A 60-as években. XVIII. klasszicizmusszilárdan megalapozott Oroszország képzőművészetében. Az antik tárgyakat széles körben használják a festészet minden műfajában.
Az orosz képzőművészet vezető műfaja a 18. század második felében az volt történelemfestés... Az akkori elképzelések szerint csak a történelmi műfaj volt képes megragadni a múlt hősképeit, a világ és az orosz történelem nagy eseményeit. Az ilyen műfajú művészek gyakran bibliai és mitológiai témákhoz is fordultak.
A legjelentősebb történelmi festményeket a 18. század második felében készítették. a Művészeti Akadémián végzett Anton Pavlovich Losenko (1737-1779). Az ukrán Gluhov városban született parasztfia, éneki tehetségének köszönhetően, 1744-ben a szentpétervári udvari kórusban kezdett énekelni. Ugyanakkor megmutatta a rajzolás képességét, ami 1753-ban lehetővé tette, hogy beiratkozhasson I. Argunov művész képzőjébe. 1758-ban Losenkót felvették a Művészeti Akadémiára. Az érettségi után, 1760-ban, Rómában és Párizsban javította festészetét. 1772-1773-ban. Losenko a Művészeti Akadémia igazgatója volt. Pedagógiai tevékenysége nagyon eredményes volt: a történelmi festészet jelentős művészei elvégezték iskoláját. Az ősi témákról szóló művek ("Hector búcsúja Andromache-tól") mellett Losenko megalkotta az első orosz történelmi festményt nemzeti témában - "Vlagyimir és Rogneda". A hagyományosan akadémikus képrendszer keretein belül a művész megkísérli átadni egy komplex etikai konfliktust, élénk emberi érzéseket.
A történelmi műfaj kiemelkedő mesterei között voltak Ivan Akimovich Akimov (1754-1814)(„Izyaslav Mstislavovich nagyherceget szinte halálra csapkodták azok a katonák, akik nem ismerték fel a csatában, megnyílik nekik”, „Szvyatoslav nagyherceg, aki megcsókolta anyját és gyermekeit, amikor visszatért a Dunáról Kijevbe” stb.) És Grigory Ivanovich Ugryumov (1764-1823) ("Alekszandr Nyevszkij ünnepélyes belépése Pszkovba a német lovagok felett elért győzelem után", "Kazan elfoglalása", "Mihail Fedorovics választása a királyságba" stb.).
A 18. század végén híres történelmi festők. voltak P.I.Sokolov (1753-1791) és M.I.Puchinov (1716-1797) is.
A 18. század második felében. jelentős előrelépés történt portré műfaj... Ugyanakkor a festők portré készségét széles skála jellemezte. Készítettek szertartásos szertartásos, kamarai és meghitt portrékat is. A 18. század közepén külföldi mesterek dolgoztak Oroszországban: P. Rotary, G. Kh. Grost, A. Roslin, I.-B. Lampi, P.G. Gonzag és mások. Ugyanakkor az orosz művészek hírnevet szereztek: I. Ya. Visnyakov, 1699-1761... (Sarah Fermor, Anna Leopoldovna uralkodójának portréi); A. Antropov, 1716–1795... (III. Péter, A. M. Izmailova államhölgy portréi); jobbágyművész I. Argunov, 1729-1802. (B. P. Sheremetev, P. Zhemchugova portréi).
A portré kiemelkedő mesterei voltak Fedor Sztepanovics Rokotov (1735–1808), Dmitrij Grigorjevics Levicij (1735–1822) és Vlagyimir Lukics Borovikovszkij (1757–1825). Galériát hoztak létre a kortársak - különböző rangú, jelentésű, életmódbeli és életkorú emberek - különféle kifejező képeiből. Ezek a festők udvari festőként portrékat készítettek III. Péterről, II. Katalinról, nemeseiről és kedvenceiről, a kor híres államférfiról.
Tehetséges portréfestők közel álltak a felvilágosult orosz értelmiség köréhez, különösen N. I. Novikovhoz és N. A. Lvovhoz. Nem meglepő, hogy nemcsak pompás ceremóniás nemesi portrékat készítettek, hanem az orosz kultúra képzett és tehetséges alakjainak kamaraportrét is készítettek: N.I. Novikov, N.A.Lvov, G.R. Derzhavin, V.I. Portréik tükrözik az önbecsülést, az egyszerűséget, az emberi kapcsolatok szívélyességét.
A tehetség és a női szépség harmóniája, amely vonzotta a művészeket, megnyilvánult az általuk létrehozott női portrékban, amelyeket megkülönböztet az ember belső megjelenésébe való finom behatolás, a szín szépsége, a dekorativitás. (A.P. Struyskaya, V.E. Novosiltseva Rokotov portréi; M.I.Lopukhina, Borovikovsky Gagarin nővérének portréi; Levitsky portréi, a Nemes Leányok Szmolnyi Intézetének növendékei).
A 18. század közepén megjelent az orosz képzőművészet új műfaja - tájkép festmény... A Művészeti Akadémián tájképi osztály jött létre, amelyből e műfaj legtehetségesebb mesterei kerültek ki. A tájfestők között van M. I. Makhaev (1718-1770), aki Szentpétervár utcáiról vagy egyedi épületeiről készített általános vázlatokat, F. M. Matveev (1758-1836), S. F. Shchedrin (1745-1804).
Kiemelkedő orosz tájfestő volt Fjodor Jakovlevics Alekszejev (1753-1824)... A Tudományos Akadémia őrének fia, 1764 és 1773 között a Művészeti Akadémián nevelkedett. Miután kitüntetéssel diplomázott, külföldre küldték Velencébe. Visszatérése után 1779-ben. Petersburg, a művészet a császári színház igazgatóságának díszítőjeként nevezték ki. Alekszejev akadémikust Peterburg, Moszkva és a dél-oroszországi város "nézeteinek" szerzőjeként ismerték.
