Vetmia e Shtetit, së bashku me Muzeumet e Qytetit të Pavia, po mbajnë retrospektivën më të madhe të pikturës në Itali të shekullit para së kaluarës, duke përfshirë më shumë se shtatëdhjetë vepra
Muzeu Shtetëror i Hermitazhit, 19 nëntor 2011 - 22 janar 2012
Salla e armëve Pallati i Dimrit
Brenda kornizës së Vitit të Italisë në Rusi dhe Rusisë në Itali në Sallën Armoriale të Pallatit të Dimrit, ekspozita “Italian piktura XIX shekulli. Nga neoklasicizmi te simbolika ”, organizuar nga Muzeu Shtetëror i Eremitazhit në bashkëpunim me Muzeumet e Qytetit të Pavia. Ekspozita është retrospektiva më e madhe e pikturës italiane të shekullit para së kaluarës dhe përfshin më shumë se shtatëdhjetë vepra, gjysma e të cilave vijnë nga koleksioni i Galerisë së Arteve të Muzeut Qytetar të Pavia të shekullit të 19-të. Përveç kësaj, ekspozita përfshin punime nga Galeritë e Artit Bashkëkohor në Firence, Milano, Torino, Genova. Rëndësia e ekspozitës është e vështirë të mbivlerësohet, pasi periudha nën shqyrtim është praktikisht e panjohur për audiencën ruse (në koleksionin Hermitage ka pak më shumë se gjashtëdhjetë piktura nga artistët italianë Ottocento).
Duke përdorur shembujt më të mirë të pikturës së shekullit të 19-të, ekspozita demonstron të gjithë stilet dhe tendencat në të cilat punuan artistët italianë: klasicizmi, romantizmi, historizmi, makiaioli, simbolika.
Karakteristikat kryesore të klasicizmit italian u vendosën në veprën e Antonio Canova. Artisti Lombard Andrea Appiani iu kthye llojit të pikturave sublime-idilike me tema mitologjike, një shembull i së cilës është piktura "Juno e veshur nga Hiret". I njëjti kanun antik i harmonisë sublime është në pëlhurat "Paris" dhe "Hebe" nga Gaspare Landi. Dega heroike e neoklasicizmit përfaqësohet nga piktura "Vdekja e Cezarit" nga Vincenzo Camuccini, e cila ishte e popullarizuar në atë kohë.
Thirrja ndaj episodeve dhe heronjve të historisë kombëtare, kryesisht të përshkruara tashmë në letërsi, është karakteristike për pjesën më të madhe të pikturës së shekullit të 19-të, duke filluar me romantizmin. Artisti kryesor i këtij drejtimi është Francesco Hayez. Në pikturën "Pajtimi i Otto II me nënën e tij, Adelaide nga Burgundy", ai riprodhoi një ngjarje të rëndësishme, por pak të njohur në historinë mesjetare italiane. Në "Venusi duke luajtur me pëllumbat" ai mishëronte tiparet e balerinës së famshme Carlotta Chabert, në "Denoncimi i Fshehtë" ai tregoi një Veneciane, të bukur dhe mizore.
Artistët romantikë portretizuan me dëshirë njerëz të shquar, heronj rebelë në momente lavdie ose rënieje. Shembuj të veprave të tilla: "Galileo para oborrit të inkuizicionit" nga Cristiano Banti, "Christopher Columbus në kthimin e tij nga Amerika (Christopher Columbus në zinxhirë)" nga Lorenzo Delleani, "Lord Bajroni në brigjet Greke" nga Giacomo Trecourt.
Romantikët ringjallin interesin për zhanret "më të rinj" të pikturës - që përshkruajnë brendësinë e ndërtesave dhe pamjet e qytetit (plumbi). Në pikturën "Kisha e Santa Maria della Salute në Venecia", Ippolito Caffi eksperimenton me perceptimin vizual dhe efektet e dritës.
Kërkimi për romantikë vazhdoi në vitet 1860 nga makiaiolët toskan: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Odorado Borrani, Vincenzo Cabianca. Artistët propozuan një mënyrë stilistike, duke zëvendësuar kiaroskuro tradicionale me një kombinim të kundërt të njollave ("makia"). Macchiaioli prezantoi skena të zhanrit në teknikën e re jeta e përditshme: "Duke kënduar Stornello" dhe "Të fejuarit, ose nusja dhe dhëndri" nga Silvestro Legi, "Takimi në pyll" nga Telemaco Signorini. Peisazhi në pikturat "Rotunda of the Bath Palmieri" nga Giovanni Fattori dhe "Pamja e Castiglioncello" nga Giuseppe Abbati është interesant sepse artistët punuan në ajër të hapur për ta krijuar atë.
Prirjet e simbolikës shprehen qartë në tripiktin e Giorgio Kinerk, Misterin e Njeriut: artisti shmang një karakterizim të qartë të personazheve, duke preferuar ta magjepsë shikuesin me simbole ezoterike dhe një atmosferë të përgjithshme magnetike.
Në dekadat e fundit të shekullit të 19-të, artistët evropianë kanë eksperimentuar me mjete të reja shprehëse. Në Itali, Angelo Morbelli zhvillon teknikën e një furçë të veçantë (divizionizmi), një shembull i së cilës është piktura me temë sociale "Mbi 80 Centesimo!" Një divizionist ishte edhe Giuseppe Pelizza da Volpedo, i cili mishëroi në mënyrë simbolike idealet e humanizmit të lartë në pikturën "Vallëzimi i rrumbullakët".
Ekspozita “Piktura Italiane e Shekullit XIX. Nga neoklasicizmi te simbolizmi ”është një përgjigje e ekspozitës së madhe të hapur në mars 2011 në Castello Visconteo“ Leonardeschi nga Fopp në Giampetrino: Piktura nga Hermitage dhe Muzeumet e Qytetit Pavia ”, e cila paraqiti njëzet e dy piktura nga koleksioni Hermitazh.
