában megelőzte kollégáit.
Más holland művészek
Ebben a cikkben a tucatok közül csak három fényes személyt soroltak fel, akik méltóak lennének velük egy szinten állni ugyanabban a listában:
Tehát ebben a cikkben találkozott a 17. századi holland művészekkel és munkájukkal.
A polgárság Hollandia a függetlenségért folytatott harcban győzelmet aratott Nyugat-Európa gazdaságilag legfejlettebb államává. A fő holland várost, Amszterdamot Európa egyik legnagyobb bevásárlóközpontjaként azonosították.
A holland festészet is fejlődik a gazdasággal együtt. Más nyugat-európai országokkal ellentétben a paloták és kastélyok barokk festményei nem voltak népszerűek Hollandiában - a nemesség gyengesége akadályt jelentett a dekoratív művészetek fejlődésében. A hollandiai református templom sem igyekezett festményekkel díszíteni templomait.
Ennek ellenére a festészet virágzott Hollandiában: a művészek számos megrendelést kaptak magánszemélyektől. Még a holland parasztok is felakaszthattak egy kis képet az otthonukba - ezek a művészek olyan olcsók voltak.
A XVII. több mint kétezer művész dolgozott a kis Hollandiában. A festmények gyártását áram alá helyezték, egész tételben vásznakat gyártottak és átadták az eladóknak. Szinte minden mester heti két-öt szerzeményt adott elő.
Gyakran a festmények gyártása meghaladta az igényeket, ezért a táplálás érdekében a művészeknek egyidejűleg más munkákat is kellett végezniük. Olyan híres mesterek, mint J. Steen, M. Gobbema, J. van Goyen és még sokan mások, egyszerre voltak alkalmazottak, kertészek és tavernák.
A festők általában egy adott témára szakosodtak. Például H. Averkamp téli nézeteket festett, E. van der Poole éjszakai tüzet, G. Terborch és G. Metsu - mindennapi jeleneteket, P. Claes és V. K. Kheda - reggeli csendéleteket.
Nagyon gyakran a művészek együtt dolgoztak egy képen: az egyik az eget festette, a másik - füvet és fákat, a harmadik - emberi alakokat festett. A legsikeresebb műveket, amelyek sikeresek voltak a nyilvánosság előtt, lemásolták és modellként szolgáltak számtalan variáció létrehozásához.
Bár a tehetséges festők művészete a kereskedelmi céloknak volt alárendelve, a mestereknek általában sikerült elkerülniük a hamisítványokat. Ezeknek a vásznaknak a többségét realizmus, az összetétel integritása és tisztasága, a szín frissessége és a kivitelezés kiváló technikája különbözteti meg.
A portré műfaj elterjedt a holland festészetben. Az ország életében nagy szerepet játszottak a különféle szervezetek (a lövöldözős társaság, az orvosi társaság képviselőcsoportjai és a kereskedelmi műhelyek), amelyek hozzájárultak egy csoportos nyilvános portré megjelenéséhez.
A spanyol gyarmatosítókkal folytatott hosszú távú küzdelem élesebbé tette a nemzeti identitás érzését, ezért a festészetben a realizmus mellett különösen örömmel vették a jellegzetes nemzeti vonások képét. A művészek festették a tengert és a hajókat, szarvasmarhákat, virágokat. A portré mellett olyan műfajok alakultak ki, mint a táj és a csendélet. Volt vallási festészet is, de nem volt benne misztika eleme; bibliai történeteket mutattak be
művész inkább szereti a mindennapi jeleneteket.
Frans Hals
Frans Hals 1581 körül született Antwerpenben, egy takács családjában. Fiatal korában Haarlembe érkezett, ahol haláláig szinte szünet nélkül élt (1616-ban Antwerpenbe, az 1630-as évek közepén pedig Amszterdamba látogatott). Keveset tudunk Hals életéről. 1610-ben belépett a Szent Lukács céhbe, 1616-ban - a retorikusok (amatőr színészek) kamarájába.
Hals gyorsan Haarlem egyik leghíresebb portréfestőjévé vált. A XV-XVI. Hollandia festményében hagyomány volt, hogy csak az uralkodó körök képviselőiből, híres emberekből és művészekből álló portrékat festenek. Khals művészete mélyen demokratikus: portréin arisztokratát, gazdag városlakót, kézművészt és akár egy embert is láthatunk egészen alulról. A művész nem igyekszik idealizálni az ábrázoltakat, számára a lényeg a természetességük és az eredetiségük. Nemesei ugyanolyan nyugodtan viselkednek, mint a társadalom alacsonyabb rétegeinek képviselői, akiket Hals festményein vidám emberként ábrázolnak, nem nélkülözve az önértékelést.
A csoportkép fontos helyet foglal el a festő munkájában. Ennek a műfajnak a legjobb alkotásai a Szent György (1627) és a Szent Adrian (1633) puskatársaság tisztjeinek portréi voltak. A festmények minden szereplőjének megvan a maga élénk egyénisége, ugyanakkor ezeket a műveket megkülönböztetik integritásuk.
Khals egyedi portrékat is festett, amelyeken a gazdag polgárokat és családjaikat alkalmi pózokba helyezik (Isaac Massa portréja, 1626; Hetheisen portréja, 1637). Huls képei élénkek és dinamikusak, úgy tűnik, hogy az emberek a portrékon láthatatlan beszélgetőtárssal beszélgetnek, vagy a nézőhöz szólnak.
A Hals-portrékon a népi környezet képviselőit élénk expresszivitásuk és spontaneitásuk különbözteti meg. Utcai fiúk, halászok, zenészek, vendéglők látogatóinak képein a szerző szimpátiája és tisztelete érezhető. "Cigánya" figyelemre méltó. Egy mosolygós fiatal nő, akinek ravasz tekintete a közönség számára láthatatlan beszélgetőtársra irányul, meglepően életszerűnek tűnik. Hals nem idealizálja modelljét, de egy vidám, zilált cigány nő képe örömteli hetyke varázsával.
Nagyon gyakran Huls portréi tartalmazzák a műfaj jelenetének elemeit. Ezek azok a képek, amelyeken gyerekek énekelnek vagy hangszeren játszanak (Az énekes fiúk, 1624-1625). Ugyanebben a szellemben adták elő a híres "Malle Babbe" -t (1630-as évek eleje), amely egy Haarlem-ben ismert kocsmaőrt mutatott be, akit a látogatók a hátuk mögött Harlem boszorkánynak neveztek. A művész szinte groteszk módon ábrázolt egy nőt, hatalmas söröskorsóval és bagollyal a vállán.
Az 1640-es években. fordulópont jelei vannak az országban. Csak néhány évtized telt el a forradalom győzelme óta, és a burzsoázia megszűnt a demokratikus hagyományokon alapuló progresszív osztály lenni. Hals festményének valódisága már nem vonzza a gazdag ügyfeleket, akik a valóságosnál jobban szeretnék magukat portrékon látni. De Hulse nem mondott le a realizmusról, és népszerűsége zuhant. Ennek az időszaknak a festményén a szomorúság és a csalódás jegyzete jelenik meg ("Széles karimájú kalapú ember portréja"). Palettája szigorúbbá és nyugodtabbá válik.
84 éves korában Hals elkészíti két remekművét: a régensek (vagyonkezelők) és az idősek otthonának régense (1664) csoportképeit. A holland mester legújabb alkotásait az érzelmesség és a képek fényes személyisége jellemzi. A régensek - idős férfiak és nők - képei szomorúan és halállal lélegeznek. Ezt az érzést hangsúlyozza a fekete, szürke és fehér tónusú szín is.
Hals 1666-ban mélyszegénységben halt meg. Igaz, életigenlő művészete sok holland művészre nagy hatással volt.