A 18. század második felében. az orosz festészetben kezdett kialakulni a mindennapi élet műfaja. A műfajfestést azonban a Művészeti Akadémia vezetése és a társadalom kiváltságos rétege úgy tekintette, mint valami alapot, amely méltatlan a művész ecsetéhez. Ennek ellenére a parasztháború után E. Pugacsov vezetésével, mind az irodalomban, a színházban és a zenében, mind az 1770–1780-as évek festészetében. érdeklődést kezdett mutatni a parasztság, életmódja, életmódja iránt. Gyakran szentimentális képek voltak idilli pásztorokról és pásztorlányokról, amelyeknek semmi köze nem volt a valódi paraszti élethez. Voltak azonban kivételek is.
Mihail Sibanov az orosz festészetben az elsők között dolgozta ki G.A. Potjomkin jobbágyfejedelem paraszti témáját. Festette a "Parasztvacsora", "Az esküvői összeesküvés ünnepe" stb. Képeket. Sibanov festményein nincs a jobbágyság felmondása, de a fenti vásznakon nincs idealizálva a paraszti élet. A mûvészt az orosz paraszt életének és jellemének ismerete és megértése különbözteti meg.
A paraszti témát I. M. Tankov (1739 - 1799), az "Üdülés az országban" című festmény szerzőjének és I. A. Ermenevnek (1746? - 1792 után) alkotása tükrözte, akik "Parasztvacsora", "Koldusénekesek" akvarelleket festettek. " satöbbi.). Az orosz művészet történetében először a művész közvetítette a népi élet sötét oldalait, a szegénység fecsegését.
35. Orosz művészet a 18. században. festmény (Lomonoszov, Nyikitin, Matveev, Visnyakov, Antropov, Argunov, Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Losenko).
A 18. századi orosz festők fokozatosan sajátították el a lineáris perspektívát, amely lehetővé teszi a tér és a sík mélységének, valamint a chiaroscuro átadását, amely segít a háromdimenziós kép létrehozásában. A művészek anatómiát tanultak az emberi test és az olajfestés technikájának pontos reprodukálása érdekében.
A 18. század elejétől kezdve a festőállvány olajvászon festményének fő helye portrévá vált: kamra, szertartás, mellkas, teljes hosszúságú, kettős. A 17. századi Parsuns előzte meg. Az ember iránti érdeklődés nagyon jellemző az orosz művészetre. A 18. század első felében és közepén olyan híres portréfestők, mint I. Nikitin, A. Matveev, I. Ya. Visnjakov, A.P. Antropov és I.P. Argunov.
Kivételes hozzájárulás az orosz kultúrához a 18. század közepén Mihail Vasziljevics Lomonoszov (1711–1765)... Hozzájárult a képzőművészet fejlődéséhez, az akkoriban elfeledett területre - mozaikokra - térve. Lomonoszov maga fejlesztette ki a fényes árnyalatú smalt színű üveges tömegek készítésének technikáját, mivel a nyugat-európai mesterek szigorú titokban tartották. Több mint 40 mozaikot készített, köztük Nagy Péter, Petrovna Erzsébet portréit és a "Poltavai csata" grandiózus mozaikfestményt.
A 18. század második felében az 1757-ben Szentpéterváron megnyílt Művészeti Akadémia tevékenysége meghatározóvá vált az orosz művészet fejlődése szempontjából. Itt hivatásos művészek rendszeres képzésével foglalkoztak, elsősorban a görög klasszikusok alapján. Másolták a művészi képeket, cselekményeket, a miszenák, a pózok, az arcok típusait, az elfogadott ötleteket, a meztelenség értelmezését, a kiegészítőket és a szimbólumokat.
A modern kor első orosz művészei egyike volt a "személyes mester" (azaz portréíró) Ivan Nikitich Nikitin (1680 körül - legkorábban 1742-ben).Négy általa aláírt portrét ismerünk: Peter Praskovya Ioannovna (1714) unokahúgai, Szergej Strogonov gróf (1726), valamint I. Péter és Catherine (1717) nemrégiben Olaszországban talált két ünnepi portréja.
A 18. század 20-as éveiben, miután visszatért Olaszországból, Nikitin megírta a "Padló Hetman portréja" és a "Strogonov SG portréja" c. Úgy gondolják, hogy a művész módja nagyon eltérő lehet. Könnyen és természetesen, szabadon és magabiztosan készíti el a formát a tér illúzióját.
A "Péter 1 a halálának ágyán" című festményt áthatja a művész mély, személyes bánata, és fenségesen ünnepélyes. Virtuóz fényvonásokkal festették, amelyeken keresztül átsüt a vörösbarna talaj. A mester ecsete alatt a festmény rekviemnek hangzik.
Nyikitin kortársainak portréin különböző Péter idők képviselőit mutatta be, pontosan átadta karaktereiket, ezzel képet alkotva erről a viharos korszakról.
Művész Andrey Matveevich (vagy Merkurievich) Matveev (1701 / 1702-1739) Az orosz művészetet az európai festőiskola eredményeivel gazdagította. Számos festménye eljutott hozzánk: "A festészet allegóriája" - az első orosz festőállványos alkotás egy allegorikus cselekményen, I. Péter, A. P. hercegnő portréi. Golitsyna, "Önarckép a feleséggel" stb.