Kuratorja e ekspozitës nga ana e Vermetit Shtetëror është Natalya Borisovna Demina, studiuese në Departamentin e Arteve të Bukura të Evropës Perëndimore, nga ana e Muzeve të Qytetit të Pavia - Suzanne Zatti, drejtoreshë e Muzeve të Qytetit të Pavia.
Për hapjen e ekspozitës, një katalog shkencor është botuar në rusisht dhe italisht (shtëpia botuese Skira, Milano - Gjenevë), me artikuj nga Fernando Mazzocchi, profesor në Universitetin e Milanos, Francesca Porreco, kurator i Muzeut të Qytetit Pavia dhe Susanna Zatti.
Vëmendje! Të gjitha materialet në sit dhe baza e të dhënave e rezultateve të ankandit të faqes, duke përfshirë informacionin e ilustruar të referencës në lidhje me punimet e shitura në ankande, janë të destinuara për përdorim vetëm në përputhje me Artin. 1274 të Kodit Civil të Federatës Ruse. Nuk lejohet përdorimi për qëllime tregtare ose në shkelje të rregullave të përcaktuara nga Kodi Civil i Federatës Ruse. faqja nuk është përgjegjëse për përmbajtjen e materialeve të paraqitura nga palët e treta. Në rast të shkeljes së të drejtave të palëve të treta, administrata e sitit rezervon të drejtën t'i heq ato nga faqja dhe nga baza e të dhënave bazuar në kërkesën e organit të autorizuar.
- 31.01.2020 Çmimi fillestar i secilit lot të këtij ankandi nuk varet nga vlerësimi i tij dhe është saktësisht 100 dollarë
- 30.01.2020 Marron ka mbledhur koleksionin e tij për mbi 20 vjet, ai përbëhet nga 850 vepra arti, të vlerësuara paraprakisht në 450 milion dollarë
- 30.01.2020 Statusi i skulpturës nga Muzeu Getty në Dhjetor 2019 u ndryshua në "puna e një mjeshtri të panjohur"
- 29.01.2020 Kursi duhej të anulohej pas ankesave se ishte tepër i përqendruar në "historinë e artit të bardhë" evropian dhe studimin e artistëve meshkuj
- 29.01.2020 Organizatorët e retrospektivës më të plotë të punës së Salvador Dali i ofrojnë publikut dyqind vepra nga artisti dhe një program të pasur arsimor
- 31.01.2020 Të ardhurat totale arritën në pothuajse 2.5 milion rubla. Blerësit - nga Moska në Magadan
- 24.01.2020 Më shumë se 50% e pjesëve të katalogut kaluan nën çekiç, blerës - nga Perm në Minsk
- 23.01.2020 Katalogu përmban tridhjetë lote: njëmbëdhjetë piktura, pesëmbëdhjetë fletë origjinale dhe një grafikë të shtypur, një punë në media të përziera, një pjatë porcelani dhe një album fotografik
- 20.01.2020 Katalogu i ankandit të parë të artit figurativ dhe artizanatit në vitin 2020 arriti në 547 lote - piktura dhe grafikë, qelq, porcelan, qeramikë, argjend, smalt, bizhuteri, etj.
- 17.01.2020 Pak më pak se gjysma e të gjitha pjesëve në katalog shkuan në duar të reja. Blerësit përfshijnë Moskën, Odintsovo, Minsk dhe Perm
- 31.01.2020 Në historinë e temës së bisedës, diçka mund të duket naive, një tjetër - gjeni zbatim në praktikën e pjesëmarrësve të tregut. Një gjë është e sigurt: në çdo profesion, njohuritë e çdo personi të suksesshëm duhet të bazohen në sukseset dhe gabimet e paraardhësve të tij.
- 03.12.2019 Shifrat kryesore të tre tregtive kryesore të "javës ruse", dhe pak për mënyrën se si parashikimet tona u bënë të vërteta
- 03.12.2019 Këtë vit, Salloni u mbajt në një sit të ri, në Gostiny Dvor, dhe një muaj më vonë se zakonisht
- 28.11.2019 Një vizitë në studion e një artisti është një ngjarje që ka potencialin të ndryshojë jetën e pronarit të studios dhe të ftuarit të tij. Jo një takim plotësisht biznesi, por sigurisht jo një vizitë e zakonshme miqësore. Pajtueshmëria me disa rregulla të thjeshta do t'ju lejojë të mos bllokoheni në këtë situatë.
- 26.11.2019 Për herë të katërt, me sugjerim të Akademikut I.E. Grabar Qendra Shkencore dhe Kërkimore Gjithë-Unioni, ne botojmë një mendim të rremë të ekspertëve, të pretenduar të lëshuar nga ekspertët e Qendrës. Ki kujdes!
- 17.12.2019 Ekspozita, e cila hapet më 19 dhjetor në ndërtesën kryesore të muzeut, në Petrovka, 25 vjeç, është një përpjekje për të hedhur një vështrim të ri në koleksionin e gjerë muze të artit rus: kuratorët e projektit ishin 20 figura të famshme nga të ndryshme sferat profesionale
- 12.12.2019 6 Prill 2020 shënon 500 vjetorin e vdekjes së një prej artistëve më të mëdhenj të Rilindjes. Në pritje të ngjarjeve në shkallë të gjerë që do të ndodhin vitin e ardhshëm, Galeria e Arteve në Berlin hap një ekspozitë të Madonnas nga Raphael Santi
Italia është një vend që ka qenë gjithmonë i famshëm për artistët e saj. Mjeshtrat e mëdhenj që dikur jetonin në Itali përlëvdonin artin në të gjithë botën. Mund të themi me siguri se po të mos ishin për artistët, skulptorët dhe arkitektët italianë, bota sot dukej krejt ndryshe. Natyrisht, konsiderohet më domethënësi në artin italian. Italia në epokën e Rilindjes ose Rilindjes arriti një ngritje dhe lulëzim të paparë. Artistët e talentuar, skulptorët, shpikësit, gjenitë e vërtetë që u shfaqën në ato ditë janë ende të njohur për çdo student. Arti, krijimtaria, idetë, zhvillimet e tyre konsiderohen sot klasike, thelbi mbi të cilin ndërtohet arti dhe kultura botërore.