Rembrandt
Az 1640-1660-as években. A holland festészet virágzott. Ez idő legjelentősebb művésze Rembrandt volt.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn 1606-ban született Leidenben. Apja gazdag molnár volt. A szülők arról álmodoztak, hogy fiuk jó oktatásban részesül, és latin iskolába rendezték, ezt követően Rembrandt belépett a leideni egyetemre. De a fiatalembert vonzotta a művészet. Elhagyta az egyetemet, és Jacob Svannenburch festőművésznél kezdett tanulni. Három évvel később a fiatal művész Amszterdamba ment, ahol Peter Lastmantől kezdett tanulni.
1624-ben Rembrandt visszatért Leidenbe. Itt, Jan Lievens festővel együtt bérelt egy műtermet. A művész sokat dolgozik az életből, nemcsak a stúdióban fest, hanem az utcán és a városi bazárban is.
Az 1620-as évek végén. Rembrandt népszerűségre tett szert a leideniek körében. Sok megrendelést kapott, és az első tanuló - Gerard Dow, aki később meglehetősen híres festő lett.
Rembrandt korai festményeit a kompozíció alapossága és a kivitelezés lelkiismeretessége jellemzi. Ugyanakkor valamilyen kényszer jellemzi őket ("Szent Sebestyén gyötrelme", \u200b\u200b1625).
Rembrandt 1631-ben Amszterdamban telepedett le. A híre nagyon gyorsan elterjedt az egész városban, és megrendelések estek a festőre. Rembrandt személyes élete is sikeres volt: 1634-ben feleségül vette Saskia van Eulenburgot, egy ismert polgári családból származó lányt. A házasság jelentős vagyont hozott a művésznek, ami kreatív függetlenséget biztosított számára, és lehetővé tette, hogy műalkotások és régiségek gyűjtésével foglalkozzon.
Rembrandt a boldogságot élvezte szeretett felesége társaságában, akit sokszor ábrázolt. Gyakran Saskia mintaként szolgált a legkülönfélébb témájú festményekhez ("Flora", 1634; "Önarckép Saskia térdén", kb. 1639).
Rembrandt munkája ebben az időszakban sokrétű, történelmi, mitológiai és vallási kompozíciókat, portrékat, mindennapi jeleneteket, tájakat, csendéleteket, festményeket ír állatok képeivel. De a figyelem fő tárgya egy személy. A művész nemcsak portrékban, hanem más alkotásaiban is igyekszik közvetíteni hőseinek karakterét és belső világát.
A portré műfaj figyelemre méltó mestere, csak az 1630-as években. Rembrandt több mint hatvan megrendelt portrét készített. A festő számára nem a külső hasonlóság a modellhez, hanem a belső világ mélysége, az érzelmi mozgások és élmények ereje. A "Tulpa doktor anatómiája" (1632) csoportképet örömmel üdvözölték kortársai. A művész változtatásokat hajtott végre a klasszikus csoportportré hagyományos kompozíciójában, az ábrákat nem szokás szerint, hanem szabadon rendezve rendezte. Ez a konstrukció elevenséget és természetességet adott a képnek.
Az 1630-as évek végén. Rembrandt Hollandia leghíresebb iparművészévé vált. Remekműve, a híres "Danae" (1636) ebbe az időszakba tartozik, amelynek elsajátítása felülmúl mindent, amit kortársai alkottak.
művész. Összetételének tökéletessége és az arany árnyalatú színek gazdagsága meghökkent. Úgy tűnik, hogy nincs semmi felesleges ebben a műben, minden részletet gondosan átgondol a szerző. A mester szabad és élénk mozdulattal közvetíti az ágytakaró, a nehéz függönyök és a függönyök redőinek könnyedségét. Az ágyon fekvő fiatal nő rugalmas műanyagja feltűnő, a test halvány arany árnyalatait lágy fény világítja meg. Noha Danae nem csillog az ideális szépséggel, arculata élénk bájjal és frissességgel örvendezteti meg a nézőt.
Az 1630-as években. a művész sokat dolgozik a rézkarcban is. Vonzják a mindennapi motívumok ("A patkányméreg eladója", 1632). A műfaj elemei a bibliai témájú művekben is rejlenek (A tékozló fiú visszatér, 1636). Ennek az időszaknak az egyik legjobb rézkarcja Mária halála (1639), érzelmi és mély bánat érzéssel átitatva. A figyelemre méltó „Krisztust, aki meggyógyítja a betegeket” (az úgynevezett „Száz kőfalevél” - ez a név a mű értékéről beszél) munkáját a kompozíció bonyolultsága és a képek monumentális nagyszerűsége is megkülönbözteti.
Az 1640-es években. Rembrandt Amszterdam leghíresebb és legjobban fizetett festője lesz. Portréért és kompozíciókért bízták meg a hágai Holland Stadtholder palotában. Számos pályára lépő művész szívesen tanul a műhelyében. Rembrandt művészetének híre túlmutat Holland határain. A híres mester több festményét I. Károly angol király palotájában őrzik.
Rembrandt tehetsége reális és kifejező csendéleteiben ("A bika teteme") és tájaiban ("Táj malommal", 1650 körül). A finom líra az igénytelen holland tájakban rejlik, szinte kézzelfogható valóságukkal éri el a nézőt.
Szeretett feleségének 1642-ben bekövetkezett halála elidegenítette Rembrandt nemes rokonaitól. A művész abbahagyta a kommunikációt az arisztokrata társadalom ismerőseivel. A mester életében bekövetkezett változásokat festménye tükrözte, amely egyre mélyebbé és koncentráltabbá válik. Ha Rembrandt korai műveit nyugodt és egyenletes hangulat jellemzi, akkor most festményein a szorongás és a kétség hangjai kezdenek megszólalni. A paletta is változik, a vörös és arany árnyalatok dominálják.
Az arany-rózsaszín és aranykék árnyalatokkal kivitelezett "David and Jonathan" (1642, Hermitage, Szentpétervár) vászon fényes kifejezõképességével különbözik.
Rembrandt festményének mindezen új vonásai nem értettek megértéssel kortársai körében. Az "Éjszakai őrség" (1642) nagy monumentális kompozíciója elégedetlenséget okozott. A festmény ezt a nevet a 19. században kapta. Valójában az akció nem éjszaka, hanem nappal, napfény alatt zajlik, ami megerősíti az árnyékok jellegét.
Az idő múlásával a színek elsötétültek, és csak az 1946-1947-ben elvégzett helyreállítás mutatta, hogy ennek a műnek a színvilága egykor sokkal világosabb volt.
A festményen Banning Kok kapitány társaságának nyilai láthatók. Az ügyfél elvárta, hogy megnézzen egy hagyományos ünnepi portrét (lakoma jelenetét vagy beosztottjainak parancsnoka bemutatja a nézőt). Rembrandt létrehozta a
Roiko-történelmi vászon, amely a lövészek teljesítményét ábrázolja a kapitány parancsára. A karakterek izgatottak és dinamikusak; a parancsnok parancsokat ad, a zászlóshajó felemeli a zászlót, a dobos veri a dobot, a nyilak töltik a fegyvert. Itt nem világos, honnan jött a kislány, kakas az övén.
Ezekben az években Hendrickje Stoffels Rembrandt életében jelenik meg, először szolgája, majd felesége, aki hű barátja és asszisztense lett. A művész továbbra is keményen dolgozik. Létrehozza híres "Szent Családját" (1645), amelyben a vallási témát műfajként kezelik. A bibliai kompozíciók mellett a festő valósághű tájakat mutat be a falu képeivel ("Téli kilátás", 1646). Ennek az időszaknak a portréit megkülönbözteti az a vágy, hogy bemutassa a modellek egyedi vonásait.