Matvejev leghíresebb festménye "Önarckép feleségével" az orosz festőállvány festménye a házas unió első költői képe. Az őszinteség és az egyszerűség, a megbízhatóság és a nyitottság, a rendkívüli tisztaság a fő jellemzői. Matvejev festménye átlátszó, mázakban gazdag, a képről a háttérre a legfinomabb átmenetekkel, homályos fekete-fehér színátmenetekkel jár, mintha a kontúrok feloldódása ebben a műben a tökéletességig érne és a művész alkotói erejének virágzásáról tanúskodna.
Nyikitin és Matveev képesek voltak portrékon feltárni az emberi egyéniség egyediségét, és mindegyik a maga módján tette: Nikitin - bátrabban és élesebben, Matvejev - lágyabb és költőibb. Matveev létrehozott egy művészeti iskolát, amely befolyásolta az akkori nemzeti művészetet, és előkészítette olyan festők megjelenését, mint I. Ja Visnjakov és A. P. Antropov, akinek munkássága főként a 18. század közepére esik.
Ivan Jakovlevics Visnyakov (1699-1761) nemcsak képi, hanem szervezeti tehetséggel is rendelkezett. Valójában az építkezéshez kapcsolódó összes képet felügyelte Szentpéterváron és a nemesek vidéki lakóhelyein. Hatalmas plafonokat, falpanorámákat, portrékat festett, transzparenseket és dekorációkat festett.
Az egyének vonzereje Vishnyakov és általában a század közepének művészeinek portréfestésének egyik jellemzője.
Visnyakov volt az első, aki érzékenyen megragadta az Oroszországban kialakuló rokokó vonásait, és nemzeti identitást adott neki. Vishnyakov műve leginkább Watteau-ra hasonlít, mivel mindkettőjüket könnyű irónia jellemzi. Vishnyakov ragyogóan közvetíti korának ünnepi jelmezei dekoratív luxusát, de kissé ironikusan hangsúlyozza a mozgásukat korlátozó terjedelmességüket. A rokokó művekben rejlő fénytartomány helyett a művész élénk és hangzatos színeket használ, közelebb az ősi orosz művészethez. Hiányzik a formák töredezettsége, éles szögek, aszimmetria, mobilitás, a tér illúziója.
A régi orosz mesterekhez hasonlóan Visnyakov is az arcra fordította a fő figyelmet, amelyben az ember lelki világa kifejeződik, és a test lapos és sematikus módon írt. Vishnyakov portréit magas szellemiség, melegség és lélekgazdagság áthatja.
Vishnyakov legjobb alkotásai Fermor gyermekeinek szertartásos portréi, amelyek közül különösen jelentős a S. E. Fermor portréja. Úgy tűnik, hogy Sarah Fermor a mulandó 18. századot testesíti meg, amelyet legjobban a menüett hangjai fejeznek ki. Vishnyakov ecsete alatt valóra vált álom lesz.
Visnyakov egyik utolsó alkotása Fjodor Nyikolajevics Golicin herceg portréja "korának kilencedik évében". Ebben a portréban egy, szeretettel festett arc él, mélyen behatolva a gyermekpszichológiába. Visnjakov minden eddiginél jobban bemutatja gravitációját az orosz festészet hagyományai iránt.
Alexey Petrovich Antropov (1716-1795) főként kamra mellkas vagy derék képeket írt. Festményének jellemző vonásai: a póz merevsége, a fej volumetrikus modellezése, az egész alakzat közelsége az előtérbe, tompa semleges háttér és a részletek gondos renderelése. A művész mindenekelőtt a modell uradalmi eredetét hangsúlyozta. Az összes portré méltóságot, szilárdságot, a póz ünnepélyes statikájának megerősítését mutatja. A kolorisztikus megoldás a nagy foltok kontrasztjára épül. Az alakot a fény és az árnyék kontrasztjának felhasználásával is formázzák.
Antropov legjobb portréi: A.M. államhölgyek Izmailova, M.A. grófnő államhölgyek Rumjanceva, A. V. Buturlina, a doni hadsereg menetelő főnöke, F.I. Krasznoscsekov. A művésznek figyelemre méltóan sikerült az idősek arcai, amelyekben megmutatta az élt élet nyomait, Antropov képes volt megragadni a modell leglényegesebb vonásait, így portréi meggyőző vitalitással bírnak. Az egyházi személyek (F.Y. Dobjanszky és mások) portréi ünnepélyesen készülnek. A királyi személyek portréin Antropov egy bizonyos sémához kapcsolódott, de ennek ellenére arról tanúskodnak, hogy nemcsak a magasságban lévő alakot rendezhetik a kiegészítők között, hanem pontos leírást is adhatnak a modellről (Péter 3, Katalin 2).
Antropov ünnepi portréi mindig dekoratívak és tökéletesen illeszkednek a 18. századi barokk belső térbe.
Ivan Petrovich Argunov (1729-1802) időben és kreatív nézetekben is legközelebb állt Antropovhoz. P.B. gróf jobbágyfestője Sheremetyev, sokszor írt tulajdonosainak: Peter Borisovichnak, Varvara Alekseevnek és gyermekeiknek.
K.A férje és felesége portréin. és H.M. Khripunovykh Argunov nem túl nemes, de kétségtelenül méltó embereket mutatott. Az intellektuális elv hangsúlyozása egy nő portréjában meglehetősen szokatlan e műfaj számára a 18. században.
Argunov 1750-es évek végére visszanyúló önarcképét a festészet spontaneitása és tökéletessége különbözteti meg.