Një nga gjenitë më të famshëm të Rilindjes Italiane është, sigurisht, i madhi Leonardo da Vinci (1452-1519) Da Vinci ishte aq i talentuar sa arriti sukses të madh në shumë fusha të veprimtarisë, përfshirë këtu arte të bukuraah dhe shkenca. Një tjetër artist i famshëmkush është një mjeshtër i njohur është Sandro Botticelli (1445-1510). Pikturat e Botticelli janë një dhuratë e vërtetë për njerëzimin. Sot, dendësia e tij është në muzetë më të famshëm në botë dhe janë vërtet të pavlefshme. Jo më pak i famshëm se Leonardo da Vinci dhe Botticelli është Raphael Santi (1483-1520), i cili jetoi për 38 vjet, dhe gjatë kësaj kohe arriti të krijojë një shtresë të tërë pikture mahnitëse, e cila u bë një nga shembujt më të ndritshëm të Rilindjes së Hershme. Një gjeni tjetër i madh i Rilindjes Italiane është padyshim Michelangelo Buonarotti (1475-1564) Përveç pikturës, Mikelanxhelo u mor me skulpturë, arkitekturë dhe poezi, dhe arriti rezultate të mëdha në këto forma të artit. Statuja e Davidit të Michelangelo konsiderohet një kryevepër e patejkalueshme, një shembull i arritjes më të lartë të artit të skulpturës.
Përveç artistëve të përmendur më lart, artistët më të mëdhenj të Italisë së Rilindjes ishin mjeshtra të tillë si Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi dhe të tjerë ... Të gjithë ishin shembuj kryesorë të shkollës së lezetshme të pikturës Veneciane. Shkolla Fiorente e pikturës italiane përfshin artistë të tillë si: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Firaelandom del Sarto.
Për të renditur të gjithë artistët që kanë punuar gjatë Rilindjes, si dhe gjatë Rilindjes së vonë dhe shekuj më vonë, të cilët u bënë të njohur në të gjithë botën dhe përlëvdonin artin e pikturës, ata zhvilluan parimet dhe ligjet themelore që qëndrojnë në themel të të gjitha llojeve dhe zhanreve të arteve figurative, mbase do të duhet të shkruani disa vëllime, por kjo listë është e mjaftueshme për të kuptuar se artistët e mëdhenj italianë janë arti që njohim, që e duam dhe që do ta vlerësojmë përgjithmonë!
Piktura nga artistë të mëdhenj italianë
Andrea Mantegna - Afresk në Dhomën degli Sposi
Giorgione - Tre filozofë
Leonardo da Vinci - Mona Lisa
Rilindja (Rilindja). Italia. Shekujt XV-XVI. Kapitalizmi i hershëm. Vendi drejtohet nga bankierë të pasur. Ata janë të interesuar për artin dhe shkencën.
Të pasurit dhe ndikuesit mbledhin rreth tyre të talentuarit dhe të mençurit. Poetë, filozofë, piktorë dhe skulptorë kanë biseda të përditshme me klientët e tyre. Për një moment u duk se njerëzit qeveriseshin nga të urtët, ashtu siç dëshironte Platoni.
Ata kujtuan romakët dhe grekët e lashtë. Ata gjithashtu ndërtuan një shoqëri të qytetarëve të lirë, ku vlera kryesore është një person (pa llogaritur skllevërit, natyrisht).
Rilindja nuk është thjesht kopjim i artit të qytetërimeve antike. Ky është konfuzion. Mitologjia dhe Krishterimi. Realizëm i natyrës dhe shpirtmadhësi e imazheve. Bukuri fizike dhe shpirtërore.
Ishte vetëm një blic. Periudha Rilindja e Lartë - kjo është rreth 30 vjet! Nga vitet 1490 deri në 1527 Që nga fillimi i lulëzimit të krijimtarisë Leonardo. Para thesit të Romës.
Mirazhi i një bote ideale u shua shpejt. Italia doli të ishte shumë e brishtë. Ajo shpejt u skllavërua nga një diktator tjetër.
Sidoqoftë, këto 30 vjet kanë përcaktuar tiparet kryesore të pikturës evropiane për 500 vjet përpara! Deri në
Realizmi i imazhit. Antropocentrizmi (kur qendra e botës është Njeriu). Perspektiva lineare. Bojra vaji... Portret. Pamje
Në mënyrë të pabesueshme, në këto 30 vjet disa mjeshtra të shkëlqyeshëm punuan në të njëjtën kohë. Në raste të tjera, ata lindin një në 1000 vjet.
Leonardo, Michelangelo, Raphael dhe Titian janë titanët e Rilindjes. Por nuk mund të mos përmendet dy paraardhësit e tyre: Giotto dhe Masaccio. Pa të cilën nuk do të kishte Rilindje.
1. Giotto (1267-1337)
Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment i pikturës "Pesë Mjeshtrat e Rilindjes Firenze". Fillimi i shekullit të 16-të. ... Shekulli XIV. Proto-Rilindja. Personazhi kryesor i tij është Giotto. Ky është një mjeshtër që revolucionarizoi artin vetëm. 200 vjet para Rilindjes së Lartë. Nëse jo për të, vështirë se do të kishte ardhur epoka me të cilën njerëzimi është kaq krenar.
Para Giotto-s, kishte ikona dhe afreske. Ato u krijuan sipas kanuneve bizantine. Fytyrat në vend të fytyrave. Shifra të sheshta. Mosrespektimi i proporcioneve. Në vend të një peizazhi - një sfond i artë. Si, për shembull, në këtë ikonë.
Guido da Siena. Adhurimi i Magjive. 1275-1280 Altenburg, Muzeu Lindenau, Gjermani. Dhe papritmas afresket e Giotto shfaqen. Ata kanë figura tre-dimensionale. Fytyrat e njerëzve fisnikë. Të moshuar dhe të rinj. I trishtuar I trishtuar. I befasuar. Të ndryshme.