Az 1650-es években. a megrendelések száma jelentősen csökken. Rembrandt nagy pénzügyi nehézségekkel küzd. Teljes romlással fenyegetik, mert a ház megvásárlásával járó adósságot Saskia első felesége életében még nem fizették meg. 1656-ban a művészt fizetésképtelennek nyilvánították, műgyűjteményét és vagyonát árverésen értékesítették. A Rembrandt családnak Amszterdam szegény zsidónegyedébe kellett költöznie.
Minden nehézség ellenére a nagy festő tehetsége nem szárad ki. De most a készség kritériuma teljesen más. Rembrandt későbbi műveiben színes vonások élesen megjelennek a vászon felületén. A festményein megjelenő színek nem csak a szereplők megjelenését és a belső kép átadását szolgálják - ez a szín viszi el a mű szemantikai terhelését. Így az "Assur, Aman és Eszter" (1660) című festmény intenzív drámájának érzése egy összetett tónustartomány és különleges fényhatások révén jön létre.
Rembrandt a parancsoktól megfosztva, mélyszegénységben élve nem hagyja abba az írást. Kifejező és lelkes portrékat készít, modellek, amelyek rokonai és barátai ("A művész testvérének portréja", 1654; "Piros öregember portréja", 1652-1654; "Titus fiának olvasó portréja", 1657; "Hendrickje Stoffels portréja a ablakok ", kb. 1659).
A Titus fia, aki végül megkapta elhunyt anyja állapotát, megpróbálja megvédeni apját az anyagi nehézségektől és megteremteni a feltételeket a csendes munkához. De a szerencsétlenségek továbbra is kísérik a művészt: 1663-ban Hendrickje meghal, és néhány évvel később Titus követte.
Ebben a tragikus időben alkotta meg a régi magányos művész remekműveit, melyeket monumentális nagyság és szellemiség jellemez (Dávid és Uriás, 1665–1666; A tékozló fiú visszatérése, kb. 1668–1669).
Rembrandt 1669-ben halt meg, mindenki elfelejtette. Csak a XVIII. művészetét végül megértették és megbecsülték.
Az 1640-1660-as években. a műfaj volt a vezető műfaj a holland festészetben. A valóság legközönségesebb pillanatait ábrázoló képek meglepően költői és lírai jellegűek. A festők legfőbb figyelmét egy személy és a körülötte lévő világ jelenti. A legtöbb műfaji kompozíciót nyugodt elbeszélés és a dráma hiánya jellemzi. Beszélnek a ház háziasszonyának háztartási munkáiról (ételvásárlás, gyermekgondozás, kézműves foglalkozás), a holland polgár szórakoztatásáról (kártyázás, vendégfogadás, koncertek). A művészek mindent ábrázolnak, ami egy gazdag városlakó házában történik, figyelmen kívül hagyva az ember életének társadalmi oldalát.
A műfajfestők nagyon népszerűek voltak: G. Dow, akinek festményeit nagyon drágán adták el, A. van Ostade, aki a paraszti élet jeleneteit festette („Országkoncert”), J. Sten, akinek kedvenc témája a mulatság és az ünnepek színtere volt („Vidám társaság”) ), G. Terborch, akinek elegáns festménye egy gazdag polgárcsalád életét reprezentálta („Pohár limonádét”), G. Metsu ötletes elbeszélésével („Beteg gyermek”), P. de Hooch, aki szemlélődő lírai festményeket készített („Az úrnő és a szolgáló ").
K. Fabricius, aki rövid életet élt (Delftben puskaportároló robbanásában halt meg), a műfaj műfajának bővítésére törekedett. Az egyik legjobb műve a Lázár feltámadása (kb. 1643), amely drámájáról és szinte monumentális terjedelméről nevezetes. Portréi és önarcképei szintén figyelemre méltóak, a művészet F. Halssal és Rembrandttal egyenrangúvá teszik.
E. de Fabricius, a hazai színtér tehetséges mesterének és az egyházi belső teret ábrázoló művek ("Piac a kikötőben", "Belső nővel a csembalón") sorsa tragikus. A művész nem törekedett a polgári közönség ízlésének elkápráztatására, ezért a kortársakkal sikertelen műveit aprópénzért adták el. Gyakran Fabricius kénytelen volt visszafizetni adósságait a háztulajdonosoknak. Egy 1692-es téli éjszakán egy hetvenöt éves művész, akit gazdája kidobott a házából, felakasztotta magát egy híd korlátjára. Hasonló sors jellemző volt sok holland festőre, akik nem akarták felhagyni a reális hagyományokkal, hogy a közönség kedvében járjanak.
Jan Wermeer Delft
A holland műfajfestészet egyik kiemelkedő képviselője Jan Wermer, akit Delftnek hívnak születési helye és munkája után. A festő 1623-ban született festményekkel és selyemmel kereskedő családban. Keveset tudunk Vermeer életéről. Talán K. Fabricius volt a tanára. 1653-ban a művész a Szent Lukács Céh tagja lett, és egy gazdag polgár lányát, Katerina Bolnes-t vette feleségül. Delftben tisztelték és híresek voltak, a piactéren található nagy házban lakott.
Vermeer nagyon lassan és alaposan dolgozott festményein, gondosan kiírva minden részletét. A festészet nem tudta biztosítani a művész családjának a kényelmes létet, bár a vásznak nagy sikert arattak. Valószínűleg ezért kezdett Vermeer festményekkel kereskedni, folytatta apja munkáját.
Már Vermeer első műveiben megjelenik a realizmus és a munkájára jellemző bizonyos képi idealizálás kombinációja ("Diana nimfákkal", "Krisztus Marthával és Máriával" - mindkettő 1656-ig). A következő mű - a sok festő által használt cselekményre írt, nagyméretű vászon, a "Pimpánál" (1656) eredetiségével tűnik ki. A művész hétköznapi jelenete szinte monumentális jelentőségűvé válik. A festmény a hasonló témájú alkotások közül merész színével, tiszta sárga, vörös, fekete és fehér színekkel és élénk, kifejező képekkel áll fenn.
Később Vermeer a holland festészet számára hagyományos kamarakompozíciók felé fordult. Más holland mesterekhez hasonlóan ő is gazdag polgári házakban zajló eseményeket ábrázolja. A művész kedvenc képe egy lány, aki levelet olvas vagy nyakláncot próbál fel. Vásznai ötletes mindennapi jeleneteket képviselnek: a szobalány levelet ad az úrnőjének, az úr egy pohár bort hoz a hölgynek. De ezek az egyszerű kompozíciójú festmények épségükkel, harmóniájukkal és lírájukkal lenyűgöznek, képeik természetességükkel és nyugodt költészetükkel vonzanak.
Az 1650-es évek második felében. a művész megalkotta legkiemelkedőbb műveit. A mélyen lírai jellegű "alvó lány", "pohár bor", "lány levéllel" meleg érzéssel lett megjelölve. Sok akkori holland festő festményein munkával elfoglalt cselédeket ábrázolt, de csak Vermeer népképű nő képére jellemző az igazi szépség és nagyszerűség ("A szobalány tejkorsóval").
Vermeer igazi virtuóz, aki képi eszközök segítségével közvetíti a dolgok világának lényegét. Csendéleteket festményein nagy ügyességgel végeznek. Egy almával és szilval ellátott étel, amely a "Lány betűvel" vászonban mintás abrosszal borított asztalon áll, meglepően szépnek és természetesnek tűnik.
A "Szobalány tejkorsóval" című festményen a korsóból vastag folyamban ömlő kenyér és tej örömet okoz a frissességükben.
A fény fontos szerepet játszik Vermeer műveiben. Kitölti a vásznak terét, rendkívüli légies benyomást keltve; modelleket formál és behatol a színekbe, így belülről ragyog. Ennek a fény- és levegőmennyiségnek köszönhető, hogy Vermeer műveinek különös érzelmi felemelő hatása jön létre.