Argunov nem rendelkezett Antropovra jellemző irgalmatlan objektivitással, de V. A. Sheremetyeva-t (1760-as évek) egy Anthropov-hoz nagyon közel álló képen törölte. Fényűző ruhája nem rejti magában ennek a büszkén ülő hölgynek az útiasságát és arroganciáját.
Visnyakov nyomán Argunov melegen írt modelleket gyermekeknek és fiataloknak. Argunov portréi, különösen szertartásosak, mindig datálva vannak, mint Antropovéin. Antropov azonban barokk stílusban festett, míg Argunov a rokokó könnyedsége és kegyelme felé kószált, nemzeti jellemzőkkel gazdagította és tisztán nemzeti koncepciót dolgozott ki a portréról.
Argunov egyik legjobb és költői alkotása az "Ismeretlen parasztasszony orosz ruhában" (1784) portréja. A művész nemcsak egy egyszerű orosz nő külső, de belső szépségét is közvetítette. Méltóan néz ki, nagy méltósággal néz ki. Ünnepi ruhája is mesterien van megírva.
Fedr Sztepanovics Rokotov (1735 / 36-1808) a portrék elismert mestere volt. A művész egyetlen portré nélküli alkotása a "II. Szuvalov kabinetje" (1757 körül) - az orosz belső tér első képe.
Ivan Orlov portréja Rokotov első kísérlete, hogy finom leírást adjon a "lélek mozgásáról" - az orosz művészek érdeklődésének természetes fejlődése a kép pszichologizálása iránt, kezdve Nikitin "Napolny Hetman" -jával. A kép szinte teljes terét elfoglaló ábra beállítása, a légiesség, a semleges háttér hiánya összefüggést mutat a század közepének művészetével.
Rokotov számára az 1760-as évek végét és különösen az 1770-es éveket általában mellkép jellemzi. Kidolgozza egy bizonyos típusú kamrás (és sokszínű - intim) portrét és sajátos írásmódot, a művészi eszközök egyéni megválasztását. Képi eszközökkel Rokotov különböző jellemvonásokat és lelkiállapotokat közvetít: a szkeptikus V.I. Maikov, az "Ismeretlen a kakasban" lusta mosolya és elmélkedése, szomorúság, a belső világ bizonytalansága A.P. gyönyörű arcán. Struyskoy, némi bizonytalanság a mosolyban: "ismeretlen rózsaszín ruhában". A képek lelkisége és törékenysége, az érzelmek alábecsülése, változékony hangulatok - ezek mind a kamraportréta jellemzői.
A szín Rokotov egyik legfontosabb eszköze a modell jellemzésében. A színkonzisztencia elérése érdekében a művész meleg tónusú talajt használ. A kép egy bizonyos hangnemben épül fel a közeli színárnyalatok, a világos, átlátszó vonások, a legfinomabb máz harmonikus összeolvadására. Az ecsetmozgás dinamizmusa csillogó festékréteg benyomását kelti, amely átlátszó köddel erősödik, egyfajta rokotov "sfumato", amely szellős környezetet teremt a modell feje körül. Rokotov mintha kikapná az arcát a sötétségből, minden mást árnyékban vagy részleges árnyékban hagyva. Ennek eredményeként megfelel a mester erkölcsi eszméinek és korának.
Alexandra Petrovna Struyskaya portréjában a mentális élet bonyolultságát és a modell kegyelmét a kőris-rózsaszín, a gyöngy és a citrom-sárga tónusok finom kombinációi közvetítik. Az arc oválját a nyakkivágás oválja és a ruhadarabok vonalai visszhangozzák (csakúgy, mint Ingres Mademoiselle Riviere portréjában, csak több mint 30 évvel korábban).
Az 1770-es és 1780-as évek fordulóján a változások Rokotov stílusban történtek. Az ábrázolt arcok nyitottságát és közvetlenségét az áthatolhatatlanság és a visszafogottság kifejezése váltja fel, a szellemi kizárólagosság tulajdonságának tudata. A modelleket büszke testtartás és statikus testtartás különbözteti meg. Struyskaját és az "Ismeretlen rózsaszín ruhában" remegő és hideg szellemi világot egy határozottabb nő képe váltja fel.
Az 1780-as évek óta lehet beszélni a "rokotov női típusról": büszkén állított fej, hosszúkás, kissé hunyorított szemek, távollétű félmosoly. Az ábrák nagy része ovális felirattal van ellátva. Ezeket a jellemzőket már megfigyelik E. N. Orlova és E. V. grófnő portréin. Santi. Az arc még mindig sötét háttér előtt áll, kontúrjai olvadnak, olyan, mintha kiragadnák a sötétségből.
A festészet dekoratív oldala különös jelentőséggel bír, míg a művész főleg helyi színeket használ, kisimítja a textúrát, így tökéletesíti a készséget.
Rokotov nagy szolgálata az orosz művészetnek abban rejlik, hogy az érzések és az azonnali hangulatok játékán, a képek különleges szellemiségén és a színben kifinomult festményen alapuló portrét készített.
Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822) - a szertartás- és kamraportrék nagy mestere - olyan művész volt, aki szokatlanul érzékeny volt modelljei vonásaira.
"PA Demidov" portréján egy gazdag ember látható, aki virágokat gondoz. Összetételében ez egy szertartásos klasszikus portré, de Demidov fenséges mozdulattal egy virágcserépre mutat. Teljes megjelenése nem felel meg a reprezentatív portré hagyományának, és ami a legfontosabb: arckifejezése nem felel meg annak: sem világi arroganciája, sem osztályos büszkesége nincs. Levitsky az általa Moszkvában alapított árvaház hátterében mutatta meg Demidovot. Ebben a portréban a művész elképesztő formaérzetet mutatott, a térépítés képességét. A festmény lédús, anyagszerű, sűrű, színe közel áll a helyi színhez - ezek zöldesbarna tónusú nagy színes foltok. Demidov portréjában Levitsky kibővítette az ünnepi portré lehetőségeit.