Afreske nga Giotto në Kishën e Scrovegni në Padova (1302-1305). Majtas: Vajtim për Krishtin. Mes: Puthja e Judës (detaje). Djathtas: Lajmërimi në Shën Anne (Nënë Mari), detaje.
Krijimi kryesor i Giotto është një cikël i afreskeve të tij në Chapel Scrovegni në Padova. Kur kjo kishë u hap për famullitarët, turma njerëzish vërshuan në të. Ata kurrë nuk kishin parë diçka të tillë.
Mbi të gjitha, Giotto bëri diçka të padëgjuar. Ai përktheu historitë biblike në gjuhë të thjeshtë, të kuptueshme. Dhe ato janë bërë shumë më të arritshme për njerëzit e zakonshëm.
Giotto. Adhurimi i Magjive. 1303-1305 Afresk në kishën Scrovegni në Padova, Itali. Kjo është ajo që do të jetë karakteristike për shumë mjeshtra të Rilindjes. Imazhe lakonike. Emocione të gjalla të personazheve. Realizëm.
Lexoni më shumë rreth afreskeve të mjeshtrit në artikull.
Giotto u admirua. Por risia e tij nuk u zhvillua më tej. Moda për gotikën ndërkombëtare erdhi në Itali.
Vetëm 100 vjet më vonë do të shfaqet një pasardhës i denjë i Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)
Masakio Vetë-portret (fragment i afreskut "Shën Pjetri në minber"). 1425-1427 Chapel Brancacci në Kishën e Santa Maria del Carmine, Firence, Itali. Fillimi i shekullit të 15-të. E ashtuquajtura Rilindja e Hershme. Një tjetër inovator hyn në skenë.
Masaccio ishte artisti i parë që përdori perspektivën lineare. Wasshtë projektuar nga miku i tij, arkitekti Brunelleschi. Tani bota e përshkruar është bërë e ngjashme me atë reale. Arkitektura e lodrave është një gjë e së kaluarës.
Masakio Shën Pjetri shëron me hijen e tij. 1425-1427 Chapel Brancacci në Kishën e Santa Maria del Carmine, Firence, Itali. Ai miratoi realizmin e Giotto-s. Sidoqoftë, ndryshe nga paraardhësi i tij, ai tashmë e dinte mirë anatominë.
Në vend të personazheve me gunga të Giotto-s, ata janë njerëz të ndërtuar bukur. Ashtu si grekët e lashtë.
Masakio Pagëzimi i neofiteve. 1426-1427 Chapel Brancacci, Kisha e Santa Maria del Carmine në Firence, Itali. 
Masakio Dëbimi nga Parajsa. 1426-1427 Afresk në Chapel Brancacci, Kisha e Santa Maria del Carmine, Firence, Itali. Masaccio jetoi jetë e shkurtër... Ai vdiq, ashtu si babai i tij, papritur. Në moshën 27 vjeç.
Sidoqoftë, ai kishte shumë ndjekës. Mjeshtrat e brezave të ardhshëm shkuan në Chapel Brancacci për të mësuar nga afresket e tij.
Pra, risia e Masaccio u mor nga të gjithë artistët e mëdhenj të Rilindjes së Lartë.
3. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci. Vetë-portret. 1512 Biblioteka Mbretërore në Torino, Itali. Leonardo da Vinci është një nga titanët e Rilindjes. Ai ndikoi në zhvillimin e pikturës në një mënyrë kolosale.
Ishte da Vinci ai që ngriti vetë statusin e artistit. Falë tij, përfaqësuesit e këtij profesioni nuk janë më vetëm artizanë. Këta janë krijuesit dhe aristokratët e shpirtit.
Leonardo bëri një përparim kryesisht në portrete.
Ai besonte se asgjë nuk duhet të tërheqë vëmendjen nga imazhi kryesor. Vështrimi nuk duhet të endet nga një detaj në tjetrin. Kështu u shfaqën portretet e tij të famshme. Lakonik. Harmonike.
Leonardo da Vinci. Zonja me nje ermine. 1489-1490 Muzeu Chertoryski, Krakov. Risi kryesore e Leonardo është se ai gjeti një mënyrë për t'i bërë imazhet ... të gjalla.
Para tij, personazhet në portrete dukeshin si manekine. Linjat ishin të mprehta. Të gjitha detajet gjurmohen me kujdes. Vizatimi i pikturuar nuk mund të ishte kurrë i gjallë.
Leonardo shpiku metodën sfumato. Ai i bëri hije linjave. Kalimin nga drita në hije e bëri shumë të butë. Personazhet e tij duket se janë të mbuluara me një mjegull të hollë. Personazhet erdhën në jetë.
... 1503-1519 Louvre, Paris. Sfumato do të hyjë në fjalorin aktiv të të gjithë artistëve të mëdhenj të së ardhmes.
Shpesh besohet se Leonardo, natyrisht, një gjeni, por nuk dinte si të sillte asgjë në fund. Dhe shpesh nuk e mbarojnë pikturën. Dhe shumë prej projekteve të tij mbetën në letër (nga rruga, në 24 vëllime). Në përgjithësi, ai u hodh në mjekësi, pastaj në muzikë. Edhe arti i shërbimit në një kohë ishte i dashur.
Sidoqoftë, mendoni vetë. 19 piktura - dhe ai - artisti më i madh të të gjitha kohërave dhe popujve. Dhe dikush nuk është as afër madhështisë, ndërsa ka shkruar 6,000 piktura në jetë. Shtë e qartë se kush ka një efikasitet më të lartë.
Lexoni për pikturën më të famshme të mjeshtrit në artikull.
4. Mikelanxhelo (1475-1564)
Daniele da Volterra. Michelangelo (detaj). 1544 Muzeu Metropolitan i Artit, New York. Mikelanxhelo e konsideronte veten një skulptor. Por ai ishte një mjeshtër i gjithanshëm. Ashtu si kolegët e tij të tjerë të Rilindjes. Prandaj, trashëgimia e tij piktoreske nuk është më pak madhështore.