A festő figyelemre méltó készsége a tájképfestésben mutatkozott meg. A felhős nap párás légkörébe burkolt kis városrész a "Street" (1658 körül) tiszta és egyszerű kompozíciót adja vissza. Az esőtől megmosott város tiszta és frissnek tűnik a Delfti kilátásban (1658 és 1660 között). A napsugarak átjutnak a finom ezüstös felhőkön, sok fényes káprázatot keltve a víz felszínén. A hangzatos színezés finom színátmeneteivel kifejezőséget és harmóniát kölcsönöz a képnek.
Az 1660-as években. Vermeer festménye kifinomultabb és elegánsabb. A paletta is változik, amelyet ma már hideg színes árnyalatok uralnak ("Gyöngyös lány"). A festmények fő hősei gazdag hölgyek és urak, akiket fényűző tárgyak vesznek körül ("Szerelmes levél", 1670 körül).
Jan Wermeer Delft. Szobalány egy kancsó tejjel. 1657 és 1660 között
Jan Wermeer Delft. Festőműhely. RENDBEN. 1665 g.
Vermeer életének utolsó időszakában művei felszínessé és kissé elhúzódóvá válnak ("A hit allegóriája"), a paletta elveszíti gazdagságát és hangzását. De ezekben az években is a művész egyedi alkotásai meghökkentik korábbi kifejező erejükkel. Ilyen az ő "A festő műhelye" (1665), amelyben Wermeer munkájában ábrázolta önmagát, valamint a "Csillagász" és "Földrajz" festmények, amelyek megragadták a tudósokat.
Vermeer sorsa, mint sok más holland mester tragikus. Életének végén a beteg művész, aki korábbi vásárlóinak nagy részét elvesztette, kénytelen volt nagy családját régi házából olcsóbb otthonba költöztetni. Az elmúlt öt évben egyetlen képet sem festett. A festő 1675-ben halt meg. Művészete sokáig feledésbe merült, és csak a 19. század közepén. Vermeert nagyra értékelték, és egy olyan holland mesterekkel rangsorolták, mint Rembrandt és F. Hals.
17. századi holland kultúra
Az észak-hollandiai polgári forradalom győzelme független állam - hét egyesített tartomány Köztársasága - Hollandia megalakulásához vezetett (ezen tartományok közül a legjelentősebbek neve); Európa egyik országában először jött létre polgári-köztársasági rendszer. A forradalom mozgatórugói a parasztok és a városi lakosság legszegényebb rétegei voltak, de a burzsoázia kihasználta hódításait, amelyek hatalomra kerültek.
A spanyol abszolutizmus és a katolikus egyház igájától való felszabadulás, számos feudális korlátozás megszüntetése megnyitotta az utat a köztársaság produktív erőinek gyors növekedése előtt, amely Marx szerint „a 17. század példaértékű kapitalista országa volt.” Csak Hollandiában ekkor a városi lakosság uralkodott a vidéki lakosság felett, de a fő forrás a nyereség nem ipar volt (bár itt textilgyártást és főleg hajógyártást fejlesztettek), hanem a közvetítő kereskedelem, amely a gyarmati politikának köszönhetően bővült. Amint az uralkodó osztályok meggazdagodtak, a dolgozó nép szegénysége nőtt, a parasztok és az iparosok tönkrementek, a 17. század közepére pedig fokozódtak az osztályok ellentmondásai.
A köztársaság megalakulása utáni első évtizedekben azonban a forradalmi időszak demokratikus hagyományai éltek. A nemzeti felszabadító mozgalom szélessége, az emberek öntudatának emelkedése, az idegen igától való felszabadulás öröme egyesítette a lakosság legkülönbözőbb rétegeit. Az országban megteremtődtek a tudomány és a művészet fejlődésének feltételei. Az akkori haladó gondolkodók, különösen Descartes francia filozófus, itt találtak menedéket, kialakult Spinoza materialista filozófiai rendszere. A legmagasabb eredményeket Holland művészei érték el, olyan festők, mint Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst és sok más festészet mestere. A holland művészek Európában elsőként szabadultak meg az udvari körök és a katolikus egyház elnyomó hatása alól, és demokratikus és reális, a társadalmi valóságot közvetlenül tükröző művészetet alkottak.
Holland festmény a 17. században
A holland művészet fejlődésének megkülönböztető jegye az összes festéstípus között jelentős túlsúly volt. Képek díszítették nemcsak a társadalom uralkodó elitjének képviselőit, hanem szegény polgárokat, kézműveseket, parasztokat is; árveréseken és vásárokon adták el; néha a művészek számlák fizetésének eszközeként használták őket. A művész hivatása nem volt ritka, sok festő volt, és hevesen versenyeztek egymással. Közülük kevesen táplálkozhattak festéssel, sokan különféle munkát vállaltak: Stan kocsmáros volt, Hobbema jövedéki tisztviselő, Jacob van Ruisdael orvos volt.
A 17. századi holland festészet gyors fejlődését nemcsak azok festményigénye magyarázta, akik otthonukat díszíteni akarták velük, hanem azzal is, hogy árucikknek tekintették őket, mint nyereség eszközét, spekuláció forrását. Miután megszabadult a közvetlen megrendelőtől - a katolikus egyháztól vagy egy befolyásos filantróp-feudális úrtól -, a művész teljesen a piaci igényektől függ. A polgári társadalom ízlése előre meghatározta a holland művészet fejlődésének útját, és azok a művészek, akik ellenük álltak, megvédték függetlenségüket a kreativitás kérdéseiben, elszigetelődve találták magukat, időnként meghaltak hiányban és magányban. Sőt, ezek általában a legtehetségesebb mesterek voltak. Elég megemlíteni Hals és Rembrandt nevét.
A holland művészek számára a kép fő célja a környező valóság volt, amely még soha nem tükröződött annyira teljes mértékben más nemzeti iskolák festőinek alkotásaiban. Az élet legkülönbözőbb aspektusaihoz való vonzódás a festészet reális tendenciáinak megerősödéséhez vezetett, amelyben a műfaj és a portré, a táj és a csendélet vezető helyet foglalt el. Minél igazabban, minél mélyebben tükrözik a művészek az előttük megnyíló valós világot, annál jelentősebbek voltak műveik.
Minden műfajnak megvoltak a maga részei. Tehát például a tájfestők között voltak tengerképfestők (a tengert ábrázoló), festők, akik a síkság vagy erdősűrűség nézeteit részesítették előnyben, voltak olyan mesterek, akik a téli és a holdfényes tájakra szakosodtak: a műfajfestők, a parasztokat, polgárokat, lakomák jeleneteit ábrázoló művészek és otthoni élet, vadászati \u200b\u200bjelenetek és piacok; mesterei voltak az egyházi enteriőrnek és a különféle csendéleteknek - "reggelik", "desszertek", "üzletek" stb. A holland festészet korlátai által érintettek, amelyek korlátozták alkotói számára a megoldandó feladatok számát. Ugyanakkor az egyes művészek koncentrációja egy adott műfajra hozzájárult a festő képességeinek finomításához. A holland művészek közül csak a legnagyobb dolgozott különböző műfajokban.
A reális holland festészet kialakulása az olaszosító irányzat és manierizmus elleni küzdelemben zajlott. Ezeknek az irányzatoknak a képviselői mindegyikük a maga módján, de tisztán kifelé kölcsönözte az olasz művészek technikáit, amelyek mélyen idegenek a nemzeti holland festészet hagyományaitól. A holland festészet kialakulásának korai szakaszában, amely az 1609-1640-es éveket öleli fel, a reális tendenciák világosabbá váltak a portréban és a műfajban.