1772 és 1776 között Levitsky portrékat festett a Szmolnyi Intézet nemes leányoknak - Szmoljananka címmel. (Az intézetben a lányok zenét, nyelveket, táncot, éneket és világi modort tanultak. Ezek elsősorban a közép- és kisföldes nemesség gyermekei voltak.)
A festő megpróbálta modelljeit a számukra legjellemzőbb pózokban, szerepekben és képekben ábrázolni. Ennek eredményeként egyetlen művészi együttes jött létre, amelyet a létöröm egy fényes érzéke és a közös dekorációs rendszer egyesített. Egyes modellek semleges háttérrel, mások - színházi háttérrel, a park jellegét ábrázoló feltételes színházi táj hátterével vannak elhelyezve. A szmolyankai portrék színes vásznak, amelyek dekorativitását egy bizonyos plasztikus és lineáris ritmus, kompozíciós és kolorisztikus megoldások alkotják.
Levitsky legnagyobb hírnevét az 1780-as években érte el. Ebben az évtizedben festett portrékat szinte az egész szentpétervári magas társadalomról. Bensőséges portréin észrevehető a modellhez való hozzáállás. Az egyéniség jellemzője általánosabbá válik, a jellegzetes vonásokat hangsúlyozzák benne. Levitsky továbbra is nagyszerű pszichológus és ragyogó festő, de nem mutatja meg a modellhez való hozzáállását. Megjelenik a művészi kifejezési eszközök egyhangúsága: ugyanaz a típusú mosoly, túl világos pír az arcán, a redők elrendezésének egyik technikája. Ezért a vidám hölgy E.A. Bakunin (1782), valamint prim és száraz Dorothea Schmidt német nyelven (1780-as évek eleje).
Levitsky sokat dolgozott a császárné portréin. A leghíresebb a törvényalkotó képét ábrázoló képe: "II. Katalin az igazságosság istennőjének templomában" (1783). A portré allegorikus nyelve tisztelgés a klasszicizmus előtt. Catherine az oltárra mutat, ahol a pipacsokat füstölik, ami az alvás és a pihenés szimbóluma. Ez azt jelenti, hogy saját békéjét feláldozva, alattvalóinak jóléte nevében feladja magát az atya szolgálatának oltárán. A császárné felett az igazságszobor, lábainál egy sas, a bölcsesség és az isteni hatalom szimbóluma, az oszlopok nyílásában egy hajó, mint a tengeri erő szimbóluma. A szín intenzitása a helyi tónusok, a szobrászati \u200b\u200bformák túlsúlyával, a plaszticitás hangsúlyozása, a tervekre való egyértelmű felosztás - ezek mind az érett klasszicizmus jellemzői.
Ugyanakkor Levitsky, mint korának igényeire nagyon érzékeny művész legújabb munkáiban tükrözte a kialakulóban lévő birodalmi portré tendenciáit és a romantika előtti irányzatokat.
Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825) - a 18. század végén - a 19. század elején kiemelkedő portréfestő. Fokozatosan kifejlesztette saját női portrék kompozíciós kánonját: egy fára, szegélykőre stb. Támaszkodó ábra félhosszú (ritkán generált) vágása az ábrázolt virág vagy gyümölcs kezében mindig a természet hátterében volt ábrázolva. Az ábrát úgy helyezzük el, mintha a fény (ég) és a sötét (fahegyek) találkozásánál helyezkedne el. Néha nemcsak a díszlet, de még a ruha és a díszek is megismétlődtek portréról portréra, mint az E.N. Arszenyeva és Skobeeva. Mindkettő fehér ruhát, gyöngy karkötőt visel, almát a kezében, de a kivitel teljesen más. Mindkét portrét képi tulajdonságai különböztetik meg: tiszta formaplasztika, tökéletesen fejlett légkör.
Az 1790-es években, a századfordulón népszerű sentimentalizmus eszméinek megfelelően Borovikovot az ember lelkiállapota, finom tapasztalatai vitték el.
Borovikovszkij, a század első felének és közepének mestereivel ellentétben, mindig fehér alapokra festette, ami lehetővé tette a különleges színhangzás elérését.
A szentimentális hangulatok az uralkodó képében nyilvánultak meg. Katalin 2. portréját a cár parkjában tett sétán (két változat: a Chesme oszlop és a Rumjancev obeliszk hátterében) nem a császárné parancsára festette. Az is ismert, hogy nem hagyta jóvá Borovikovsky munkáját. A művész egy akkoriban szokatlan képet készített. Catherine-t fürdőköpenyben (pongyolában) és sapkában mutatják be, kedvenc olasz agárral a lábánál. Egyszerű kazanyi földbirtokosként jelenik meg a néző előtt, akinek élete utolsó éveiben szeretett megjelenni. Emlékezzünk vissza, hogy Puskin pontosan erre emlékezett rá a "A kapitány lánya" c. Filmben. Borovikovszkij képe semmiképpen sem hasonlít II. Katalinra, a jogalkotóra. Így változik a művészi ízlés egy évtized alatt - a klasszicista magasztos ideálból a vidéki nő szentimentális arculatának szinte műfaji értelmezésévé.