Ai njihet kryesisht nga personazhet e tij të zhvilluara fizikisht. Ai portretizoi një person të përsosur, në të cilin bukuria fizike do të thotë bukuri shpirtërore.
Prandaj, të gjithë personazhet e tij janë kaq muskulozë dhe të fortë. Edhe gratë dhe të moshuarit.
Mikelanxhelo. Fragmente të afreskut të Gjykimit të Fundit në Kapelën Sistine, Vatikan.
Michelangelo shpesh e pikturonte personazhin lakuriq. Dhe pastaj ai mbaroi pikturën në krye të rrobave. Kështu që trupi të jetë sa më i spikatur.
Ai pikturoi tavanin e Kapelës Sistine vetëm. Edhe pse këto janë disa qindra figura! Ai madje nuk e la askënd të fërkonte bojën. Po, ai ishte i pa shoqërueshëm. Ai kishte një karakter të ftohtë dhe grindavec. Por mbi të gjitha ai ishte i pakënaqur me ... veten e tij.
Mikelanxhelo. Fragment i afreskut "Krijimi i Adamit". 1511 Kapelë Sistine, Vatikan. Mikelanxhelo jetoi një jetë të gjatë. Mbijetoi zhdukjen e Rilindjes. Ishte një tragjedi personale për të. Punimet e tij të mëvonshme janë plot hidhërim dhe trishtim.
Në përgjithësi, rruga krijuese e Michelangelo është unike. Puna e tij e hershme është një glorifikim i heroit njerëzor. Të lirë dhe të guximshëm. Në traditat më të mira Greqia e lashte... Si Davidi i tij.
NË vitet e fundit jeta është imazhe tragjike. Guri i latuar qëllimisht i ashpër. Sikur para nesh janë monumente për viktimat e fashizmit të shekullit 20. Shikoni Pietën e tij.
Skulptura nga Michelangelo në Akademinë e Arteve të Bukura në Firence. E majta: David. 1504 Djathtas: Pieta i Palestrina. 1555 g.
Si është e mundur kjo? Një artist në një nga jetën e tij kaloi të gjitha fazat e artit nga Rilindja deri në shekullin XX. Çfarë duhet të bëjnë brezat e ardhshëm? Shkoni në mënyrën tuaj. Duke kuptuar që shiriti është ngritur shumë lart.
5. Raphael (1483-1520)
... Galeria 1506 Uffizi, Firence, Itali. Raphaeli nuk u harrua kurrë. Gjenialiteti i tij njihej gjithnjë: si gjatë jetës ashtu edhe pas vdekjes.
Personazhet e tij janë të pajisur me bukuri sensuale, lirike. Heshtë ai që konsiderohet me të drejtë më i bukuri imazhe femërorekrijuar ndonjëherë. Bukuria e jashtme pasqyron bukurinë shpirtërore të heroinave. Butësia e tyre. Sakrifica e tyre.
Rafaeli. ... Galeria e Mjeshtrave të Vjetër 1513, Dresden, Gjermani. Fjodor Dostojevski tha fjalët e famshme "Bukuroshja do të shpëtojë botën" Kjo ishte piktura e tij e preferuar.
Imazhet sensuale nuk janë e vetmja forcë e Raphaelit. Ai me shumë kujdes mendoi për përbërjen e pikturave të tij. Ai ishte një arkitekt i patejkalueshëm në pikturë. Për më tepër, ai gjithmonë gjente zgjidhjen më të thjeshtë dhe harmonike në organizimin e hapësirës. Duket se nuk mund të jetë ndryshe.
Rafaeli. Shkolla e Athinës. 1509-1511 Afresk në strofat e Pallatit Apostolik, Vatikan. Raphael jetoi vetëm 37 vjeç. Ai vdiq papritur. Nga të ftohtit dhe gabimi mjekësor. Por trashëgimia e tij është e vështirë të mbivlerësohet. Shumë artistë e idhulluan këtë mjeshtër. Dhe ata shumëfishuan imazhet e tij sensuale në mijëra piktura të tyre ..
Titiani ishte një kolorist i përkryer. Ai gjithashtu eksperimentoi shumë me përbërjen. Në përgjithësi, ai ishte një novator i guximshëm.
Për një shkëlqim të tillë të talentit të gjithë e donin atë. I quajtur "mbreti i piktorëve dhe piktori i mbretërve".
Duke folur për Titianin, dua të vendos një pikëçuditje pas çdo fjalie. Mbi të gjitha, ishte ai që solli dinamikë në pikturë. Patos. Entuziazmi. Ngjyrosje e ndritshme. Ngjyra të ndritshme.
Tician Ngjitja e Marisë. 1515-1518 Kisha e Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venecia. Kah fundi i jetës së tij, ai zhvilloi një teknikë të pazakontë shkrimi. Goditje të shpejta dhe të trasha. Vendosa bojë me furçë, pastaj me gishta. Nga kjo - imazhet janë edhe më të gjalla, duke marrë frymë. Dhe komplotet janë edhe më dinamike dhe dramatike.
Tician Tarquinius dhe Lucretia. 1571 Muzeu Fitzwilliam, Kembrixh, Angli. A ju kujton ndonjë gjë? Sigurisht, kjo është një teknikë. Dhe teknika e artistëve të shekullit XIX: Barbizonians dhe. Titiani, si Mikelanxhelo, do të kalojë 500 vjet pikturë në një nga jetën e tij. Kjo është arsyeja pse ai është një gjeni.
Lexoni në lidhje me kryeveprën e famshme të mjeshtrit në artikull.
Artistët e Rilindjes janë mjeshtra të njohurive të mëdha. Kishte shumë për të mësuar të linim një trashëgimi të tillë. Në fushën e historisë, astrologjisë, fizikës, etj.
Prandaj, secila prej imazheve të tyre na bën të mendojmë. Pse është përshkruar? Cili është mesazhi i koduar këtu?