Holland táj
A holland realista táj alapelvei a 17. század első harmadában alakultak ki. Az olasz irányzat mestereinek festményein a hagyományos kánonok és az idealizált, feltalált természet helyett a reális táj megalkotói Holland dűnéivel, csatornáival, házaival és faluival ábrázolták a valódi természetet. Nemcsak az összes jelzéssel ragadták meg a környék jellegét, megteremtve a nemzeti táj jellegzetes motívumait, hanem megpróbálták átadni az évszak hangulatát, a párás levegőt és a teret. Ez hozzájárult a hangfestés fejlődéséhez, a kép minden alkotóelemének egyetlen hanghoz való alárendeléséhez.
A holland realista táj egyik legnagyobb képviselője Jan van Goyen (1596-1656) volt. Leidenben és Hágában dolgozott. Jan van Goyen művész kedvenc motívumai kis tájain: széles folyók völgyei és vízfelülete, a partjukon városok és falvak szürke, felhős napokon. Jan van Goyen sok helyet (a kép kétharmadát) hagyott az égnek, nedvességtől telített kavargó felhőkkel. Ilyen a "Vaal folyóra nyíló kilátás Nijmegenben" című festmény (1649, Moszkva, A. Puskin nevét viselő Állami Szépművészeti Múzeum), amelyet barna, barnaszürke színskála tart fenn.
Az állatok, tehenek, juhok legelőit ábrázoló speciális tájfajtát Paul Potter (1625–1654) hozta létre. Miután tökéletesen tanulmányozta az állatok szokásait, a művész gyakran készített közeli képeket, gondosan kiírva az egyes anyagok textúráját, a puha gyapjút, a legkisebb részleteket. Ilyenek a "Bika" (1647, Hága, Mauritshuis), "Kutya egy láncon" (Szentpétervár, Hermitage) festmények.
Holland csendélet
A tájfestés mellett a csendes élet, amelyet meghitt jellem jellemzett, széles körben elterjedt a 17. századi Hollandiában. A holland művészek a legkülönfélébb tárgyakat választották csendéletükhöz, tökéletesen elrendezhették azokat, feltárhatták az egyes tárgyak és belső életük vonásait, elválaszthatatlanul összekapcsolódva az emberi élettel.
A 17. századi holland festők, Peter Claesz (kb. 1597-1661) és Willem Heda (1594-1680 / 1682) a "reggeli" számos változatát írták, sonkákat, vöröses zsemlét, szeder pitét, törékeny poharakat, borral félig megtöltve, csodálatos módon. ügyesen közvetíti az egyes elemek színét, térfogatát, textúráját. Egy személy közelmúltbeli jelenléte kézzelfogható a rendellenességben, a véletlenszerűségben azoknak a dolgoknak az elrendezésében, amelyek éppen neki szolgáltak. De ez a rendellenesség csak nyilvánvaló, mivel minden csendélet összetétele szigorúan átgondolt és megtalálható. A visszafogott szürkésarany-olajbogyó tónuság egyesíti a tárgyakat, és különleges hangzást kölcsönöz azoknak a tiszta színeknek, amelyek hangsúlyozzák a frissen vágott citrom vagy a kék szalag puha selymének frissességét.
Az idő múlásával a csendélet-mesterek, Klas és Kheda festőművészek "reggelijei" átadják helyüket Abraham van Beyeren (1620 / 1621-1690) és Willem Kalf (1622-1693) holland festők "desszertjeinek". Beyeren csendéletének összetétele szigorú, érzelmileg gazdag, színes. Willem Kalf egész életében szabadon és demokratikus "konyhákban" írt - edényeket, zöldségeket és arisztokratikus csendéleteket a gyönyörű értékes tárgyak kiválasztására, tele visszafogott nemességgel, például ezüst edényekkel, serlegekkel és belső színek égésével telített héjakkal.
A további fejlődés során a csendélet ugyanazokat az utakat járja, mint az összes holland művészet, amely elveszíti demokráciáját, szellemiségét és költészetét, varázsát. A csendélet dekorációvá válik a magas rangú ügyfelek lakása számára. A dekoráció és a kivitelezés készsége ellenére a későbbi csendéletek a holland festészet hanyatlásával számolnak.
A társadalmi degeneráció, a holland polgárság jól ismert arisztokratizálása a 17. század utolsó harmadában hajlamot mutat arra, hogy összeforrjon a francia nemesség esztétikai nézeteivel, a művészi képek idealizálásához, azok összetöréséhez vezet. A művészet elveszíti kapcsolatát a demokratikus hagyománnyal, elveszíti reális alapját és hosszan tartó hanyatlás időszakába lép. Az Angliával vívott háborúkban nagyon kimerült Holland elveszíti pozícióját, mint nagy kereskedelmi hatalom és jelentős művészeti központ.
17. századi francia művészet
A 17. századi francia művészetben megtalálták az ember eszméjének és a társadalomban elfoglalt helyének legteljesebb tükröződését, amelyet az európai centralizált monarchiák kialakulása generált. Az abszolutizmus klasszikus országa, amely biztosította a polgári kapcsolatok növekedését, Franciaország gazdasági fellendülést tapasztalt és hatalmas európai hatalommá vált. A feudális akarat és anarchia elleni nemzeti egyesülésért folytatott küzdelem hozzájárult az ész magas fegyelmének, cselekedeteik iránti egyéni felelősségtudat és az állami problémák iránti érdeklődés erősödéséhez. A filozófus Descartes kidolgozta az akarat elméletét, hirdette az emberi elme dominanciáját. Az önismeretre és a természet meghódítására szólított fel, a világot ésszerűen szervezett mechanizmusként tekintve. A racionalizmus a francia kultúra jellemző vonásává vált. A 17. század közepére nemzeti irodalmi nyelv alakult ki - megerősítette a logikai egyértelműség, pontosság és arányérzék elveit. A francia klasszikus tragédia Corneille és Racine műveiben érte el csúcspontját. Drámáiban Moliere újrateremti az "emberi vígjátékot". Franciaország a nemzeti kultúra virágzását tapasztalta, nem véletlen, hogy Voltaire a 17. századot "nagynak" nevezte.
A 17. századi francia kultúra az abszolutizmus kialakulásának összefüggésében alakult ki. Sokfélesége és ellentmondásossága azonban meghatározta a nemzeti egyesülés széleskörű mozgalmát. Élénk válaszokat talált az akut társadalmi konfliktusokra, amelyek egy új társadalom születését kísérték. A 17. század első felében paraszti és városi felkelések, valamint a parlamenti Fronde nagy demokratikus mozgalma megrendítette az állam alapjait. Ennek alapján megszülettek utópiák, az ész és az igazságosság törvényein alapuló ideális társadalom álmai és az abszolutizmus szabad gondolkodású kritikája. A francia művészet fejlődése a 17. században két szakaszon ment keresztül, egybeesve a század első és második felével.
18. századi nyugat-európai művészet
Nyugat-Európában a XVIII. Század a feudalizmustól a kapitalizmusig tartó hosszú átmenet utolsó állomása. A század közepén befejeződött a tőke kezdeti felhalmozásának folyamata, harc folyt a társadalmi tudat minden területén, és forradalmi helyzet érlelődött. Később a fejlett kapitalizmus klasszikus formáinak dominanciájához vezetett. Egy évszázad alatt gigantikusan lebontották az összes társadalmi és állami alapot, koncepciót és kritériumot a régi társadalom értékeléséhez. Civilizált társadalom alakult ki, megjelentek a folyóiratok, megalakultak a politikai pártok, és harc folyt az ember emancipálásáért a feudális-vallási világszemlélet bilincseiből.