Az 1790-es évek vége - az 1800-as évek eleje volt Borovikovszkij művének fénykora. Ő, mint Levitsky, az egész pétervári nemességet, még a cárokat is ábrázolja. A politikusok, katonák, az egyházatyák portréin Borovikovszkij képes egyesíteni a modell igaz jellemzését a kompozíció konvenciójával. Levitsky-hez hasonlóan ő is "a korszak történetírója" lesz, inkább megpróbálja bemutatni annak típusait, mint fényes egyének. A legjobbak azok, amelyek tükrözik a polgári ideált, a 19. század első két évtizedének magas emelkedésének légkörét.
Az új évszázad elején korábbi munkájának eredménye Borovikovsky ecsete alól kerül elő, és új utakat nyit meg: ez A.G nővéreinek kettős portréja. és V.G. Gagarin (1802), a természet hátterében íródott, de már egy bizonyos mindennapi helyzetben - hangokkal és gitárral.
Anton Pavlovich Losenko (1737-1773) tehetségének és magas szakmai felkészültségének köszönhetően a 18. század első orosz történelmi festője lett. Közvélemény általi elismerése a "Vlagyimir és Rogneda" (1770) festménytől kezdődött. Minden deklamáció és pátosz ellenére sok őszinte érzés látható Losenko képén. Törekszik a részletek maximális megbízhatóságára is, tanulmányozta azt a keveset, amit az ősi orosz jelmezről tudni lehetett. Az egyik szobalány ruhája, a fejpánt gyöngyvarrása, Vlagyimir csizmája és inge, a katonák öltözéke - mind arról tanúskodnak, hogy a Petrinin előtti korszak jelmezének elemeire figyelnek. Ugyanakkor Vlagyimir fantasztikus fejdísze, amely egy fogazott koronát összekapcsol egy szőrmével és strucctollakkal ellátott kalappal, inkább hasonlít egy színházi kellékre.
A festmény színe meleg vörös és arany kombinációkból áll, fekete és fehér-szürke színekkel. Nagy helyi foltok, a kompozíció jól körülhatárolható középpontja, amely a főszereplők kezének ellentámadásával végződik, a figurák szoborplasztikája a klasszicista vonások győzelméről szól a barokkokkal szemben.
Az "Adonis halála" (1764) című festmény fokozott dekoratív jellege szintén megfelel a barokk elveknek.
A rajz és a chiaroscuro a klasszicista művek fő kifejező eszközévé vált. A szín a formát festi, nem véletlenül hívják helyi. A kötet nem annyira színes, mint a chiaroscuro formájú.
Losenko legutóbbi "Búcsú Hektortól és Andromache-tól" (1773) példáján, amelyet a művésznek nem volt ideje befejezni, nyomon követhető, hogy a klasszicista elveket hogyan vezették be az orosz festészetbe. Itt már minden megfelel a klasszicizmus programjának: gyaloglás - hazafias szolgálat az anyaország számára, készség a hősiességre és az áldozatokra; a kép átlóinak metszéspontjában elhelyezkedő, jól definiált középponttal rendelkező, sokalakú miszta "fríz" kompozíciója; a helyi színfoltok színezése.
A művek ideológiai tartalmának mélysége és a kivitelezés készsége Losenkót az orosz kultúra jelentős alakjává tette a 18. században.
A csomag tartalma: 20 diák, taneszköz
A diakészlet az első orosz portréfestők F.S. munkájáról mesél. Rokotova, D.G. Levitsky és V.L. Borovikovszkij. A.P. portréi Struyskaja, Hruscsova és Khovanskaya, P.A. Demidova, M.I. Lopukhina, II. Katalin a Tsarskoje Selo parkban tett sétán és mások objektív és pontos pszichológiai jellemzőket hordoznak, fejlett nézeteket fejeznek ki a személyiségről, annak emberi és társadalmi értékéről.
A kézikönyv grafikus sorozata a következő diákat tartalmazza
Kattintson a képre a nagyításhoz
1. F. Rokotov. Grigory Volkonsky herceg portréja. 1780
2. F. Rokotov. Varvara Szurovceva portréja. 1780
3. F. Rokotov. Rózsaszín ruhás ismeretlen nő portréja. 1770.
4. F. Rokotov. Santi Erzsébet grófnő portréja. 1785
5. F. Rokotov. Alexandra Petrovna Struyskaya portréja. 1772
6. F. Rokotov. Meztelen lány portréja. 1780.
7. D. Levitsky. Hruscsova és Khovanskaya portréja. 1773
8. D. Levitsky. Ekaterina Molchanova portréja. 1776
9. D. Levitsky. Alekszandr Kokorinov, a Művészeti Akadémia igazgatója és első rektora. 1769
10. D. Levitsky. Praskovya Repnina hercegnő portréja. 1781
11. D. Levitsky. Alekszandr Lansky császárné adjutánsának portréja. 1782
12. D. Levitsky. Prokofy Akinfievich Demidov portréja. 1773
13. D. Levitsky. Maria Alekseevna Dyakova portréja. 1778
14. V. Borovikovsky. A. hercegnők nővéreinek portréja és V.G. Gagarins. 1802
15. V. Borovikovsky. Jekatyerina Arszenyeva portréja. 1790
16. V. Borovikovsky. Skobeeva portréja. 1790
17. V. Borovikovsky. Fjodor Borovszkij vezérőrnagy portréja. 1799
18. V. Borovikovsky. Bezborodko Anna grófnő Lyuba és Kleopátra lányaival 1803
19. V. Borovikovsky. Maria Ivanovna Lopukhina portréja
20. V. Borovikovsky. II. Katalin sétára a Tsarskoye Selo parkban. 1794
8
A második félév orosz festményeXVIIIszázad
A 18. század Oroszországban nemcsak a társadalmi tudatosság, a társadalmi és filozófiai gondolkodás felemelkedésének, hanem a művészet virágzásának az ideje is. Az orosz tudomány és irodalom vezető személyiségei - Lomonoszov, Fonvizin, Radiscsev, Derzsavin - mellett orosz művészek - Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Losenko, Shibanov - szerepelnek.