Ata pothuajse nuk gabuan kurrë. Sepse ata e kanë menduar plotësisht punën e tyre të ardhshme. Ne përdorëm të gjitha bagazhet e njohurive tona.
Ata ishin më shumë se artistë. Ata ishin filozofë. Ata na shpjeguan botën përmes pikturës.
Kjo është arsyeja pse ato do të jenë gjithmonë me interes të thellë për ne.
Në kontakt me
Deri në shekullin e 13-të, tradita bizantine mbizotëronte në Itali, armiqësore ndaj çdo zhvillimi të lirë ose mirëkuptimit individual. Vetëm gjatë shekullit të 13-të skema e gurëzuar e imazhit u ringjall në punën e disa artistëve të mëdhenj, kryesisht Firences.
Shfaqet një perceptim i ri, i orientuar drejt realitetit, i harmonisë së ngjyrave dhe një shprehje më e thellë e ndjenjave. Midis artistëve të shekujve 13-14, të tilla si Ercole de Roberti, Francesco Francia, Jacopo de Barbari mund të shprehen.
Iatlian që jeton shekujt 15 - 16
Gjatë kësaj periudhe, një stil i tillë i pikturës si Manerizmi ishte i përhapur. Karakterizohet nga një largim nga uniteti dhe harmonia e njeriut me natyrën, gjithçka materiale dhe shpirtërore, kështu qëndron ai në kundërshtim me Rilindjen.
Qendra e madhe e pikturës është Venecia. Kontributi i Ticianit përcaktoi kryesisht pikturën veneciane të shekullit të 16-të, si në arritjet artistike të artistit ashtu edhe në produktivitetin e tij. Ai ishte po aq i aftë në të gjitha zhanret, shkëlqeu në kompozime fetare, mitologjike dhe alegorike, krijoi portrete të shumta që të lënë pa frymë. Titiani ndoqi drejtimet stilistike të kohës së tij dhe nga ana tjetër ndikoi në to.
Veronese dhe Tintoretto - në kontrast me këta dy artistë, zbulohet dualiteti i pikturës veneciane të mesit të shekullit të 16-të, shfaqja e qetë e bukurisë së ekzistencës tokësore në fund të Rilindjes në Veronese, lëvizja pohuese dhe botërorja ekstreme, dhe në disa raste edhe tundimi i hollë i një natyre laike, në punën e Tintoretto. Në pikturat e Veronese, njeriu nuk ndjen ndonjë problem të asaj kohe, ai shkruan gjithçka sikur nuk mund të ishte ndryshe, sikur jeta është e bukur ashtu siç është. Skenat e përshkruara në pikturat e tij udhëheqin një ekzistencë "reale" që nuk lejon asnjë dyshim.
Krejt ndryshe për Tintoretto, gjithçka që ai shkruan është e mbushur me veprim intensiv, në mënyrë dramatike të lëvizshme. Asgjë nuk është e pandryshueshme për të, gjërat kanë shumë anë dhe mund të shfaqen në mënyra të ndryshme. Kontrasti midis pikturave thellësisht fetare dhe sekulare, pikante, të paktën elegante, siç dëshmohet nga dy krijimet e tij "Shpëtimi i Arsinoe" dhe "Lufta e Kryeengjëllit Michael me Satanin", na tërheq vëmendjen për veçorinë e një mënyre të natyrshme jo vetëm të Tintoretto Venedikut, por edhe parë nga ne nga tradita e Correggio Parmigianino.
Pikturë italiane e shekullit të 17-të
Ky shekull është shënuar si një kohë e rritjes së katolicizmit, konsolidimit të kishës. Lulëzimi i pikturës në Itali u shoqërua, si në shekujt e mëparshëm, me ndarjen në shkolla të veçanta lokale, gjë që ishte pasojë e situatës politike në këtë vend. Rilindja Italiane u kuptua si pika fillestare e një kërkimi të gjerë. Artistët e shkollës Romake dhe Bologneze mund të dallohen. Këta janë Carlo Dolci nga Firence, Procaccini, Nuvolone dhe Pagani nga Milano, Alessandro Turchi, Pietro Negri dhe Andrea Celesti nga Venecia, Ruoppolo dhe Luca Giordano nga Napoli. Shkolla Romake shkëlqen me një seri të tërë pikturash në shëmbëlltyrat e Dhiatës së Re nga Domenico Fetti, mësuar nga shembujt e Caravaggio dhe Rubens.
Andrea Sacchi, një student i Francesco Albani, përfaqëson një lëvizje të dukshme klasike në pikturën romake. Klasicizmi, si një lëvizje e kundërt me Barokun, ka ekzistuar gjithmonë në Itali dhe në Francë, por kishte peshë të ndryshme në këto vende. Ky drejtim përfaqësohet nga Carlo Maratto, një nxënës i Sacchi. Një nga përfaqësuesit kryesorë të trendit klasik ishte Domenichino, i cili studioi nën Denis Calvart dhe Caracci në Bolonjë.
Pier Francesco Mola, nën ndikimin e Guercino, ishte shumë më barok, më i fortë në interpretimin e dritës dhe hijes, në transmetimin e një toni të ngrohtë kafe. Ai gjithashtu u ndikua nga Caravaggio.
Në shekullin e 17-të, format e zhvilluara shprehimisht të Barokut, me sensin e saj të natyrshëm të "natyrshmërisë" dhe në përshkrimin e mrekullive dhe vizioneve, të vëna në skenë, megjithatë, në mënyrë teatrale, fshinë kufijtë midis realitetit dhe iluzionit.
Realizmi dhe klasicizmi-prirjet janë karakteristike për këtë epokë, pavarësisht nëse ato krahasohen me barokun apo perceptohen si përbërës të këtij stili. Salvator Rosa nga Napoli ishte një piktor peizazhesh me shumë ndikim. Punimet e tij u studiuan nga Alessandro Magnasco, Marco Ricci, francezi Claude-Joseph Vernet.