A képzőművészetben az élet közvetlenül reális ábrázolásának jelentősége megnőtt. A művészet szférája kibővült, a felszabadító eszmék aktív képviselőjévé vált, aktualitással, harci szellemmel töltötte el, feltárta nemcsak a feudális, hanem a kialakuló polgári társadalom sorsát és abszurditását is. Ezenkívül egy új, a korlátlan emberi személyiség pozitív ideálját terjesztette elő, amely hierarchikus eszméktől mentes, fejleszti az egyéni képességeket, ugyanakkor felruházza a polgári tudat nemes érzékét. A művészet országos lett, nemcsak a kifinomult műértők körét vonzotta, hanem a széles demokratikus környezetet is.
| A 18. század képzőművészetét a legjobb alkotásokban a legfinomabb emberi tapasztalatok elemzése, az érzések és hangulatok árnyalatainak reprodukciója jellemzi. Az intimitás, a képek lírája, de az elemző megfigyelés is (néha irgalmatlan) a 18. század művészetének jellemző vonásai. a portré műfajában és a mindennapi festészetben egyaránt. Az élet művészi felfogásának ezek a jellemzői a 18. század hozzájárulása a világ művészeti kultúrájának fejlődéséhez, bár el kell ismerni, hogy ezt a Rubens, Velazquez, Rembrandt, Poussin festményeiben rejlő társadalom esztétikai nézeteinek megtestesülésében, a szellemi élet ábrázolásának egyetemes teljessége, integritásának elvesztése árán érték el. | |
A Nyugat-Európa társadalmi és ideológiai fejlődésének főbb tendenciái a 18. században a különböző országokban egyenetlenül mutatkoztak meg. Ha Angliában a 18. század közepén lezajlott ipari forradalom megszilárdította a polgárság és a nemesség közötti kompromisszumot, akkor Franciaországban a feudálisellenes mozgalom szélesebb körben elterjedt, és polgári forradalmat készített elő. Minden országban közös volt a feudalizmus válsága, ideológiája, egy széles társadalmi mozgalom kialakulása - a felvilágosodás, az elsődleges érintetlen természet és ész kultusza, védelme, a modern romlott civilizáció kritikája, valamint a jóindulatú természet és a természetes felé hajló új demokratikus civilizáció álma. feltétel.
A tizennyolcadik század az értelem kora, mindent elpusztító szkepticizmus és irónia, a filozófusok, szociológusok, közgazdászok kora; kialakultak a technikához kapcsolódó egzakt természettudományok, földrajz, régészet, történelem és materialista filozófia. A korszak mentális mindennapjainak betörésével a tudományos ismeretek megalapozták a művészetet a valóság pontos megfigyeléséhez és elemzéséhez. A felvilágosítók a művészet célját hirdették, hogy utánozzák a természetet, de a természetet rendezik, fejlesztik (Diderot, A. Pop), kitisztítják az abszolutista rezsim által létrehozott ember által létrehozott civilizáció káros hatásai, a társadalmi egyenlőtlenség, az üresjárat és a luxus miatt. A 18. századi filozófiai és esztétikai gondolkodás racionalizmusa azonban nem elnyomta az érzések frissességét és őszinteségét, hanem a művészet művészeti jelenségeinek arányosságára, kegyelmére, harmonikus teljességére való törekvéshez vezetett, kezdve az építészeti együttesektől és az alkalmazott művészettel. A felvilágosítók nagy jelentőséget tulajdonítottak az életben és a művészetben az érzésnek - az emberiség legnemesebb törekvéseinek középpontjában, olyan érzésben, amely szomorú a céltudatos cselekvésre, amely tartalmazza az életet forradalmasító erőt, egy olyan érzést, amely felélesztheti a "természetes ember" ősi erényeit (Defoe, Rousseau, Mercier), a természeti törvényeket követve. természet.
Rousseau "A férfi csak érzései révén nagyszerű" kifejezés a 18. század közéletének egyik figyelemre méltó aspektusát fejezte ki, amely reális portré és műfaj mélyreható, kifinomult pszichológiai elemzését eredményezte, a lírai tájat (Gainsborough, Watteau, Berne, Robert) átjárta az érzések költészete "lírai regény", versek prózában ”(Russo, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), a zene térnyerésében éri el legmagasabb kifejezését (Händel, Bach, Gluck, Haydn, Mozart, olasz operaszerzők). Egyrészt a „kis emberek” lettek a 18. századi festészeti, grafikai, irodalmi és színházi műalkotások hősei - az emberek, mint mindenki más, a kor szokásos körülményeibe kerültek, nem rontották el őket a gazdagság és a kiváltságok, a lélek hétköznapi természetes mozgásának vannak kitéve, szerény boldogsággal megelégedve. A művészek és az írók bennük csodálták az őszinteséget, a lélek naiv spontaneitását, közel a természethez. Másrészt a hangsúly az emancipált civilizált értelmiségi személy eszményiségére irányul, amely egy oktatási kultúrából született, egyéni pszichológiájának, ellentmondásos mentális állapotainak és érzéseinek elemzésére finom árnyalataikkal, váratlan impulzusaikkal és reflektív hangulatukkal.
Az éles megfigyelés, a kifinomult gondolkodási és érzelmi kultúra a 18. század minden művészeti műfajára jellemző. A művészek igyekeztek megörökíteni mindennapi élethelyzeteket, változatos árnyalatokban, eredeti egyéni képeken, szórakoztató elbeszélések és elbűvölő szórakoztatás, éles konfliktusok, drámai intrikák és komikusan felépített mesék, kifinomult groteszk, bohóckodás, kecses ünnepségek felé vonzódva.
Új problémák merültek fel az építészetben is. A templomépítés jelentősége csökkent, és a civil építészet szerepe megnőtt, tökéletesen egyszerű, naprakész, mentes a túlzott impozíciótól. Egyes országokban (Franciaországban, Oroszországban, részben Németországban) megoldódtak a jövő városainak tervezésével kapcsolatos problémák. Építészeti utópiák születtek (grafikai építészeti tájak - Giovanni Battista Piranesi és az úgynevezett "papír építészet"). Jellemzővé vált a magán, általában intim lakóépület és a középületek városi együttesei. Ugyanakkor a 18. század művészetében a korábbi korszakokhoz képest csökkent a szintetikus érzékelés és az élet lefedettségének teljessége. Megtört a monumentális festészet és a szobrászat korábbi kapcsolata az építészettel, megnőtt bennük a festőállvány-festés és a dekorativitás vonásai. A mindennapi élet művészete és a díszítő formák különleges kultusz tárgyává váltak. Ezzel párhuzamosan megnőtt a különféle művészettípusok kölcsönhatása és kölcsönös gazdagodása, az egyik művészettípus által elért eredményeket mások szabadabban használták. Így a színház hatása a festészetre és a zenére nagyon gyümölcsöző volt.