A 18. században a reális irányzat kezdett érvényesülni a festészetben. Élő és gondolkodó ember válik a művészet hősévé, a társadalmi és esztétikai eszmék hordozójává. Ebben az időben a festészet új műfajai alakultak ki: történelmi, táji, mindennapi. A műfaji felépítés változatossága és teljessége a 18. század utolsó évtizedeiben alakult ki. A festészet széles körben elterjedt: a királyi gyűjtemények gazdagodnak, a családi gyűjtemények fővárosokban, tartományi városokban és birtokokban alakulnak ki. A festő, a költő és a művész szerepei egyre nyilvánvalóbbak. Az első művészeti kiállítások és művek értékesítése, a művészeti kérdésekben kialakult szakmai vélemény szerepe és az első esztétikai értekezések ehhez az időhöz kapcsolódnak.
A történelmi festészet első és legnagyobb alakja Anton Pavlovich Losenko (1737-1773) volt. Csak néhány festményt festett, köztük "Vladimir és Rogneda" -t az orosz történelem cselekményén, valamint "Hector és Andromache búcsúja Homérosz Iliász témájában. Úgy tűnik, hogy mindkét festmény ma nagyrészt archaikus, de egy időben nagyon híres volt, és az első tematikus lett kompozíciók az orosz művészetben.
Fjodor Sztepanovics Rokotov (1735-1808) - a kamraportré kiemelkedő mestere, i.e. a modell mellszobra ábrázolása, ahol a művész minden figyelmét a téma arcára összpontosítja. Rokotov számára az a legfontosabb, hogy megmutassa az ember belső tapasztalatait, lelki kizárólagosságát. Rokotov kiváló mestere volt a női portréknak. A művész női képei tele vannak belső méltóság és lelki szépség érzésével, fenségesek és emberségesek. A képek költészete, a képi viszonyok finomsága, az ecsetvonás könnyedsége és lágysága velejárója volt. Ecsetei N. E. portréihoz tartoznak. és A.P. Struiskikh (1772, Tretjakov Galéria), "Ismeretlen egy kakaskalapban" (1770-es évek eleje, Tretjakov Galéria), "Ismeretlen rózsaszín ruhában" (1770-es évek, Tretjakov Galéria).
A 18. század második felében a művészek elkezdtek figyelni a parasztok életének és mindennapjainak ábrázolására. Gróf Potjomkin jobbágyművésze, Mihail Szibanov a paraszti témának szentelte műveit.
A 18. század többi festője közül megemlíthetjük Vlagyimir Lukics Borovikovszkij (1757-1825) munkásságát, aki a 18. század második felében a harmadik volt a portrék vezető mesterei között. Vásznát megkülönbözteti a hangsúlyos líra, szemlélődés, az ember személyes élményeinek világára való odafigyelés. Olyan képeket festett, mint "II. Katalin séta a Carskoye Selo parkban" (1794, Tretjakov Galéria) és "DA Derzsavina portréja" (181Z, Tretjakov Galéria), mint az angol "portré - séta" hazai változata. A művésznő női képeit áthatja a szentimentalizmus - M.I. Lopukhina (1797), E.A. Naryshkina (1799), E.G. Temkina (1798, mind az Állami Tretjakov Galériában). A vásznak kompozíciójában a művész nagy szerepet tulajdonított a tájnak.
A XVIII. Századi portréfestést jelentősen befolyásolta F.S. kortársa. Rokotova Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822). Levitsky munkájában öltött testet az orosz felvilágosodás korának lényege, amely Katalin uralkodása alatt virágzott fel.
Levitsky munkája bizonyítja, hogy Oroszország végre bekerült az európai körbe. A méltóság, az ész és a természetesség felvilágosító eszméi, amelyek relevánsak a nyugati kulturális tudat számára, nagyon jelentősek számára. Képi képességeit tekintve portréi nem maradnak el a legjobb francia és angol kortársak munkáitól. Az anyagi világot senki sem írja ilyen szaftosan és kézzelfoghatóan, csodálva annak drágaságát és sokszínűségét: a bronz fényességét, a szövetek nehézségét és irizálását.
Kis orosz papok családjától származva Levitsky gyermekkora óta szerzett ízlést a rajzban. Apja, Grigory Kirillovich, hivatali címe mellett, Ukrajna leghíresebb metszője volt, "referencia" a Kijev-Pechersk Lavra nyomdájára. Felvilágosult ember, amatőr költő, művészeti oktatását nyugaton szerezte. A családi hagyományoknak megfelelően a fiú a szeminárium és a kijevi teológiai akadémia elvégzése után segített apjának teológiai vitákhoz kapcsolódó allegorikus programok végrehajtásában. A "művészetek" képzésének folytatása volt a célja, amikor F.B. egy épülő projektben a festmény felügyeletét látta el. A kijevi Rastrelli Szent András székesegyház 1752-ben megérkezett Alekszej Petrovics Antropov. Mindkét Levitsky mellette állt. Értékelve erőfeszítéseiket, Antropov az idősebbnek a templomi felügyelői posztra ajánlotta - távolítsa el az "ügyetlen faragás" ikonjait, és 1758-ban meghívta a fiatalabbat tanítványához.