Piktura italiane bëri një përshtypje të fuqishme në të gjithë Evropën, por Italia, nga ana tjetër, nuk ishte e lirë nga ndikimi i kundërt i zotërve të Veriut. Një shembull i ndjekjes së gjinisë së pikturës së Wauverman, por me një shkrim individual të zhvilluar dhe lehtësisht të njohur, është Michelangelo Cherkvocci me "Grabitjen pas betejës". Ai u zhvillua si një artist në Romë nën ndikimin e Peter van Lahr të lindur në Haarlem dhe me bazë në Romë.
Nëse piktura veneciane e shekullit të 17-të jep përshtypjen e një intermezzo, një interlud midis të kaluarës së madhe të shekujve 15 dhe 16 dhe periudhës së lulëzimit të ardhshëm në shekullin 18, në personin e Bernardo Strozzi, piktura gjenoveze ka një artist të rangut të lartë që solli thekset thelbësore në pikturën e pikturës barok në Itali.
Piktura italiane e shekullit të 18-të
Ashtu si në shekujt e mëparshëm, shkolla individuale të pikturës italiane kishin identitetin e tyre në shekullin e 18-të, megjithëse numri i qendrave me të vërtetë të konsiderueshme ra. Venecia dhe Roma ishin një vatër e madhe për zhvillimin e artit në shekullin e 18-të, Bolonja dhe Napoli gjithashtu patën arritjet e tyre të jashtëzakonshme. Falë mjeshtrave të Rilindjes, Venecia ishte në shekullin e 17-të një shkollë e mesme për artistë nga qytete të tjera në Itali dhe nga e gjithë Evropa në përgjithësi, të cilët studiuan këtu Veronese dhe Tintoretto, Titian dhe Giorgione. Këta janë, për shembull, Johann Lis dhe Nicola Rainier, Domenico Fetti, Rubens dhe Bernardo Strozzi.
Shekulli 18 fillon me artistë të tillë si Andrea Celesti, Piero Negri, Sebastiano Ricci, Giovanni Battista Piazzetta. Shprehja më karakteristike e origjinalitetit të tij jepet nga pikturat e Giovanni Battista Tiepolo, Antonio Canal dhe Francesco Guardi. Shtrirja e mrekullueshme dekorative e punëve të Tiepolo shprehet gjallërisht në afresket e tij monumentale.
Bolonja, me lidhjet e saj të përshtatshme me Lombardinë, Venedikun dhe Firencën, është qendra e Emilisë, qyteti i vetëm në këtë rajon që ka emëruar mjeshtra të shquar në shekujt 17 dhe 18. Në 1119, këtu u themelua universiteti më i vjetër në Evropë me një fakultet të njohur të drejtësisë, jeta shpirtërore e qytetit ndikoi ndjeshëm në pikturën italiane të shekullit të 18-të.
Më tërheqëset janë veprat e Giuseppe Maria Crespi, veçanërisht seriali "Shtatë Sakramentet e Kishës" të ekzekutuar në 1712. Shkolla e pikturës së Bolonjës ka një artist evropian në personin e Crespi. Jeta e tij daton gjysmën në shekullin e 17-të dhe gjysmën në shekullin e 18-të. Si nxënës i Carlo Chignani, i cili nga ana e tij studioi me Francesco Albani, ai zotëronte gjuhën akademike të artit që kishte dalluar pikturën e Bolonjës që nga koha e Carracci. Crespi ka vizituar Venecian dy herë, duke mësuar veten dhe duke frymëzuar të tjerët. Sidomos Pianzetta, me sa duket, i kujtoi punimet e tij për një kohë të gjatë.
Piktura Bolonjeze e fillimit të shekullit të 18, e ndryshme nga ajo e Crespi, përfaqësohet nga Gambarini. Ngjyra e ftohtë dhe qartësia e tërhequr, përmbajtja tërheqëse dhe anekdotale e pikturave të tij e bëjnë atë, në krahasim me realizmin e fortë të Crespi, më shumë të ngjarë t'i atribuohet shkollës akademike.
Në personin e Francesco Solimena, piktura Napolitane kishte përfaqësuesin e saj të njohur në të gjithë Evropën. Në pikturën romake të shekullit të 18-të, një tendencë klasike manifestohet. Artistë të tillë si Francesco Trevisani, Pompeo Girolamo Batoni dhe Giovanni Antonio Butti janë shembuj të kësaj. Shekulli 18 ishte shekulli i iluminizmit. Kultura aristokratike në të gjitha zonat në gjysmën e parë të shekullit të 18-të përjetoi një periudhë të shkëlqyeshme të shkëlqimit të barokut të vonë, të manifestuar në festivale oborri, opera madhështore dhe vepra princërore.
Epoka e Barokut quhet shekulli i 17-të në artin italian. Ky stil, i cili është bërë një nga dominantët në pikturën evropiane, karakterizohet nga një perceptim sensual me gjak të plotë të botës, dinamizmi i vendimeve artistike. Me plotësinë e veçantë, ajo u zbulua në ansamble të planifikimit urban, në shkallë të gjerë, arkitektonike dhe piktoreske. Diversiteti i artit italian përcaktohet nga larmia e traditave lokale artistike, por, ashtu si në Rilindje, imazhi i një personi mbetet në qendër të vëmendjes së artistëve.
Pietro da Cortona, një arkitekt dhe artist, hyri në historinë e artit si autori i cikleve të famshëm të pikturave që zbukuronin pallatet e Romës dhe Firences. Përbërja e tij "Kthimi i Hagarit" është një shembull i shkëlqyeshëm i pikturës së kavallit të mjeshtrit, i cili u përpoq t'i jepte stilit barok një ashpërsi pothuajse klasiciste të zgjidhjes.