A 18. század művészete két szakaszon ment keresztül. Az első 1740-1760-ig tartott. Jellemzője, hogy a késő barokk formák átalakulnak a dekoratív rokokó stílusba. A 18. század első felének művészetének sajátossága a szellemes és gúnyos szkepticizmus és kifinomultság kombinációja. Ez a művészet egyrészt kifinomult, az érzések és a hangulatok árnyalatait elemzi, a kecses meghittségre, a visszafogott líraiságra törekszik, másrészt az "örömfilozófiához", a keleti - arabok, kínaiak, perzsák - mesés képeihez hajlamos. A rokokóval egyidejűleg kialakult a reális irány - egyes mesterek között akutan inkrimináló jelleget nyert (Hogarth, Swift). A nemzeti iskolák művészeti irányzatainak küzdelme nyíltan megnyilvánult. A második szakasz az ideológiai ellentmondások elmélyülésével, az öntudat növekedésével, a burzsoázia és a tömeg politikai aktivitásával jár. Az 1760-1770-es évek fordulóján. A francia királyi akadémia szembeszállt a rokokó művészettel és megpróbálta feléleszteni a 17. század végi szertartásos, idealizáló tudományos művészeti stílust. A vitéz és mitológiai műfajok átengedték a történelmet, a római történelemből kölcsönzött cselekményekkel. Felhívták őket, hogy hangsúlyozzák a tekintélyüket elvesztett monarchia nagyságát a "felvilágosult abszolutizmus" eszméinek reakciós értelmezésével összhangban. A progresszív gondolkodás képviselői az ókor örökségéhez fordultak. Franciaországban de Keyluce gróf megnyitotta az e területen folyó kutatások tudományos korszakát (Antik Gyűjtemény, 7 kötet, 1752–1767). A 18. század közepén Winckelmann német régész és művészettörténész (Antik művészet története, 1764) arra kérte a művészeket, hogy térjenek vissza "az ókori művészet nemes egyszerűségéhez és nyugodt nagyszerűségéhez, tükrözve a köztársaság korának görögök és rómaiak szabadságát". Diderot francia filozófus az ókori történelemben zsarnokokat elítélő cselekményeket talált, felkelést sürgetve ellenük. Felmerült a klasszicizmus, amely szembeállította a rokokó dekorativitását a természetes egyszerűséggel, a szenvedélyek szubjektív önkényével - a való világ törvényeinek ismeretével, az arányérzékkel, a gondolat és a tettek nemességével. A művészek először tanulmányozták az ókori görög művészetet az újonnan felfedezett helyszíneken. Az ideális, harmonikus társadalom hirdetése, a kötelesség elsőbbsége az érzéssel szemben, az ész pátosza a 17. és a 18. század klasszicizmusának közös jellemzője. A 17. század klasszicizmusa, amely a nemzeti egyesülés alapján keletkezett, azonban a nemesi társadalom virágzása körülményei között alakult ki. A 18. század klasszicizmusát antifeudális forradalmi irányultság jellemezte. Felszólították, hogy egyesítse a nemzet progresszív erőit az abszolutizmus elleni harcban. Franciaországon kívül a klasszicizmusnak nem volt olyan forradalmi jellege, amelyet a francia forradalom kezdeti éveiben megkülönböztetett volna.
A klasszicizmussal egyidejűleg, megtapasztalva annak hatását, a reális irányzat tovább élt. Racionalista tendenciák rajzolódtak ki benne: a művészek az életjelenségek általánosítására törekedtek.
A 18. század második felében megszületett a szentimentalizmus az érzés- és szenvedélykultuszával, minden egyszerű, naiv, őszinte csodálattal. A művészethez kapcsolódó romantika előtti irány merült fel, és felkeltette az érdeklődést a középkor és a népművészeti formák iránt. E mozgalmak képviselői megerősítették az ember nemes és tevékeny érzéseinek értékét, feltárták a környezettel való konfliktusainak drámai jellegét, ami arra késztette, hogy az igazságosság diadala jegyében beavatkozjon a valós közügyekbe. Megengedték az utat "az emberi szív ismeretéhez és a varázslatos művészethez, hogy szemek elé állítsák a nagy szenvedély születését, fejlődését és összeomlását" (Lessing), és sürgős szükségét fejezték ki egy izgatott, szánalmas művészet iránt.
Századi művészet
A 19. század folyamán a kapitalizmus vált meghatározó formációvá nemcsak Európában, hanem más kontinenseken is. Ebben az időszakban élesen fokozódott a harc két kultúra - a progresszív demokratikus és a reakciós polgári - között. A korabeli fejlett elképzeléseknek a 19. századi realista művészete érvényesítette a valóság esztétikai értékeit, dicsőítette a valódi természet szépségét és a munkás emberét. A 19. század realizmusa abban különbözött az előző évszázadoktól, hogy a művészetben közvetlenül tükrözte a korszak fő ellentmondásait, az emberek életének társadalmi körülményeit. A kritikus álláspontok képezték a 19. századi reális művészeti módszer alapját. Legkonzisztensebb inkarnációja a kritikus realizmus művészete volt - ez a legértékesebb hozzájárulás a kor művészeti kultúrájához.
A 19. század különböző kulturális területei egyenetlenül fejlődtek. A világirodalom (Victor Hugo, Honore Balzac, Henri Stendhal, Fjodor Dosztojevszkij, Lev Tolsztoj), zene (Johann Beethoven, Frederic Chopin, Richard Wagner) éri el a legmagasabb csúcsokat. Az építészet és az iparművészet tekintetében az empirikus stílus meghatározó emelkedése után mindkét művészeti forma válságban van. A monumentális formák felbomlása, a stilisztikai egység, mint integrált művészeti rendszer, amely a művészet minden típusát átfogja. A festmény, a grafika és részben a szobrászat festőállvány-formái, amelyek a legjobb megnyilvánulásaikban a monumentális formák felé gravitálódnak, a legteljesebb mértékben fejlettek.
Bármely kapitalista ország művészetének nemzeti egyediségével megerősödnek a közös vonások: az élet jelenségeinek kritikai értékelése, a gondolkodás historizmusa, vagyis a társadalmi fejlődés mozgatórugóinak mélyebb objektív megértése mind az elmúlt történelmi szakaszokban, mind a jelenben. A 19. századi művészet egyik fő vívmánya a történelmi témák kidolgozása, amely először nemcsak az egyes hősök, hanem a tömegek szerepét is feltárja, és konkrétabban újjáteremti a történelmi környezetet. A portrék, műfaji műfajok, a hangsúlyos nemzeti jellegű tájak elterjednek. A szatirikus grafika virágzik.
A kapitalizmus győzelmével a nagy burzsoázia válik a fő érdekelt erővé a művészet reális és demokratikus tendenciáinak korlátozásában és elnyomásában. Az európai kultúra vezető alakjainak, Constable, Goya, Gericault, Delacroix, Daumier, Courbet, Manet alkotásait gyakran üldözték. A kiállításokat az úgynevezett szalonművészek, azaz a művészeti szalonokban meghatározó helyet elfoglaló művészek kifinomult művei töltötték meg. A polgári vásárlók ízlésének és igényeinek kielégítésére felszínes leírást, erotikus és szórakoztató motívumokat, a polgári alapítványok apologetikájának és a militarizmus szellemét művelték.
Még az 1860-as években Karl Marx megjegyezte, hogy "a kapitalista termelés ellenséges a szellemi termelés bizonyos ágaival, például a művészettel és a költészettel". A művészet elsősorban a jövedelmező befektetésként (gyűjtésként) vagy luxuscikkként érdekli a burzsoáziát. Természetesen a gyűjtők valóban megértették a művészetet és annak célját, de ez csak nagyon kevés kivétel volt a szabály alól. Általánosságban, az ízek irányítójaként és a művészet fő fogyasztójaként a burzsoázia korlátozta a művészeket a művészekkel szemben. A tömegtermelés fejlődése személytelenségével, a piacra támaszkodva a kreativitás visszaszorítását vonta maga után. A tőkés termelés munkamegosztása ápolja az egyén egyoldalú fejlődését, és megfosztja magától a munkától a kreatív integritást. A kapitalizmus művészettel szembeni ellenségességéről szólva Marx és Engels általában nem azt értette, hogy a 19. és 20. században a művészi haladás lehetetlen. Írásaikban a tudományos kommunizmus alapítói méltatták az eredményeket, például a 19. századi kritikai realizmust.
A demokratikus művészeti vonal, amely feltárja az emberek szerepét a történelem mozgatórugójaként és megerősíti a nemzet demokratikus kultúrájának esztétikai értékeit, számos fejlődési szakaszon megy keresztül. Az első szakaszban, az 1789-1794-es nagy francia forradalomtól 1815-ig (a népek napóleoni agresszióval szembeni nemzeti felszabadító harcának idejéig) a polgári társadalom kizsákmányoló lényege még nem valósult meg teljesen. A demokratikus művészet a nemesi művészi kultúra maradványai, valamint a polgári ideológia korlátai megnyilvánulásai elleni küzdelemben alakul ki. A művészet legmagasabb eredményei ebben az időben a tömeg, a szabadság, az egyenlőség és a testvériség eszméjének győzelmében hitt tömegek forradalmi pátoszához kapcsolódtak. Ez a forradalmi klasszicizmus virágkora, valamint a romantikus és reális művészet születése.