Antropov portréfestő volt - ezt tanította. Levitsky megkapta az első megrendeléseket: a mesterség nemcsak öröm volt, hanem etetést is ígért, és ez fontos volt, mivel a lánya a családban nőtt fel. Ezt követően Levitsky lesz a legdivatosabb művész - szó szerint magánrendelések fogják elárasztani. Már saját kezdeményezésére, a "stílus csiszolásáért", több tanulságot is tart szakképzett külföldiektől - J.-L. Idősebb Lagrene és J. Valeriani. 1770-ben pedig valódi siker született - a Művészeti Akadémia kiállításán bemutatott "AF Kokorinov portréja" (1769) esetében az ott nem tanuló művész megkapta az akadémikus címet, majd egy évvel később meghívást kapott portré-osztály vezetésére.
Levitsky portrékat festett, amint azt a kor esztétikai és etikai normái megkövetelik. A modelleket minden bizonnyal nyerő színben kellett bemutatni. Nem titkolják, hogy a művésznek pózolnak. Ezért büszke testtartásuk, hagyományos gesztusaik, leereszkedő tekintetük. Az ábrázoltakat általában fényűző ruhában, ünnepi egyenruhában, csillagokban és rend szalagokban ábrázolták. A gazdagság ezen extravaganciáján és a rangsoron keresztül azonban egy figyelmes néző élénk és teljes vérű képeket láthat kiemelkedő emberekről.
Ilyen A.M. Golitsyn, akinek arcképét Levitsky készítette 1772-ben. Államférfit, méltóságost, az ünnepi portré törvényei szerint ábrázolják. Ehhez a művész nagy vászonformátumot és alulról nézőpontot választott, generációs metszetet adott az alaknak. Söpös mozdulattal, helyettesítés stb. .................
A portré műfajban a 18. század egyben a női lélek árnyalatainak teljes galériája, impulzusaival és életmélységével.
A "rokotovsky női típus" jellegzetessége a büszkén beállított fej, a kissé beszűkült szemek hosszúkás szakasza, a távollétű félmosoly - "a kifinomult elégedettség és a szomorúság kombinációja, amely szinte cáfolja a leírást". Ezeket a vonásokat már megfigyelhetjük E. N. Orlova, neme Zinovieva portréjában, amely koncepciója még mindig ambivalens (kettős): Orlova fehér szaténruhában, hermelin köpennyel, Szent szalaggal. Katalin és a császárné mellkasán gyémántokkal borított portréja reprezentatív (reprezentatív), "birtokformában" van bemutatva, de a "birtok" együtt él a hangulat intimitásával, akárcsak az egész megjelenés arroganciája; önbizalom - átgondoltsággal és szomorúsággal a szemében. Rokotovot a szellemi világ megrázkódtatásától és törékenységétől (például "Struyskaya" és "ismeretlen rózsaszín ruhában" készített portrék), a nő független megítélésére képes nő képének létrehozása jellemzi - V. N. Surovtseva portréja, akinek vonzó ereje a lelkiségben rejlik és a kép finom őszintesége. Rokotov mintha azt mutatná, hogy van még egy szépség, a külső mellett ebben a portréban teremti meg a női szépség gondolatát, mint elsősorban szellemi szépséget. A könnyű szomorúság és még némi mentális fáradtság sem zárja ki a nagy belső visszafogást, a nagy méltóságot és az érzés mélységét.
Levitsky portrék sorozatát készíti a Szmolnyi Intézet növendék leányoknak - "Szmolyanka" - egyetlen művészi együttesből (hét portré: Rzsevszkaja és Davydova, Nelidova, Khovanszkaja és Hruscseva, Borzseva, Molcsanova, Aljmova portréi). Az általános gondolat a győztes ifjúság, a szikrázó öröm, a világnézet különös vidámságának témája; egyetlen dekoratív koncepciójuk van. A "Smolyanka" ünnepi portrék. De Levitskyt a modell másik megközelítése is érdekelte: igyekezett feltárni a rejtett életet, mélyen elzárva a felületes pillantástól. És leggyakrabban modellekkel csinálta, mentálisan, és ami a legfontosabb, lelkileg közel áll hozzá.
Borovikovszkij valami olyasmit fejlesztett ki, mint a női (és ezek mindig női) portrék kompozíciós kánonja: egy fára, szegélykőre stb. Támaszkodó, fél virág (ritkán generációs) vágás, virágot vagy gyümölcsöt tartva a kezében. A háttér mindig természetes. Az ábrát mintha a fény (ég) és a sötét (fák halmaza) találkozásánál helyeznék el (például Lopukhina portréja). Néha nemcsak a figura díszítése, de még a ruha és a díszek is megismétlődnek portrétól portréig, mint E. N. Arszenyeva (1796) és Skobeeva (az 1790-es évek második fele) képein. Fehér ruha, gyöngy karkötő, alma a kézben - minden megismétlődik, nem is beszélve az általános magas képi tulajdonságokról: a forma tiszta plaszticitása, a gyönyörű festőiesség, a tökéletesen megtervezett, légies hangulat - és a képek is teljesen mások.
Három figyelemre méltó művész a 18. század második felében - Rokotov, Levitsky és Borovikovsky - a portré műfajának tipológiájának egyik rendszerét fejlesztette ki, és a rokokóból és a barokkból a klasszicizmus felé haladt, Borovikovsky pedig a szentimentalizmustól a romantikáig folytatódott, de mindegyiket egy-egy ideál-álom vezérelte, amelyet mindegyikük a maga módján értelmezett, hozzáállásuk ereje és a tehetség mértéke.
Így a 18. század egyrészt volt az alapja a nemzeti kultúra kialakulásának, másrészt hozzájárult a kultúra két típusának - a nemes és a népi (ami a pogány és keresztény Oroszország hagyományait megőrizte) - egyértelmű polaritásához.