Lulëzimi i stilit barok shoqërohet me punën e Napoletanit Luca Giordano, i cili punoi në qytete të ndryshme të Italisë dhe ndikoi në shumë artistë. Dinamika e lëvizjes dhe patos i brendshëm i natyrshëm në veprat e tij u zbuluan veçanërisht plotësisht në imazhet e altarit, në ciklet e kanavacave monumentale-dekorative dhe pikturave në mur. Furçat e këtij mjeshtri të shquar në koleksionin e Muzeut përfshijnë disa punime që na lejojnë të gjykojmë shkallën e talentit të tij. Këto janë kanavacë me tema alegorike, ungjillore dhe mitologjike - "Ndëshkimi i Marsyas", "Martesa në Kanë të Galilesë", "Vuajtja e St. Lawrence ”. Më e mira prej tyre, pa dyshim, është kompozimi "Dashuria dhe Veset Çarmatosin Drejtësinë".
Shkolla Napolitane, e shënuar nga veçantia e saj e zhvillimit, paraqitet me disa punime. Politikisht, Mëkëmbësia e Napolit drejtohej nga kurora Spanjolle, e cila la gjurmët e saj në zhvillimin e artit. Piktura nga Bernardo Cavallino "Dëbimi i Iliodorus nga tempulli", në të cilën traditat akademike u thyejnë në mënyrë unike, dhe veprat dramatike të Andrea Vaccaro ("Maria dhe Martha") dhe Domenico Gargiulo ("Transferimi i Arkës së Besëlidhjes nga Mbreti David në Jeruzalem") dëshmojnë për larminë e kërkimeve artistike shkolla individuale.
Stili barok i dha një shtysë të fuqishme lulëzimit të pikturave të zhanrit të peizazhit, natyrës, në versionin e tyre unik kombëtar italian.
Në kapërcyell të shekujve 17-18, arti është përballur me detyrën për të kapërcyer akademizmin, i cili është kthyer në një grup formulash abstrakte. Në Bolonjë, kjo fortesë e traditës akademike, Giuseppe Maria Crespi, duke përdorur me shkathtësi lojën e chiaroscuro, në një mënyrë të re zgjidh tema fetare ("Familja e Shenjtë") dhe mitologjike ("Nimfat çarmatosin kupidat"), duke i mbushur ato me një ndjenjë të gjallë njerëzore. Gjenezi Alessandro Magnasco, i cili punoi në Milano, Firence, Bolonjë, bazuar në traditat piktoreske të shekullit të 17-të, zhvilloi prirje romantike. Karakteristikat e groteskut janë të natyrshme në kompozimet e tij të pazakonta të shkruara me një furçë lëvizëse nervoze me skena nga jeta e murgjve dhe aktorëve shëtitës ("Peisazhi me murgjit", "Vakti i murgeshave", "Magpie i mësuar"). Madje, edhe tema mitologjike pohuese e jetës së "Bakanalisë" siç interpretohet nga mjeshtri është e mbushur me një ndjenjë të melankolisë së thellë. Artisti krijoi këtë kanavacë në bashkëpunim me Clemente Spera, autorin e rrënojave arkitektonike.
Periudha e një ngritjeje të re bie në shekullin e 18-të, kur stili rokoko u vendos në tokën italiane, tiparet e të cilit ngjyrosin veprat e zhanreve të ndryshme - një portret (Sagrestani "Portreti i një burri", Luigi Crespi "Portreti i një vajze me një shportë me lule"), përshkrimet e skenave të jetës së përditshme (imituesi Longhi ") Takimi i prokurorit me gruan e tij "), fotografi në skena nga historia antike dhe mitologji (Crozato "Gjetja e Moisiut", Pittoni "Vdekja e Sofonisba", Sebastiano Ricci "Centurioni para Krishtit"). Periudha e fundit e ndritshme në historinë e artit italian është e lidhur me Venecian, e cila në shekullin e 18-të solli përpara një galaktikë të tërë piktorësh të nivelit më të lartë. Një vend të veçantë mes tyre zë me të drejtë Giambattista Tiepolo, një piktor i shquar i kohës së tij, një mjeshtër i njohur i pikturës monumentale dhe dekorative, i cili mori urdhra të shumtë nga vendet evropiane. Furça e tij i përket përbërjes së altarit "Madona dhe Fëmija me Shenjtorët", si dhe skica të ekzekutuara lirisht "Vdekja e Didos" dhe "Dy Shenjtorët".
Në pjesën e shekullit të 18-të, me shumë interes janë veprat e piktorit romak Panini (Benedikti XIV viziton shatërvanin Trevi), i cili, në zhanrin e peizazheve me motive rrënojash, ishte paraardhësi i francezit Hubert Robert, aq shumë i vlerësuar në Rusi.
Në Venecia, bukuria magjepsëse e së cilës nuk linte askënd indiferent, u formua një drejtim i veçantë i pikturës së peizazhit - imazhi i qytetit me pallatet e tij, kanalet, sheshet e mbushura me një turmë piktoreske të larmishme. Pikturat e Canaletto, Bernardo Bellotto, Marieschi, që i përkasin zhanrit të plumbit arkitektonik, magjepsin me saktësinë iluzive të imazhit, ndërsa veprat e dhomës së Francesco Guardi, të quajtura peizazhe Capriccio, nuk riprodhojnë aq shumë pamje reale sa ofrojnë vëmendjen e shikuesit një imazh të caktuar poetik të qytetit.
Gianantonio Guardi, ndryshe nga vëllai i tij i vogël Francesco, u bë i famshëm si mjeshtër i kompozimeve me figura në tema biblike, mitologjike dhe historike. Ekspozita paraqet pikturën e tij "Aleksandri i Madh në trupin e mbretit Persian Darius", e njohur si një kryevepër e vërtetë e mjeshtrit. Në epokën e karnavalit dhe lulëzimit të shkëlqyeshëm të muzikës, duke përdorur me mjeshtëri gjuhën e strukturës dhe ngjyrës, Guardi krijon një simfoni piktoreske të paharrueshme, të përshkuar nga lëvizja e gjallë e ndjenjës njerëzore. Në këtë notë të lartë, përfundon periudha e lulëzimit më të madh të artit italian, e cila filloi me Rilindjen.
Trego tekstin e plotë