A második szakasz, 1815 és 1849 között, a legtöbb európai országban a tőkés rendszer kialakulásának idejére esik. Ennek a szakasznak a fejlett demokratikus művészetében az áttérés a polgári társadalom kizsákmányoló lényegének döntő kritikájára történik. Ez a forradalmi romantika legmagasabb virágzása és a kritikus realizmus művészetének hozzáadása.
A burzsoázia és a proletariátus közötti osztályellentmondások kiéleződésével, amely a párizsi kommünában (1871) tetőpontjára jutott, a reakciós polgári és demokratikus kultúrák közötti ellentét még erősebbé vált. A 19. század végén a tőkés szerkezet kritikáját mind az irodalomban, mind a műalkotásokban a forradalmi proletariátus egyre növekvő világképe szempontjából szemlélték.
Hasonló információk.
Eközben ez az európai kultúra speciális területe, amely érdemes részletesebb tanulmányozásra, amely a holland emberek akkori eredeti életét tükrözi.
A megjelenés története
A művészet kiemelkedő képviselői a XVII. Században kezdtek megjelenni az országban. A francia kultúrtudósok közös nevet adtak nekik - "kis hollandok", amely nem kapcsolódik a tehetségek skálájához, és a mindennapi élet bizonyos témáihoz való kötődést jelöli, szemben a "nagy" stílussal, történelmi vagy mitológiai témákban nagy vásznakkal. A holland festészet megjelenésének történetét a XIX. Század részletesen leírta, és az erről szóló művek szerzői is használták ezt a kifejezést. A kis hollandokat világi realizmus különböztette meg, vonzották a körülöttük lévő világot és az embereket, és tónusokban gazdag festészetet használtak.
A fejlődés fő szakaszai
A holland festészet megjelenésének története több időszakra osztható. Az első körülbelül 1620-tól 1630-ig tartott, amikor a realizmus megalapozódott a nemzeti művészetben. A holland festészet a második időszakot az 1640-1660-as években tapasztalta. Ez az az idő, amikor a helyi művészeti iskola valóban virágzott. Végül a harmadik időszak, az az idő, amikor a holland festészet hanyatlani kezdett - 1670-től a XVIII. Század elejéig.
Meg kell jegyezni, hogy a kulturális központok ez idő alatt megváltoztak. Az első időszakban a vezető művészek Haarlemben dolgoztak, fő képviselője Khalsa volt. Ezután a központ Amszterdamba költözött, ahol a legjelentősebb műveket Rembrandt és Vermeer adták elő.
A mindennapi élet jelenetei
A holland festészet legfontosabb műfajainak felsorolásakor mindenképpen a mindennapokkal kell kezdeni - a történelem legszembetűnőbb és legeredetibb. A flamandok nyitották meg a világot az egyszerű emberek, parasztok, városiak vagy polgárok mindennapjainak jelenetei előtt. Az úttörők Ostade és követői Oudenrogge, Bega és Dusart voltak. Ostad korai vásznain az emberek kártyáznak, veszekednek és még egy kocsmában is verekednek. Minden képet dinamikus, kissé brutális karakter különböztet meg. Az akkori holland festészet békés jelenetekről is mesél: egyes művekben a parasztok pipa és egy pohár sör mellett beszélgetnek, vásáron vagy családjukkal töltenek időt. Rembrandt hatása egy puha chiaroscuro arany szín széles körű elterjedéséhez vezetett. A városi jelenetek olyan művészeket inspiráltak, mint Hals, Leicester, Molenaire és Codde. A tizenhetedik század közepén a mesterek orvosokat, tudósokat ábrázoltak a munka folyamán, saját műhelyeket, házimunkákat a ház körül, vagy minden egyes cselekménynek szórakoztatónak kellett lennie, néha didaktikusan a groteszkre. Egyes mesterek hajlamosak voltak a mindennapi élet poétizálására, például Terborch zenélés vagy csajozás jeleneteit ábrázolta. Metsu élénk színeket használt, a hétköznapokat ünnepekké változtatta, míg de Hoochot a szétszórt napfénnyel elárasztott családi élet egyszerűsége ihlette. A műfaj későbbi képviselői, köztük olyan holland festők, mint Van der Werf és Van der Neer, gyakran elegáns ábrázolásra törekedve kissé igényes témákat alkottak.
Természet és tájak
Ezenkívül a holland festészet széles körben képviselteti magát a táj műfajában. Először olyan haarlemi mesterek műveiben jelent meg, mint van Goyen, de Molane és van Ruisdael. Ők kezdték egy bizonyos ezüstös fényben ábrázolni a vidéket. A művekben a természet anyagi egysége került előtérbe. Külön érdemes megemlíteni a tengerképeket. A tengerészeti festők a 17. században voltak, mint Porcellis, de Vlieger és van de Capelle. Nem annyira bizonyos tengeri jelenetek közvetítésére törekedtek, mint inkább magát a vizet, a rajta játszódó fényjátékot és az égboltot próbálták ábrázolni.
A tizenhetedik század második felére filozófiai gondolatokkal rendelkező érzelmesebb művek jelentek meg a műfajban. Jan van Ruisdael maximálisan felfedte a holland táj szépségét, minden drámájában, dinamikájában és monumentalitásában ábrázolva. Hagyományainak folytatója Hobbem volt, aki a napsütötte tájakat részesítette előnyben. Koninck panorámákat ábrázolt, míg van der Neer éjszakai tájak létrehozásával, valamint a holdfény, a napkelte és a naplemente átadásával foglalkozott. Számos művészre jellemző az állatok ábrázolása a tájakon, például tehenek és lovak legeltetése, valamint vadászat és lovasokkal való jelenetek. Később a művészeket kezdte elragadni az idegen természet - Bot, van Lar, Veniks, Berchem és Hackert Olaszországot ábrázolta, amely a déli nap sugaraiban fürdött. A műfaj úttörője Sunredam volt, amelynek legjobb követői a testvérek, Berkheide és Jan van der Heyden.
A belső terek képe
Külön műfaj, amely fénykorában megkülönböztette a holland festészetet, a templom, a palota és az otthoni szobák jelenetei voltak. A belső tereket a XVII. Század második felének vásznain jelentették meg a delfti mesterek - Haukgest, van der Vliet és de Witte, akik az irányzat fő képviselőjévé váltak. A művészek Vermeer technikáival napfényben fürdő jeleneteket ábrázoltak, tele érzelmekkel és dimenzióval.
Festői ételek és ételek
Végül a holland festészet másik jellegzetes műfaja a csendélet, különösen a reggeli kép. Először Harlem Klas és Kheda lakói gondoskodtak róla, lefedett asztalokat festettek fényűző ételekkel. A hangulatos belső tér festői rendellenességét és különleges renderelését ezüstszürke fény tölti ki, amely jellemző az ezüst és ón edényekre. Az utrechti művészek buja virágos csendéleteket festettek, és Hágában a mesterek különösen sikeresen ábrázolták a halakat és a tengeri hüllőket. Leidenben a műfaj filozófiai irányzata alakult ki, amelyben a koponyák és a homokóra szomszédosak az érzéki gyönyör vagy a földi dicsőség szimbólumaival, amelyeket arra terveztek, hogy emlékeztessenek az idő múlandóságára. A demokratikus konyhai csendéletek fémjelezték a rotterdami művészeti iskolát.
